Andriej Rublow: 30 ciekawostek zza kulis

W 2010 roku Andriej Rublow dostąpił zaszczytu zajęcia ex aequo drugiego miejsca w plebiscycie brytyjskiego dziennika na „Największe filmy wszech czasów”, w którym głosowali krytycy z The Guardian i The Observer.
Teofan Grek (ok. 1340 – ok. 1410) był greckim artystą z Konstantynopola i jednym z najwybitniejszych rosyjskich malarzy ikon, a także nauczycielem i mentorem Andrieja Rublowa.
W tym filmie reżyser Andriej Tarkowski wykorzystał własny rozwój twórczy i zmagania religijne, by poddać krytyce chrześcijaństwo jako aksjomat historycznej tożsamości Rosji.
Monaster Androników leżał w rejonie Taganki w Moskwie i został zbudowany w 1360 roku na wschodnim brzegu Jauzy w ramach zewnętrznego pierścienia obronnego moskiewskich fortec-monasterów. Nazwa pochodzi od imienia pierwszego przełożonego, Andronika. Najsłynniejszym mnichem klasztoru był Andriej Rublow.
Film został ponownie zmontowany w 1971 roku przez Tarkowskiego z jego oryginalnej wersji z 1966 roku, gdy nosił jeszcze tytuł „Pasja według Andrieja”. Ten dłuższy pierwszy montaż (205 minut), ocenzurowany w pierwszej dekadzie ery Breżniewa w ZSRR, ukazał się ostatecznie na DVD nakładem Criterion Collection w 1999 roku jako „wersja reżyserska”, mimo że Tarkowski preferował 185-minutowy remontaż z 1971 roku. Został ponownie wydany na DVD/Blu-ray w 2018 roku wraz z krótszą wersją z 1971 roku. Sceny usunięte z finalnego montażu to m.in. drastyczne ujęcia wyłupionych oczu kamieniarzy, płonąca krowa i koń przebity lancą (choć wciąż upada). Cztery sceny retrospekcyjne/fantastyczne zostały całkowicie pominięte: fantazja Fomy o locie w odcinku drugim, wspomnienie Andrieja o trzech mnichach pod deszczem wśród dębu w odcinku czwartym, fantazja młodszego księcia o upokorzeniu wielkiego księcia w odcinku piątym oraz wspomnienie Boriski o odlewaniu dzwonu w odcinku siódmym.
W 2010 roku film zajął 87. miejsce na liście „100 najlepszych filmów kina światowego” magazynu Empire.
W 2010 roku Międzynarodowy Festiwal Filmowy w Toronto opublikował listę „Essential 100”, na której Andriej Rublow również uplasował się na 87. pozycji.
Wybrany przez Watykan w kategorii „religia” na liście 45 „wielkich filmów”.
Film ukończono i pokazano raz wybranej publiczności w Moskwie zimą 1966 roku, po tym jak reżyser Andriej Tarkowski wyciął 15 minut kontrowersyjnych treści na polecenie ministerstwa. Jednak mimo entuzjastycznych reakcji widzów sowieccy cenzorzy wstrzymali szeroką dystrybucję, ponieważ „ideologiczna błędność filmu nie podlega wątpliwości”; oskarżyli obraz o „antyhistoryczność”, zarzucając mu, że nie ukazuje szybkiego rozwoju dużych rosyjskich miast i walki ludu z Mongołami. Ponieważ Tarkowski skrócił już film ze 205 do 190 minut, początkowo odmówił dalszych cięć na potrzeby szerokiej dystrybucji. Pierwszy oficjalny pokaz 190-minutowej wersji poza Rosją odbył się na festiwalu w Cannes w maju 1969 roku, gdzie przyjęto go entuzjastycznie i nagrodzono Nagrodą FIPRESCI, mimo że został wyświetlony tylko raz poza konkursem na naleganie sowieckich urzędników. Szeroka krajowa dystrybucja z międzynarodową sprzedażą została ostatecznie zapewniona w 1971 roku, po tym jak wpływowi wielbiciele twórczości Tarkowskiego wywarli presję na władze, a Tarkowski zgodził się wyciąć jeszcze 4 minuty, by udobruchać ministerstwo. Później nazwał ostateczną 186-minutową wersję swoją ulubioną.
Postać Danila oparta jest na Daniile Czornym (ok. 1360 – 1430), rosyjskim malarzu ikon i towarzyszu Andrieja Rublowa. Uważa się, że wspólnie z Rublowem malował sobór Wniebowzięcia we Włodzimierzu.
W domniemanych pamiętnikach kompozytor Dmitrij Szostakowicz przytoczył krążącą po Moskwie opowieść o scenie płonącej krowy. Miał ją nakręcono w małej wiosce, Andriej Tarkowski sam podpalił krowę, gdy nikt inny nie chciał tego zrobić, a rozwścieczeni wieśniacy omal go potem nie zabili. Wszystko nieprawda, ale Szostakowicz zdawał się w to wierzyć. Nie wymieniając Tarkowskiego z nazwiska, nazwał go jednak „utalentowanym człowiekiem”.
