Pacific Rim : 60 anecdotes que vous ne connaissiez peut-être pas

Ron Perlman a gardé les chaussures qu'il portait dans ce film. Plus tard, sa femme les a fait fondre et transformées en une paire d'escarpins pour elle.
Raiju (catégorie 4) est la créature cuirassée à l'armure céphalique en trois parties, qui s'ouvre pour révéler la véritable tête du monstre, semblable à celle d'un poulain. Inspiré principalement des reptiles (et surtout des iguanes), il a été conçu comme un personnage aquatique. « Ses pieds ont été sculptés pliés, a expliqué del Toro, donc il n'est pas censé marcher [sur deux jambes]. J'ai toujours dit [aux designers] de penser le corps à l'horizontale, pour qu'il puisse se déplacer comme un iguane géant. » Raiju, dont l'autre surnom était « Croc », a été dessiné par Francisco Ruiz Velasco, qui lui a donné l'apparence d'un crocodile mêlée aux plaques blindées d'un pangolin.
La queue d'Otachi était à l'origine un élément d'un kaiju totalement différent, surnommé « Meathead », qui a été coupé au montage.
Les Kaiju étaient en substance décrits comme des « armes vivantes. Ils sont un instinct aveugle allié à une intelligence tactique, capables de prendre des décisions instantanées au combat. » Tous les designs suivaient des principes communs et simples. En tant qu'« armes vivantes », ils sont « fraîchement fabriqués » et dépourvus de toute difformité. « Chaque élément doit servir d'arme, a déclaré del Toro. Si on crée un Kaiju avec trois ou quatre queues, je veux le voir s'en servir. Si le Kaiju a une gueule au bout de la queue, alors je vais m'en servir pour combattre le robot avec les deux extrémités. »
Selon Travis Beacham, dans une première version du scénario, Mako et Raleigh parlaient deux langues différentes pendant la majeure partie du film. Après s'être connectés comme pilotes, ils ont peu à peu appris à se comprendre, et avant la fin, chacun entendait l'autre s'exprimer dans sa propre langue. Seul vestige de cette barrière linguistique : lorsque Raleigh parle à Mako en japonais, et qu'elle est surprise qu'il connaisse sa langue maternelle.
Leatherback (catégorie 4) est le monstre à l'allure de gorille qui attaque Hong Kong aux côtés d'Otachi, et la créature du film à laquelle del Toro s'identifie le plus. « Il me touche vraiment, viscéralement, a déclaré le réalisateur. Il est absolument brutal, mais je le trouve plutôt adorable. » La peau de Leatherback est cuirassée, et un organe spécialisé sur son dos produit l'équivalent biologique d'une impulsion électromagnétique (IEM). Les deux crêtes de sa tête bougent et se déplacent, révélant à l'arrière du crâne un enchevêtrement grouillant de tentacules bioluminescents, qui s'agitent plus vite quand la créature est stressée. Leatherback a été dessiné par David Meng, « l'un des meilleurs designers de monstres au monde » selon del Toro. Meng a aussi sculpté la maquette de la créature. Après un long brainstorming avec le réalisateur, « on a abouti à quelque chose comme un gorille, ce qui est toujours amusant à animer ». Del Toro a ajouté : « un design doit avant tout avoir une silhouette nette et distinctive, puis une personnalité qui le rend unique. Leatherback est né avec tout ça. » Leatherback est une brute aux bras énormes et puissants. Del Toro a commenté la nature du monstre : « ce qu'on voulait avec lui, c'était qu'il donne l'impression d'un videur, d'une pure brute musculaire qui fonce — donc ses attaques sont très simiesques. Les poings servent de masses. Il saute sur les épaules et le torse d'un ennemi et se met à le marteler. » Les sons de Leatherback ont été spécialement conçus pour être les plus intimidants parmi les monstres, selon le monteur son superviseur Scott Gershin : « Leatherback a beaucoup de présence dans les basses. Je ne voulais pas forcément qu'il soit fort, mais qu'il soit intense. Quand on l'entend, la première pensée qui vient, c'est : “ah, merde, ça sent pas bon”. »
Guillermo del Toro est un grand fan de Philadelphia (2005), et il a proposé à Charlie Day un rôle dans ce film en échange d'un caméo dans la série. Il est apparu en Pappy McPoyle dans The Maureen Ponderosa Wedding Massacre (2012) et McPoyle vs. Ponderosa: The Trial of the Century (2016).
