Andreï Roublev : 31 anecdotes que vous ne connaissiez peut-être pas
Le film est évoqué dans les deux longs métrages de Tarkovski qui ont suivi celui-ci. On le retrouve d'abord dans Solaris (1972), où une icône d'Andreï Roublev est placée dans la chambre du personnage principal. Il est ensuite cité dans Le Miroir (1975), où une affiche du film est accrochée à un mur.
En 2010, Andreï Roublev a été à l'honneur en se classant à la deuxième place ex aequo d'une série d'un journal britannique consacrée aux « plus grands films de tous les temps », selon le vote des critiques du Guardian et de The Observer.
Théophane le Grec (v. 1340 - v. 1410) était un artiste grec originaire de Constantinople et l'un des plus grands peintres d'icônes de Russie ; il fut le maître et le mentor d'Andreï Roublev.
Dans ce film, le réalisateur Andrei Tarkovsky s'appuie sur sa propre évolution créative et ses luttes religieuses pour interroger le christianisme comme axiome de l'identité historique de la Russie.
Deux églises majeures sont mentionnées. La cathédrale Dmitrievsky (1194) se trouve dans la ville de Vladimir. La cathédrale de l'Annonciation, à Moscou, est un assemblage d'églises et de chapelles du 14e au 16e siècle. C'est la deuxième plus ancienne cathédrale du Kremlin.
Le monastère Andronikov se situait dans le quartier de Taganka, à Moscou, et fut construit en 1360 sur la rive est de la rivière Iaouza, dans le cadre de la ceinture défensive extérieure de monastères-forteresses de Moscou. Son nom vient de celui de son premier abbé, Andronik. Le moine le plus célèbre du monastère fut Andreï Roublev.
Le film a été remonté en 1971 par Tarkovski à partir de sa version originale de 1966, alors encore intitulée « La Passion selon André ». Ce premier montage plus long (205 minutes), censuré pendant la première décennie de l'ère Brejnev en Union soviétique, est finalement sorti en DVD chez Criterion Collection en 1999 sous le nom de « director's cut », malgré la préférence de Tarkovski pour le remontage de 185 min de 1971. Il est ressorti en DVD/Bluray en 2018, avec la version plus courte de 1971 de Tarkovski. Parmi les scènes retirées du montage final figurent des plans explicites des yeux crevés des tailleurs de pierre, la vache en feu et le cheval transpercé d'une lance (bien qu'il chute encore). Quatre scènes de flash-back/fantasy ont été entièrement supprimées : le rêve de vol de Foma dans l'épisode deux, la réminiscence d'Andreï des trois moines sous un chêne détrempé par la pluie dans l'épisode quatre, le fantasme du jeune prince d'humilier le grand-duc dans l'épisode cinq, et le souvenir de Boriska de la fonte de la cloche dans l'épisode sept.
En 2010, le Festival international du film de Toronto a publié sa liste « Essential 100 », où Andreï Roublev figurait également à la 87e place.
Sélectionné par le Vatican dans la catégorie « religion » de sa liste de 45 « grands films ».
C'est le premier film d'Anatoliy Solonitsyn, et le premier des quatre qu'il tourna avec le réalisateur Andrei Tarkovsky avant sa mort d'un cancer en 1982. Si Solonitsyn avait vécu, il aurait aussi incarné le protagoniste Andrei Gorchakov dans Nostalghia (1983) de Tarkovski, et aurait tenu le premier rôle d'un projet intitulé « The Witch », devenu finalement la dernière production de Tarkovski, Le Sacrifice (1986).
Le film fut achevé et projeté une fois devant un public choisi à Moscou durant l'hiver 1966, après que le réalisateur Andrei Tarkovsky eut retiré 15 minutes de contenu controversé sur ordre du ministère. Pourtant, malgré les réactions enthousiastes du public, les censeurs soviétiques bloquèrent une sortie généralisée car « l'erreur idéologique du film ne fait aucun doute » ; ils accusèrent le film d'être « anti-historique » en ne montrant pas le développement rapide des grandes villes russes ni la lutte du peuple contre les Mongols. Tarkovski ayant déjà réduit son film de 205 à 190 minutes, il refusa d'abord de couper davantage pour une sortie généralisée. La première projection officielle de la version de 190 minutes hors de Russie eut lieu au festival de Cannes en mai 1969, où elle fut reçue avec enthousiasme et remporta le prix FIPRESCI, bien qu'elle n'ait été projetée qu'une seule fois hors compétition, à l'insistance des responsables soviétiques. Une sortie nationale généralisée avec distribution internationale fut finalement obtenue en 1971, après que d'influents admirateurs de l'œuvre de Tarkovski eurent fait pression sur les autorités pour sortir le film, et après que Tarkovski eut accepté de couper 4 minutes de plus pour apaiser le ministère. Il qualifia plus tard la version finale de 186 minutes de version préférée du film.