Film kręcono w plenerach nad rzeką Nerlą oraz w historycznych miejscach Włodzimierza/Suzdalu, Pskowa, Izborska i Pieczor. Początkowy budżet wynosił 1,6 mln rubli, ale kilkakrotnie obcięto go do 1 mln rubli. Dla porównania Wojna i pokój (1965) Siergieja Bondarczuka miała budżet 8,5 mln rubli. W wyniku ograniczeń budżetowych trzeba było wyciąć kilka scen ze scenariusza, w tym scenę otwierającą bitwę na Kulikowym Polu, scenę polowania, w której młodszy brat wielkiego księcia poluje na łabędzie, oraz scenę, w której chłopi pomagają Duroczce urodzić jej rosyjsko-tatarskie dziecko. Ostateczny budżet filmu wyniósł 1,3 mln rubli, a przekroczenie kosztów było spowodowane obfitymi opadami śniegu, które zakłóciły zdjęcia od listopada 1965 do kwietnia 1966.
Ten film, dziś powszechnie dostępny i łatwy do znalezienia online, przez lata po powstaniu był niezwykle trudny do obejrzenia, nawet w pierwszej dekadzie nowego stulecia!* Po zaledwie jednym pokazie premierowym w Moskwie („Dom Kino”) w 1966 roku był wstrzymywany w sowieckiej dystrybucji aż do 1969 roku, gdy „zaproszono” go na festiwal w Cannes, na co władze sowieckie początkowo odmówiły, ale (niechętnie?) zgodziły się za drugim razem, pod warunkiem pokazu „poza konkursem” i tylko raz – w środku nocy/nad ranem („4 rano”!), gdzie natychmiast przyznano mu nagrodę międzynarodowych krytyków filmowych! A potem „zniknął”, np. do Wielkiej Brytanii dotarł dopiero w 1973 roku (i to w wersji o długości zaledwie 146 minut**). Następnie: „Zapowiadano go przy różnych okazjach, ale się nie pojawiał. Poza pokazem prasowym w National Film Theatre w tym tygodniu [2010!], w Londynie nie planowano żadnych seansów. Być może jego producenci, Mosfilm, czekają na reakcje po jedynym pokazie na – śmiałbym rzec? – dość mało znanym Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Edynburgu, by zdecydować o przyszłości filmu, jeśli chodzi o pokazy na Zachodzie.” * Współczesna recenzja M. McNaya [sierpień ’73]. Uwaga: obecnie łatwo dostępna wersja trwająca 3 godziny i 6 minut to własny – „Jestem przekonany, że najnowsza wersja jest najlepsza” [1969] – ostateczny, preferowany montaż Tarkowskiego.
Pierwszy montaż filmu znany był jako „Pasja według Andrieja”, choć tego tytułu nie użyto w wersji wydanej. Liczył ponad 3 godziny i 25 minut i został ukończony w lipcu 1966 roku. Jednak Goskino (ministerstwo filmu) zażądało cięć, argumentując to długością, negatywnym wydźwiękiem, przemocą i nagością, co zaowocowało wersją 190-minutową, ale minęło pięć lat, zanim film doczekał się szerokiej dystrybucji w ZSRR. Mimo sprzeciwu Tarkowskiego wyrażonego w liście do Aleksieja Romanowa, przewodniczącego Goskina, ministerstwo zażądało dodatkowych cięć, a Tarkowski skrócił film do ostatecznych 186 minut. Reżyser twierdził jednak, że wszystkie decyzje twórcze podejmował sam po długich dyskusjach z przyjaciółmi i kolegami; nie zmieniono tematyki ani nie pominięto nic istotnego, a widz niczego nie traci. Niektóre brutalne sceny skrócono, by wywołać u widzów szok psychologiczny, a nie pozostawić nieprzyjemne wrażenia: „Później zrozumiałem, że ta ostateczna wersja filmu w pełni spełnia moje wymagania. I wcale nie żałuję, że film został skrócony do obecnej długości”.
Mimo trudności, jakie reżyser Andriej Tarkowski napotykał przy pokazywaniu tego filmu za granicą, a nawet przy uzyskaniu oficjalnej dystrybucji w rodzinnym ZSRR (a może częściowo z tych powodów), dzieło jest obecnie bardzo wysoko cenione. W najnowszym plebiscycie krytyków i reżyserów BFI Sight & Sound na najlepsze filmy wszech czasów, opublikowanym w 2012 roku, film osiągnął wyjątkowo wysokie 27. miejsce w rankingu krytyków. Jednak późniejszy film Tarkowskiego Zwierciadło (1975) wyprzedził go, plasując się na 19. miejscu w tym samym plebiscycie. Podobnie w rankingu reżyserów z tego roku film zajął ex aequo 13. miejsce, podczas gdy Zwierciadło (1975) znalazło się na 9. miejscu.