L'un des chefs décorateurs a raconté que c'était la première fois qu'on montait un décor à l'aide de chariots élévateurs et de marteaux-piqueurs. Une grande partie du décor est faite de vrais matériaux, contrairement à la plupart des décors.
Le Dr Newt de Charlie Day évoque chez les Kaiju un second cerveau, semblable à celui des dinosaures. Cette théorie sur les dinosaures était encore enseignée dans les années 1990, mais elle a depuis été réfutée par la communauté scientifique. De plus, seuls quelques dinosaures comme le stégosaure étaient supposés avoir un second cerveau, parce que leur crâne et leur cerveau étaient minuscules par rapport à leur corps. La plupart des Kaiju de ce film avaient une grosse tête, donc l'hypothèse ne tient pas, et ce pour plusieurs raisons.
En mars 2013, la chaîne YouTube « Dumb Drum » a réalisé une version « swedée » de la bande-annonce du film. Moins de deux semaines plus tard, Guillermo del Toro a commenté la vidéo à la WonderCon 2013, la qualifiant de « chef-d'œuvre » et affirmant qu'elle l'avait inspiré pour créer la deuxième bande-annonce du film. Il a aussi invité les auteurs à l'avant-première hollywoodienne. À la sortie du film en vidéo, Legendary Pictures a contacté « Dumb Drum » pour lui demander d'aider à en faire la promotion. En octobre 2013, ils ont mis en ligne plusieurs versions « swedées » de scènes du film. Ces nouvelles vidéos duraient quinze secondes, pour être partagées sur les réseaux sociaux.
Gipsy Danger est peint et décoré pour ressembler à un avion de chasse de la Seconde Guerre mondiale. Un nose art orne son torse.
Interrogé sur la raison pour laquelle les pilotes se crient dessus alors qu'ils sont liés par télépathie, Travis Beacham a répondu que cela les aidait à rester concentrés.
Le bébé Kaiju, découvert à Hong Kong, est l'enfant d'Otachi — et son design a donc été conçu à rebours à partir de celui de son parent. Le bébé est l'élément du film qui incarne le plus vivement le style surréaliste de Guillermo del Toro : « si on considère un monstre comme une chose redoutable, on peut lui offrir un moment où il est curieux, attachant, presque mignon. Le surréalisme naît du rapprochement. Le téléphone de Dali avec le homard dessus. L'élément qui ne fonctionne pas est celui qui fait fonctionner la chose. » Conçue avec un « côté chiot », la créature a reçu de grands yeux et une tête très grosse par rapport au corps. « C'est à la fois mignon et horrible, a ajouté del Toro ; on a donné au bébé deux caractéristiques qui le rendent unique et beau à regarder — la translucidité et l'iridescence. La peau est translucide et nacrée, mais aussi ridée comme celle d'un rat-taupe nu, [ou] d'un chat égyptien. » Animer le bébé s'est révélé particulièrement complexe, selon Hickel : « le désordre est parfois le plus difficile de tout — parce qu'il n'y a pas de hasard heureux. L'animateur décide de chaque mouvement qu'il va faire, de chaque petite ondulation et balancement. »
Le superviseur des effets visuels John Knoll et le réalisateur Guillermo del Toro ont passé plusieurs semaines à discuter de la physique des personnages géants et sont entrés dans des détails très précis, comme la façon dont le déplacement d'air d'un Jaeger passant entre des gratte-ciel ferait trembler les vitres des immeubles.
Bien que les monstres géants aient toujours été pensés en images de synthèse, tous leurs designs ont été développés à partir de l'idée qu'ils pourraient être « portés comme des costumes », à la manière des films de kaiju traditionnels.
(Vers 55 minutes) Un panneau de rue bien visible à Hong Kong indique l'intersection de « Tull Street » et « Fong Street ». Thomas Tull est le président de Legendary Pictures (qui a financé le film), et Henry Fong est l'un des concept artists du film.
Le réalisateur Guillermo del Toro s'est inspiré des animes et des tokusatsu de sa jeunesse. Il a cité spécifiquement Tetsujin nijûhachi-go (1963) comme influence majeure. Malgré cela, il voulait éviter toute référence à d'autres œuvres de fiction dans le design des robots et des monstres.