Le personnage de Danil est inspiré de Daniil Chyorny (v. 1360 - 1430), peintre d'icônes russe et compagnon d'Andreï Roublev. On pense qu'il a peint la cathédrale de la Dormition à Vladimir en collaboration avec Roublev.
La référence à Épiphane renvoie à l'écrivain Épiphane le Sage, un auteur renommé de la fin du 14e et du début du 15e siècle. Épiphane était proche de Théophane le Grec.
Dans ses mémoires supposées, le compositeur Dmitri Chostakovitch raconte une histoire sur la scène de la vache en feu qui circulait à Moscou. Elle aurait été tournée dans un petit village, Andrei Tarkovsky aurait lui-même mis le feu à la vache alors que personne ne voulait le faire, et les villageois furieux auraient failli le tuer ensuite. Tout cela est faux, mais Chostakovitch semblait y croire. Sans nommer Tarkovski, il qualifiait néanmoins le réalisateur d'« homme de talent ».
Le film a été tourné en extérieurs, sur la rivière Nerl et dans les lieux historiques de Vladimir/Souzdal, Pskov, Izborsk et Petchory. Le budget initial était de 1,6 million de roubles, mais il fut réduit à plusieurs reprises jusqu'à 1 million de roubles. À titre de comparaison, Guerre et paix (1965) de Sergey Bondarchuk disposait d'un budget de 8,5 millions de roubles. En raison de ces restrictions budgétaires, plusieurs scènes du scénario durent être coupées, dont une scène d'ouverture montrant la bataille de Koulikovo, une scène de chasse où le jeune frère du grand-duc chasse des cygnes, et une scène montrant des paysans aidant Durochka à donner naissance à son enfant russo-tatar. Le budget final du film s'éleva à 1,3 million de roubles, le dépassement étant dû à de fortes chutes de neige qui perturbèrent le tournage de novembre 1965 à avril 1966.
Le premier montage du film était connu sous le nom de « La Passion selon André », bien que ce titre n'ait pas été utilisé pour la version sortie. Il durait plus de 3 heures et 25 minutes et fut achevé en juillet 1966. Cependant, Goskino (le ministère du cinéma) exigea des coupes, invoquant sa durée, sa négativité, sa violence et sa nudité, ce qui donna une version de 190 minutes ; il fallut pourtant cinq ans avant que le film ne sorte largement en Union soviétique. Malgré les objections de Tarkovski exprimées dans une lettre à Alexey Romanov, président de Goskino, le ministère exigea des coupes supplémentaires, et Tarkovski ramena la durée à 186 minutes finales. Le réalisateur insista toutefois sur le fait qu'il avait pris lui-même toutes les décisions créatives après de longues discussions avec amis et collègues ; aucun changement de sujet ni omission significative ne fut fait, et le spectateur ne perd rien. Certaines scènes brutales furent raccourcies afin de provoquer un choc psychologique chez le spectateur plutôt que de laisser des impressions désagréables : « Plus tard, j'ai compris que cette version finale du film répondait plus qu'amplement à mes exigences. Et je ne regrette pas du tout que le film ait été raccourci à sa longueur actuelle. »
Malgré les difficultés que le réalisateur Andrei Tarkovsky a rencontrées pour faire montrer ce film à l'étranger, ou même pour obtenir une sortie officielle dans son Union soviétique natale (ou peut-être en partie pour ces raisons), l'œuvre est aujourd'hui très hautement considérée. Dans les plus récents sondages de critiques et de réalisateurs du BFI Sight & Sound sur les meilleurs films de tous les temps, publiés en 2012, le film a atteint le rang exceptionnellement élevé de 27e dans le sondage des critiques. Toutefois, Le Miroir (1975), film ultérieur de Tarkovski, le devançait, à la 19e place du même sondage. De même, dans le sondage des réalisateurs de cette année-là, le film s'est classé 13e ex aequo, tandis que Le Miroir (1975) apparaît à la 9e place.