W kwietniu 1964 roku scenariusz filmu został zatwierdzony przez Mosfilm i Tarkowski rozpoczął pracę nad filmem. Jednocześnie scenariusz opublikowano w wpływowym magazynie filmowym „Iskusstwo Kino”, gdzie szeroko go dyskutowano wśród historyków, krytyków filmowych i zwykłych czytelników.
Znalazł się wśród „1001 filmów, które musisz zobaczyć przed śmiercią” pod redakcją Stevena Schneidera.
W prologu średniowieczny rosyjski chłop odbywa krótki, pechowy lot własnoręcznie zbudowanym balonem na ogrzane powietrze. Choć scena miała być wyrazem wolności twórczej, była też zgodna z poglądami sowieckiego systemu edukacji, który nauczał, że większość światowych osiągnięć technicznych wynaleźli w Rosji Rosjanie. Pierwsze załogowe loty balonem na ogrzane powietrze odbyły się w rzeczywistości we Francji w 1783 roku.
Film znajduje się w oficjalnym Top 250 filmów fabularnych na Letterboxd.
Tarkowski i jego współscenarzysta Andriej Konczałowski pracowali nad scenariuszem ponad dwa lata, studiując średniowieczne pisma i kroniki oraz książki o średniowiecznej historii i sztuce.
Film należy do Criterion Collection, numer 34.
W roli tytułowej Anatolij Sołonicyn przez większość filmu nosił perukę. W scenach jako starszy Rublow aktor występował z naturalną, łysiejącą linią włosów.
Zajął 1. miejsce na liście 25 najlepszych filmów arthouse'owych wszech czasów według Guardiana.
Jeden z ulubionych filmów Richarda Linklatera, Roya Anderssona, Nuri Bilge Ceylana, Andrieja Zwiagincewa, André Gregory'ego i Wallace'a Shawna, Ulricha Seidla, Oliviera Assayasa i Carlosa Reygadasa.
Zajął 40. miejsce wśród filmów nieanglojęzycznych w plebiscycie krytyków przeprowadzonym przez BBC w 2018 roku.

Ciekawostki ze spoilerami

Pokaż spoiler
W scenie z płonącą krową zwierzę było okryte azbestowym kocem, który chronił je przed rzeczywistym poparzeniem. Natomiast w scenie, w której koń spada ze schodów, został postrzelony w szyję przez reżysera Andrieja Tarkowskiego. Ekipa pozyskała konia z rzeźni, gdzie następnego dnia miał zostać zastrzelony.
Pokaż spoiler
W wywiadzie z 1969 roku Tarkowski stwierdził, że lecący człowiek w prologu jest „symbolem śmiałości w tym sensie, że tworzenie wymaga od człowieka całkowitego oddania siebie. Czy chce się latać, zanim stało się to możliwe, czy odlać dzwon, nie nauczywszy się tego, czy namalować ikonę – wszystkie te akty wymagają, by człowiek za cenę swojego dzieła umarł, rozpuścił się w pracy, oddał się całkowicie”.
Pokaż spoiler
Kolorowa sekwencja ikon Rublowa zaczyna się od pokazania tylko wybranych detali, by osiągnąć kulminację w najsłynniejszej ikonie Rublowa, Trójcy. Jednym z powodów włączenia tego kolorowego finału było, według Tarkowskiego, danie widzowi wytchnienia i pozwolenie mu na oderwanie się od życia Rublowa i refleksję. Film kończy się obrazem koni nad rzeką w deszczu. Dla Tarkowskiego konie symbolizowały życie, a umieszczenie ich w scenie finałowej (i w wielu innych scenach filmu) oznaczało, że życie było źródłem całej sztuki Rublowa.
Pokaż spoiler
Tarkowski zdecydował się nakręcić główną część filmu w czerni i bieli, a epilog ukazujący niektóre ikony Rublowa – w kolorze. W wywiadzie uzasadnił swój wybór twierdzeniem, że w codziennym życiu nie zauważa się świadomie kolorów. W rezultacie życie Rublowa jest czarno-białe, podczas gdy jego sztuka jest kolorowa. Film mógł w ten sposób wyrazić współzależność sztuki artysty i jego życia osobistego.
Pokaż spoiler
Zachowane źródła historyczne pokazują, że Andriej Rublow działał jako malarz w latach 1405–1408 i 1425–1427. Film wypełnia lukę między tymi okresami, każąc Rublowowi wyrzec się sztuki i złożyć ślub milczenia jako pokutę za zabicie tatarskiego najeźdźcy podczas najazdu na Włodzimierz. Narracja kończy się w 1424 roku, gdy Rublow przerywa milczenie, by powiedzieć młodemu ludwisarzowi, że jego praca natchnęła go do ponownego malowania.