Les Kaiju sont aussi « infestés » de parasites qui vivent sur les couches externes de leur peau. La construction physique des créatures a été confiée à Spectral Motion. Les parasites cutanés, affectueusement baptisés « Rollie-Pollies », ont été conçus par Mike Elizalde et Alex Palma. L'inspiration pour le design — et pour le nom — vient des isopodes. D'autres crustacés ont également servi de référence pour la texture et la palette de couleurs. Les parasites ont été construits en animatroniques grandeur nature — sculptés par Joey Orosco et Mario Torres, et peints par Russ Lukich. Les mécanismes permettant le mouvement arthropodien ont été imaginés et construits par Mark Setrakian. Des versions numériques des parasites sont visibles rampant sur la peau de Leatherback et d'autres kaiju dans le film.
Une version grandeur nature du cockpit du robot a été construite sur un plateau des Pinewood Studios à Toronto, au Canada. Elle pesait environ vingt tonnes et culminait à près de quatre étages. Elle reposait sur un gigantesque cardan hydraulique, qui faisait bouger, trembler, vibrer, chuter et tanguer tout le décor comme s'il était réellement piloté. Une version plus petite a aussi été construite avec un cardan réduit, permettant d'autres mouvements. L'équipe des effets visuels a utilisé des images du Conn-pod comme référence pour animer les robots. Le décor a également été réaménagé pour représenter différemment l'intérieur de chaque robot.
Au début, avant d'affronter le Kaiju Knifehead, Gipsy Danger effectue sa « poignée de main neuronale » puis joint lentement les mains comme en prière (coudes écartés), sauf que sa main gauche est fermée et que sa droite la recouvre. Il s'agit d'un salut plusieurs fois centenaire, pratiqué dans les arts martiaux entre pairs et combattants, et signe de respect mutuel (plus précisément dans les styles chinois comme le wushu, le shaolin et le wing chun). Le poing fermé représente la préparation au combat, et le geste de le recouvrir équivaut à garder son épée au fourreau jusqu'au combat. Ce geste est aussi un signe de discipline et de retenue (dans l'usage de sa force), montrant qu'on ne représente aucune menace et qu'on a des intentions pacifiques sans provocation.
Le premier design de monstre validé pendant la préproduction fut Knifehead (catégorie 3), imaginé par Wayne Barlowe. La créature est censée évoquer un requin géant, selon le réalisateur : « c'est comme si on prenait un requin et qu'on lui étirait le museau jusqu'à ce que sa tête devienne cette forme très acérée, pointue, semblable à une lame, plutôt que le triangle émoussé d'un requin normal. » Le design de Knifehead a fini par ressembler à Guiron, l'un des adversaires que Gamera affronte dans Gamera Vs. Guiron. Apparemment, c'était involontaire. Del Toro a expliqué à Ain't It Cool : « Le plus drôle, c'est que Knifehead est parti d'une silhouette de Wayne Barlowe, et il n'avait jamais vu Guiron. Je lui ai dit : "Pars sur un requin-lutin." Il s'est lancé là-dedans, et pour lui c'est sans arrière-pensée ; il ne connaissait pas Guiron. Ensuite on a brodé là-dessus, et on a créé Axehead et Bladehead. » Une fois finalisé, le modèle numérique a d'ailleurs servi de base à Axehead, Bladehead et Scunner — qui présentent des différences notables, mais conservent la même structure anatomique de base.
Karloff est un monstre qui ressemble à Boris Karloff (d'où son nom), l'acteur qui a incarné la créature de Frankenstein et la Momie dans les films classiques d'Universal. Guy Davis a déclaré que « [les surnoms] ont commencé avec "Karloff" (et ce nom est resté), mais c'était juste parce que son croquis de tête me rappelait Boris Karloff. » Le design présente en effet une région frontale proéminente (à la Frankenstein) et des lèvres ridées (à la Momie). Le dos combine des caractéristiques de grillon et de réacteur. La seconde bouche de Karloff, sur son torse, s'est révélée « vaguement obscène » (en raison de sa configuration vaginale), et le rôle de la créature a donc été largement réduit dans le film ; on ne la voit que brièvement dans le prologue.
Gipsy Danger doit son nom au moteur d'avion « de Havilland Gipsy ». C'était un clin d'œil nostalgique à l'époque de la Seconde Guerre mondiale, qui a fortement influencé le design du robot.
Le son des rugissements des Kaiju était composé de couches successives de rugissements et de grognements d'animaux, filtrés, accélérés et ralentis pour créer le rugissement de ces colosses extraterrestres. Ensuite, pour y ajouter de l'émotion et une impression d'intelligence, le superviseur des effets sonores Scott Martin Gershin et le réalisateur Guillermo del Toro y ont ajouté des échantillons de leurs propres voix.