En avril 1964, le scénario du film fut approuvé par Mosfilm et Tarkovski commença à travailler sur le film. Au même moment, le scénario fut publié dans l'influente revue de cinéma Iskusstvo Kino et largement discuté parmi les historiens, les critiques de cinéma et les lecteurs ordinaires.
Dans le prologue, un paysan russe médiéval effectue un bref et funeste vol dans sa montgolfière de fabrication artisanale. Bien que conçue comme une affirmation sur la liberté créative, cette scène s'accordait aussi avec les vues du système éducatif soviétique, qui enseignait que la plupart des avancées technologiques mondiales avaient été inventées en Russie par des Russes. Les premiers vols habités en montgolfière eurent en réalité lieu en France en 1783.
Ce film figure dans le Top 250 officiel des longs métrages de fiction narratifs sur Letterboxd.
Tarkovski et son coscénariste Andrei Konchalovsky ont travaillé plus de deux ans sur le scénario, étudiant les écrits et chroniques médiévaux ainsi que des ouvrages sur l'histoire et l'art médiévaux.
Ce film fait partie de la Criterion Collection, numéro 34.
Dans le rôle-titre, Anatoliy Solonitsyn porta une perruque pendant la majeure partie du film. Pour ses scènes en Roublev vieillissant, l'acteur arborait sa calvitie naturelle.
Classé n° 1 dans le top 25 des meilleurs films d'art et essai de tous les temps du Guardian.
Classé 40e film non anglophone dans le sondage des critiques mené par la BBC en 2018.
2e long métrage de fiction d'Andrei Tarkovsky.
Anecdotes avec spoilers
Afficher le spoiler
Pour la scène où la vache est en feu, l'animal fut recouvert d'un manteau d'amiante qui le protégeait de brûlures réelles. Mais pour la scène où le cheval chute dans l'escalier, il fut abattu d'une balle dans le cou par le réalisateur Andrei Tarkovsky. L'équipe avait acquis le cheval dans un abattoir où il devait être abattu le lendemain.
Afficher le spoiler
Dans un entretien de 1969, Tarkovski déclarait que l'homme volant du prologue est « le symbole de l'audace, en ce sens que la création exige de l'homme l'offrande complète de son être. Qu'on veuille voler avant que cela ne soit devenu possible, ou fondre une cloche sans avoir appris à le faire, ou peindre une icône — tous ces actes exigent que, pour le prix de sa création, l'homme meure, se dissolve dans son œuvre, se donne entièrement ».
Afficher le spoiler
En 1973, le film fut diffusé à la télévision soviétique dans une version de 101 minutes que Tarkovski n'avait pas autorisée. Parmi les scènes notables coupées de cette version figuraient le raid des Tatars et la scène montrant des païens nus. L'épilogue montrant des détails des icônes d'Andreï Roublev était en noir et blanc, l'Union soviétique n'étant pas encore entièrement passée à la télévision couleur.
Afficher le spoiler
La séquence en couleur des icônes de Roublev commence par ne montrer que des détails choisis, pour culminer sur l'icône la plus célèbre de Roublev, La Trinité. Selon Tarkovski, l'une des raisons de ce final en couleur était de donner au spectateur un peu de repos et de lui permettre de se détacher de la vie de Roublev pour réfléchir. Le film se termine finalement sur l'image de chevaux au bord d'une rivière sous la pluie. Pour Tarkovski, les chevaux symbolisaient la vie, et leur présence dans la scène finale (comme dans beaucoup d'autres scènes du film) signifiait que la vie était la source de tout l'art de Roublev.
Afficher le spoiler
Tarkovski choisit de tourner le film principal en noir et blanc et l'épilogue, montrant certaines icônes de Roublev, en couleur. Dans un entretien, il justifia ce choix en affirmant que, dans la vie quotidienne, on ne remarque pas consciemment les couleurs. Par conséquent, la vie de Roublev est en noir et blanc, tandis que son art est en couleur. Le film pouvait ainsi exprimer l'interdépendance entre l'art d'un artiste et sa vie personnelle.