(Vers 1 h 25) L'intérieur du bâtiment que le poing de Gipsy traverse a été créé à l'aide de maquettes. De nombreux éléments des boxes de bureau ont été fabriqués avec des imprimantes 3D. L'éclairage était réel et réalisé à l'échelle. Une fois le décor prêt, un gros mandrin vert y a été enfoncé. Il a été remplacé numériquement par le poing de Gipsy.
Plusieurs pays ont construit leurs propres Jaegers, dont : les États-Unis, le Canada, l'Australie, le Japon, la Chine, la Russie, Singapour, l'Inde, les Philippines, le Danemark, le Royaume-Uni, l'Irlande, la Nouvelle-Zélande, la Malaisie, la Jamaïque, le Mexique, l'Espagne, le Pérou, l'Argentine et le Chili.
Guillermo del Toro s'est inspiré de tableaux, dont « Le Colosse » de Francisco Goya et « La Grande Vague de Kanagawa » d'Hokusai.
Mana Ashida avait, on le comprend, du mal à prononcer le nom de Guillermo del Toro. Avec l'accord exprès de son réalisateur, elle a été autorisée à l'appeler « Totoro-san ».
Onibaba (dont le nom renvoie au film d'horreur japonais de 1964) a été décrit comme un char blindé, ou un « monstre de charge » : « on voulait qu'Onibaba soit un type qui fonce », a expliqué del Toro. « La séquence se déroule dans des rues étroites, donc je voulais qu'il fonce et détruise les bâtiments simplement en ne s'arrêtant pas. » Le Kaiju s'est finalement révélé le plus complexe à animer, en raison du nombre de pièces mobiles et de l'intelligence malveillante supposée qu'il fallait insuffler à son jeu. Sa bouche est composée d'un système complexe de plaques mobiles. Hickel a commenté : « c'était difficile parce que ce personnage n'allait pas avoir des yeux normaux avec une pupille qu'on pouvait faire pivoter pour obtenir une direction de regard claire et forte. » Il fallait que le public comprenne qu'Onibaba poursuivait spécifiquement Mako. Hickel a suggéré de placer les yeux de la créature sur des pédoncules, dont le mouvement indiquerait où elle regarde. « Ça fait toujours très crabe », a dit Hickel, « et même un peu extraterrestre, comme les crabes en général, mais on sent clairement une intention et une intelligence, et il la regarde avec ses yeux. » Finalement, le design définitif d'Onibaba présente des excroissances osseuses rigides qui abritent les yeux, au lieu de pédoncules. La créature intégrait aussi des éléments de l'architecture japonaise ancienne : « il a cet élément ornemental qui le fait ressembler à un temple japonais », a déclaré del Toro à USAtoday, « et en même temps c'est un crustacé. »
Deux Monstres surgissent de la faille et attaquent Hong Kong. Otachi (catégorie 4) est le nom donné à la créature volante, dotée d'une tête reptilienne et de deux crêtes en forme de lames. « Nous avons conçu le visage pour qu'il soit vraiment, vraiment maléfique », a déclaré del Toro. « Il y a comme une intelligence mauvaise dans son regard. » Otachi a été principalement dessinée par Guy Davis, qui s'est appuyé sur des croquis préparatoires de la créature représentant une chauve-souris rampante. Les excroissances sur la tête de la créature s'inspirent du crâne d'un Brontotherium. Les premières versions du Monstre présentaient des tendons à la mâchoire, ainsi que de multiples yeux sur les côtés de la tête et une extrémité de queue en forme de marteau.
Certains designs découlent des premières versions d'autres personnages. Hardship est un Kaiju brièvement aperçu dans le prologue, avec une excroissance distincte poussant sur sa mâchoire inférieure. On le voit d'abord rugir en passant devant la caméra, puis affronter un Jaeger dans un plan en vision nocturne. Dessiné par Simon Webber, il avait été imaginé à l'origine comme le Monstre qui attaquait Sydney et transperçait le mur anti-Kaiju avec son énorme corne en forme de lame ; le design a finalement évolué de façon indépendante et a été surnommé Bowser — avant de recevoir son nom dans le film.
C'était la première expérience de tournage en numérique pour le réalisateur Guillermo del Toro comme pour le chef opérateur Guillermo Navarro. Navarro a acheté sept caméras Red Epic spécialement pour le film et a utilisé ses propres objectifs, préférant tourner avec son propre matériel plutôt que d'en louer.
Pour maximiser l'audience du film, une autre règle imposait de limiter le sang et le gore — malgré la brutalité des combats. La solution a été de colorer le sang des Monstres d'une teinte bleue bioluminescente. Cette idée a ensuite inspiré aux designers un résidu de sang qui se répand comme de la moisissure ; on l'appelle le « Kaiju blue ». Il a servi à construire un décor où le bleu et l'or imprégnaient tout — comme le souhaitait del Toro — pour la séquence du bébé Kaiju. La cheffe costumière Kate Hawley a envoyé au chef décorateur Andrew Neskoromny une photo d'une usine asiatique montrant le processus de teinture d'un tissu indigo. Neskoromny a raconté : « Tout est taché : les vêtements des gens, leurs doigts, leurs ongles, absolument tout. Je me suis dit : “Ah oui, ça rend super bien. Il faut qu'on en mette un peu.” » Hawley a précisé le concept : « L'idée, c'est que le sang bleu s'est infiltré dans le corps des gens ; on voit des traces de bleu passer à travers leurs masques respiratoires, comme un petit poison subtil. »
Scunner (catégorie 4) a été dessiné par Simon Webber et conçu comme fondamentalement « un monstre taureau ». Pendant le combat contre Gipsy Danger, certains plans rappellent un rodéo, et le comportement de Scunner s'inspire de celui des taureaux : il charge son adversaire et tente d'utiliser ses cornes comme armes tranchantes et perforantes. L'archétype corporel de base du monstre est le même que celui d'Axehead et de Knifehead, mais avec des épaules à la texture différente. En outre, ses bras principaux sont dotés de trois griffes semblables à celles d'une taupe.
Le dernier adversaire, le plus redoutable, qu'affronte Gipsy Danger dans le film s'appelle Slattern — le premier Kaiju de catégorie 5. Il serait, dit-on, au-delà de ce à quoi les Jaegers ont jamais été préparés. Del Toro a commenté le personnage : « Je voulais absolument que le Kaiju final soit le diable. J'ai toujours beaucoup aimé ce moment dans Fantasia où Chernabog déploie ses ailes dans Une nuit sur le mont Chauve. » Le monstre devait dégager une aura majestueuse, inspirée par Le Dragon du lac de feu (auquel il est fait référence quand le Monstre entre en scène). « Je le fais apparaître presque comme un immeuble qui sort de l'eau, a déclaré del Toro. Il est vraiment, vraiment gigantesque. » Slattern a d'abord été imaginé par Guy Davis, qui l'avait surnommé « le Bourreau ». « Mon idée de départ était que, même s'il serait un bourreau, Slattern serait plus agile qu'une brute ; rapide et semblable à une murène dans l'eau, et presque comme un gremlin, utilisant ses nombreux bras thoraciques pour démonter les jaegers pendant le combat », a expliqué Davis sur son blog Tumblr. Del Toro a ajouté : « Je voulais qu'il remonte des profondeurs de l'océan, et que sa tête évoque des cornes sans en avoir. Il a une intelligence vraiment méchante. C'est le seul Kaiju dont la tête ressemble à une véritable couronne, ce qui lui donne de la majesté. Je tenais absolument à ce qu'il soit clairement le roi des Kaiju. » Davis a précisé : « Son crâne devait évoquer subliminalement une tête de mort, la forme de sa mâchoire inférieure faisant écho aux cornes du haut et ses yeux regroupés au centre comme un visage. Guillermo a aimé la forme et l'idée de départ mais voulait que les yeux soient déplacés sur les côtés, ce qui tombait très bien puisque l'emplacement central pouvait alors évoquer une cavité nasale sur un squelette et donner à la tête une forme de requin-marteau. Je trouvais aussi que ça lui donnait plus de personnalité et que ça le faisait un peu ressembler à une caricature monstrueuse de Jack Palance. »
Chaque design de monstre en cours de création recevait un petit surnom — de quoi aider les designers à voir les créatures comme de véritables personnages. Selon Davis, c'était « juste un moyen de donner rapidement une identité au kaiju si on avait besoin de le mentionner ou de retrouver le design ». Les créatures devaient en effet être des « acteurs » et, à ce titre, exprimer tout un éventail d'émotions. « Si vous voyez un lion au repos, a dit del Toro, il est majestueux, noble, beau. Mais si ce lion est sur vous et s'apprête à vous mordre, il ressemble à ça [il fait une expression en grognant]. Pas agréable du tout. Et pourtant, c'est le même animal. » En hommage aux films cultes japonais, chaque monstre devait être conçu comme s'il devait être joué par un homme en costume. « Une des règles que j'ai données aux designers des Kaiju, a expliqué del Toro dans un featurette, c'est que je voulais réfléchir à comment un homme en costume pourrait tenir là-dedans. Les Kaiju cherchent à honorer l'esprit et la sensation des Kaiju classiques. On les garde surtout bipèdes, pas humanoïdes, mais avec une silhouette qui rappelle ces créatures classiques. »
Reckoner est le nom donné à un Kaiju dont les restes ont servi de base à la création d'un temple destiné à abriter un « culte du Kaiju ». Cela a un lien direct avec le marché noir de Hannibal, selon Guillermo del Toro, qui a déclaré que « le temple et le discours sur le marché noir que prononce Hannibal témoignent des changements religieux et sociaux que les Kaiju ont provoqués dans la société ». Reckoner n'apparaît en fait jamais vivant dans le film et a donc été le seul monstre à être littéralement construit comme un décor physique. Le chef décorateur Andrew Neskoromny a commenté : « Il y a un peu d'architecture traditionnelle des temples chinois mêlée à de l'os. C'est comme s'ils avaient pris l'os, l'avaient creusé et y avaient installé un escalier, si bien que des morceaux d'os bordent les côtés. »
Travis Beacham, le scénariste, a eu l'idée du film en marchant le long de la côte californienne par un matin brumeux. La forme de la jetée ressemblait à une créature sortant de l'eau, et il a imaginé un grand robot l'attendant sur le rivage pour l'affronter.
Le premier monstre que découvre le public est Axehead, ou Trespasser — le tout premier monstre à franchir la faille. La créature n'apparaît que dans le prologue du film et, curieusement, c'est le dernier Kaiju que l'on entend : son rugissement résonne à la toute fin du générique. La fonction essentielle d'Axehead dans le film est de présenter au public le style de design qu'il verra tout au long du film. Quand il rugit, une lueur orange bioluminescente émane de sa cavité buccale. « C'est quelque chose qu'on retrouve chez tous les Kaiju du film, a déclaré Hickel. Une sorte de bioluminescence intérieure. Et beaucoup ont aussi des marques bioluminescentes sur la peau. » La créature attaque le Golden Gate Bridge — une destruction de monument emblématique que Hickel voulait au départ éviter. Finalement, cependant, « ça installe l'empreinte visuelle de Guillermo et ce que sa vision de ce film a d'unique : ces grandes crêtes en forme de hache qui dépassent de la tête, la couleur de la créature et la bioluminescence. Tout ça est plus original et moins attendu, donc ça donne, je l'espère, un double message au public : oui, le film va montrer ce qu'il est venu voir, des monstres de la taille de Godzilla qui sèment le chaos, et pourtant ce ne sera pas Godzilla ; ce seront des monstres qu'il n'a jamais vus, qui ont une apparence différente de ce qu'il attendait. » Le modèle numérique d'Axehead a été créé à partir de celui de Knifehead, modifié pour accueillir la crête en forme de hache qui lui donne son nom, ainsi que des griffes différentes — plus proéminentes — sur les bras et d'autres différences cosmétiques.
Le film est dédié à la mémoire des « maîtres des monstres » Ray Harryhausen, animateur en stop-motion pour des films comme Le 7e Voyage de Sinbad (1958), et Ishirō Honda, réalisateur de Godzilla (1954) et de nombreux autres films de kaiju. Honda est né le 7 mai 1911. Harryhausen est mort le 7 mai 2013.
En Hongrie, les bandes-annonces du film ne pouvaient pas mentionner le nom du robot principal, Gipsy Danger, car il était offensant pour les Roms, une importante communauté ethnique du pays. Le nom est prononcé librement dans la version doublée en hongrois, mais il est laissé en anglais. Il s'agit d'une référence à un type de moteur d'avion, et non aux personnes en question.
C'est la première collaboration entre Guillermo del Toro et les vétérans des effets numériques d'Industrial Light & Magic. À l'exception des os de Reckoner et de certains organes de Kaiju, ainsi que de parties de la carcasse d'Otachi, chaque Kaiju du film a été porté à l'écran uniquement à l'aide de modèles générés par ordinateur. Ces modèles ont été obtenus à partir de scans de maquettes physiques toutes sculptées par Simon Lee et David Meng et peintes par Casey Love. Bien qu'il ait été possible d'utiliser des systèmes musculaires généraux pour les créatures, les artistes des effets visuels ont décidé de ne pas le faire. « Nous avons choisi de faire cela parce que les Kaiju étaient si radicalement différents les uns des autres », a déclaré Hal Hickel, animateur d'effets, à fxguide. « Il ne nous semblait pas économique de mettre en place un système musculaire global pour le film, car il ne semblait pas transposable d'un monstre à l'autre. Je me suis dit qu'on n'avait pas besoin d'une quantité énorme de détails musculaires, mais de grandes masses qui font certaines choses aux moments clés, donc pour moi cela signifiait des formes. »
Chaque monstre devait également présenter une « caractéristique cachée » qui « surprendrait » le public, afin que les spectateurs ne puissent jamais vraiment « s'habituer » au personnage. La bioluminescence devait être un trait commun : les créateurs des Kaiju pourraient ainsi suivre et reconnaître chaque modèle. Concernant la taille massive des créatures, Barlowe a déclaré : « Il y a quelque temps, lorsque je travaillais brièvement dans le monde de l'art paléontologique, j'ai lu un livre qui abordait exactement ce sujet. La conclusion était que, bien sûr, il existe des limites structurelles à la taille que les animaux peuvent atteindre sur notre planète compte tenu de sa gravité. Comme vous l'avez suggéré, la biomécanique ne permettrait tout simplement pas à une créature d'atteindre les tailles représentées dans Pacific Rim. Les proportions des os seraient ridicules. C'est un peu comme la représentation des anges : pour soulever une masse de la taille d'un humain, les ailes devraient mesurer environ 30 à 40 pieds d'une extrémité à l'autre, ou quelque chose comme ça. Pas pratique à montrer au cinéma. Dans ce cas, les kaiju ne sont pas nés de ce monde et donc, nous pouvons volontairement suspendre notre incrédulité et nous installer pour profiter du spectacle. »
L'ordinateur est doublé par Ellen McLain, qui a également prêté sa voix à GLaDOS, l'IA de Portal (2007) et Portal 2 (2011). Il s'agit en fait d'un caméo de GLaDOS, car Guillermo del Toro était un tel fan des jeux qu'il a contacté les développeurs, Valve, qui ont approuvé. Del Toro a déclaré dans une interview pour le Toronto Sun : « Je voulais vraiment l'avoir, parce que je suis un grand fan de Portal. Mais juste comme un clin d'œil. Elle n'est pas obsédée par le gâteau. Elle ne cherche pas à détruire l'humanité. » Il a ensuite expliqué : « Écoutez, il n'y a pas d'IA que je préférerais avoir à GLaDOS, mais la voix de McLain dans le film, qui sort en salles le 12 juillet, a été un peu modulée pour être moins similaire au ton distinctif de l'antagoniste inoubliable de Portal. Le filtre que nous utilisons est légèrement moins GLaDOS. Légèrement. Celui de la bande-annonce, je voulais qu'il soit pleinement GLaDOS. » La voix de GLaDOS elle-même est inspirée par l'ordinateur de The Thirteenth Floor (1999).
Le décor a été construit comme un Hong Kong non détruit, puis détruit et réaménagé pour servir de zone différente, après la bataille contre les monstres. Le décor de Hong Kong a été utilisé comme quatre rues et décors différents, avec le placement et l'aménagement des éléments modifiés à chaque fois.
L'arme principale du monstre est le groupe de queues ressemblant à des vrilles. Les animateurs ont reçu pour instruction de baser les mouvements sur des maîtres de kung-fu utilisant des cannes magiques. Hal Hickel a commenté : « [del Toro] voulait un sentiment similaire pour la façon dont Slattern fait tournoyer ses queues dans l'eau de manière circulaire. On ne sait pas très bien ce qu'il en fait, puis soudain elles peuvent jaillir et frapper. » Le design final a reçu des écailles rappelant celles du crocodile, ainsi qu'un schéma de couleurs crocodilien, et une étrange protubérance en forme de bélier sur sa poitrine — ajoutée par Barlowe — qui peut être utilisée comme arme à courte portée, bien qu'elle ne soit jamais utilisée efficacement dans le film.
Le personnage de Ron Perlman, Hannibal Chau, pourrait être nommé d'après le personnage de James Hong, Hannibal Chew, dans Blade Runner (1982), car Guillermo del Toro a cité ce film comme une immense inspiration pour lui en tant que réalisateur.
Striker Eureka, le Jaeger australien blanc, avait été initialement choisi pour être le « Jaeger héros » du film, mais Guillermo Del Toro trouvait son apparence « trop froide » et « arrogante ».
Au début du générique de fin, il y a une scène bonus avec Ron Perlman juste après les cartons des membres principaux de la distribution.
Cherno Alpha est probablement nommé d'après Tchernobyl, la petite ville d'Ukraine où un réacteur de la centrale nucléaire a subi une fusion en avril 1986, alors que l'Ukraine faisait partie de l'Union soviétique. La tête de Cherno ressemble à une haute tour de refroidissement, bien que les réacteurs de Tchernobyl n'aient pas ce style de tour de refroidissement.
(Vers 1 h 25) Lorsque Gipsy Danger combat le deuxième Kaiju à Hong Kong, il traverse un immeuble d'un coup de poing et déclenche une série de boules de Newton ou pendule de Newton. Le scientifique que le Kaiju poursuivait s'appelle Dr Newton Geizler.
Les Jaegers sont un incontournable de l'animation japonaise, où ils sont souvent appelés mecha. Comme dans de nombreuses séries d'anime mecha, les Jaegers sont contrôlés de l'intérieur par des pilotes humains, ce qui les distingue des autres représentations de robots automatisés, conscients ou contrôlés de l'extérieur.
Guillermo del Toro n'a pas tourné le film en pensant à la 3D et était initialement opposé à l'idée de le convertir dans ce format lorsque le studio l'a suggéré. Il n'a accepté qu'à quatre conditions : que l'échelle des kaiju et des jaegers soit maintenue en 3D sans exagérer l'effet et les miniaturiser, que la conversion bénéficie d'un calendrier généreux de 40 semaines pour garantir sa qualité, que les éléments CGI soient rendus nativement en stéréo 3D, et qu'il soit autorisé à superviser le processus de conversion.
Le personnage de Mako Mori est bien plus jeune que Stacker « Marshall » Pentecost. Pourtant, dans la vie réelle, Rinko Kikuchi n'a que huit ans de moins que Sir Idris Elba.
Bien que les cinéastes aient déclaré à plusieurs reprises qu'ils ne voulaient pas faire référence à d'autres œuvres de mecha ou de kaiju, ils ont admis l'avoir fait accidentellement. Par exemple, « jaeger » est aussi le nom de l'un des modèles de mech de l'univers mechcommander de FASA de la faction Inner Sphere. De plus, la scène où Otachi cherche le Dr Newton Geizler rappelle beaucoup le film The War of the Gargantuas (1966), durant lequel un monstre géant cherche un personnage humain principal qui se cache sous terre.
Mutavore (catégorie 4), surnommé Bladehead pendant la production, est le premier monstre à franchir la barrière anti-kaiju de Sydney. Conçu par Wayne Barlowe, « il a cette tête massive en forme de lame qu'il utilise pour défoncer le mur de protection autour de Sydney », explique Hickel. « Et il traverse le mur comme dans du beurre. On ne dirait pas qu'il a une bouche avant qu'il ne l'ouvre et se mette à rugir. C'est cette drôle de petite fente à l'avant de sa tête-lame. C'est un design très, très étrange, que j'aime beaucoup, en fait. C'est l'un de mes préférés. » La créature a toujours conservé certains traits, comme la forme de la tête et les yeux sur la mâchoire inférieure. Les premières versions comportaient des bouches et des membres secondaires, finalement abandonnés pour le design final. Le modèle numérique a, là encore, été obtenu à partir du modèle de Knifehead.

Anecdotes avec spoilers

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Quand la petite Mako est dans la ruelle, chaque objet du décor était relié au même système hydraulique. Dès que le monstre géant faisait un pas, tout rebondissait ou tremblait à l'unisson, flaques d'eau comprises.
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Lors d'un panel NerdHQ en 2013, Robert Kazinsky revient sur la scène de combat entre Chuck et Raleigh dans le couloir, et sur la façon dont Charlie Hunnam s'est cassé le nez pendant cette séquence. Kazinsky raconte que le plan où Hunnam se casse le nez est resté au montage, et il précise fièrement qu'il est resté debout après coup.
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Quand Mako bascule dans le souvenir de l'attaque dont elle a été victime enfant, la transition entre le cockpit du Jaeger et la rue japonaise a été entièrement tournée sur le plateau.
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Le compte à rebours d'une minute avant l'explosion prend réellement une minute à s'écouler dans le film.

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