Glengarry Glen Ross: 49 ciekawostek zza kulis

Leady sprzedażowe Glengarry napędzają całą historię, ale kierownictwo zastrzega, że są one tylko dla „closerów”. Na początku opowieści Ricky Roma to jedyny handlowiec, którego Williamson uważa za closera, i ma przy sobie broszurę Glengarry. Nie ma jednak żadnego z leadów.
Od premiery film służy do szkolenia prawdziwych handlowców, jak sprzedawać i jak nie sprzedawać. Kwestie typu „coffee is for closers” stały się w branży sprzedażowej w całym kraju. Ten film, Boiler Room i Wolf of Wall Street to ikony amerykańskiego środowiska sprzedażowego; oglądane w kółko, kopiowane i czczone, choć przecież wszystkie miały być oskarżeniem amerykańskiej kultury sprzedaży, a nie jej gloryfikacją. Ale znaczenie filmów często zależy od patrzącego; niestety te antykapitalistyczne peany nakręcono z takim stylem i werwą, że świat sprzedaży wydał się atrakcyjny i seksowny, a nie koszmarny, jak zamierzano; w efekcie przyciągnęły do niego więcej ludzi, zamiast ich odstraszyć.
Reżyser James Foley mówi, że jego ulubioną częścią filmu jest sekwencja napisów początkowych, w której pociąg przejeżdża obok wszystkich napisów na ekranie, bo zawsze wolał coś oryginalnego niż nudne, płaskie białe litery, jakie pojawiają się na ekranie w większości filmów.
Scenariusz Davida Mameta znacznie rozbudował jego tekst sztuki, dając więcej kontekstu presji wywieranej na handlowcach. Dodano zwłaszcza wstępną przemowę Aleca Baldwina, a także telefony Jacka Lemmona do klientów i do szpitala oraz jego rozmowę sprzedażową z człowiekiem z wędką. Wielu uważa scenariusz za lepszy od tekstu jego sztuki nagrodzonej Pulitzerem. Wersja filmowa jest dziś często przenoszona na scenę.
Aby wywołać u Kevina Spaceya odpowiednią reakcję, gdy Al Pacino beszta go za zrujnowanie sprzedaży, Pacino wyszedł poza scenariusz i w obelgach pod adresem Spaceya stał się bardzo osobisty. Gdy padło „cięcie”, Pacino podszedł do Spaceya, powiedział mu, że był świetny, i polecił ekipie dźwiękowej nie nagrywać tej sceny, żeby nikt nigdy nie usłyszał, co powiedział Spaceyowi. W filmie wykorzystano ujęcie reakcji Spaceya na te obelgi.
W filmie jest wiele subtelnych znaków budujących postacie. Na przykład w chwili, gdy Ricky i Shelly podchodzą do baru w China Bowl, Ricky dostrzega Jamesa i zaczyna mu się przyglądać jako potencjalnemu klientowi. Shelly niczego nie zauważa. To przedstawia Ricky'ego jako handlowca zarówno intuicyjnego, jak i stale proaktywnego, co w miarę rozwoju historii będzie jednym z powodów, dla których odnosi znacznie większy sukces niż pozostali. Podczas gdy oni wszyscy błagają i przymilają się o leady, oportunizm Ricky'ego pozwala mu być niezależnym i skutecznym. Na dłuższą metę będzie jedynym handlowcem, który zdobędzie tak upragnione nowe leady. Pozostanie też odporny na desperackie intrygi knute przez pozostałych handlowców.
W trakcie filmu George Aaronow i Dave Moss rozmawiają o sprzedaniu leadów Glengarry człowiekowi o nazwisku „Jerry Graff”. Jerry Graff to aktor, który zagrał tylko w czterech filmach, a wszystkie napisał i wyreżyserował David Mamet: Things Change (1988), Homicide (1991), Hiszpański więzień (1997) i State and Main (2000).
Mamet wybrał handlowców na bohaterów nie tylko na podstawie własnych doświadczeń, ale też dlatego, że sprzedawcy słyną z gadatliwości, słownych akrobacji i igrania z prawdą, co czyni ich idealnymi do błyskotliwych dialogów, filozofowania i podejrzanych relacji.
Żadna z głównych ról w filmie nie była obsadzana w drodze castingu – aktorom po prostu zaproponowano role, choć Jack Lemmon mówił, że chętnie przyszedłby na casting do tak dobrej roli.
Kilka mało znanych faktów o miejscu zdjęciowym przy 1515 Sheepshead Bay Road w Nowym Jorku: budynek należy do Premiere Properties (istniejącej firmy deweloperskiej z Nowego Jorku), która miała tam na drugim piętrze swoją główną siedzibę, ale od 1991 roku przeniosła się w inne miejsce. Jej opuszczone biuro posłużyło do zdjęć w 1992 roku bez usuwania napisów z budynku i z drzwi biura, w zamian za obniżenie czynszu za to biuro na potrzeby zdjęć i w zamian za widoczność nazwy firmy. Po drugiej stronie ulicy znajduje się też China Bowl Restaurant (która naprawdę istniała w 1992 roku), a dziś jest tam sklep z chińską żywnością.
Lata później, w różnych wznowieniach sztuki, dwóch aktorów z obsady zamieniło się rolami na scenie. Al Pacino zagrał Shelleya Levene'a (postać Jacka Lemmona), a sir Jonathan Pryce zagrał Ricky'ego Romę (postać Ala Pacino).
Liczby na tablicy pokazują, jak Ricky Roma dominuje w konkursie sprzedażowym i powinien wygrać cadillaca. Widać wyraźnie, że pozostała trójka walczy o noże do steków albo zostanie zwolniona. Liczby widać przez chwilę, gdy Alec Baldwin wygłasza przemowę i odwraca tablicę, by pokazać Always Be Closing i AIDA. Wyniki sprzedaży: Roma – 90 000 dolarów; Moss – 27 500 dolarów; Aaronow – 2000 dolarów; Levene – 0.
Początkowo reżyser Irvin Kershner chciał przenieść sztukę na ekran w 1985 roku i namówił swojego przyjaciela, producenta Jerry'ego Tokofsky'ego, do przeczytania jej. Tokofsky'emu się spodobała i skontaktował się ze swoim wspólnikiem Stanleyem R. Zupnikiem w sprawie ekranizacji sztuki z Kershnerem w roli reżysera oraz Tokofskym i Zupnikiem jako producentami. Kershner ostatecznie odszedł z projektu w 1989 roku, rozczarowany brakiem postępów, ale Tokofsky i Zupnik pozostali.
Alec Baldwin wystąpił w skeczu Saturday Night Live jako podobna postać, ale w roli elfa w warsztacie Świętego Mikołaja. Przejęzyczył się i zamiast „Always Be Cobbling” powiedział „Always Be Closing”.
Aleca Baldwina początkowo zatrudniono do roli Blake'a (której nie było w oryginalnej sztuce), ale z zastrzeżeniem, że gdyby Al Pacino nie mógł zagrać Romy, Baldwin wcieli się w tę postać. Na wczesnym etapie preprodukcji wyglądało na to, że Pacino będzie niedostępny, więc Baldwin zaczął pracować nad Romą, ale Pacino dołączył do projektu i Baldwin wrócił do Blake'a.
Gdy Al Pacino zobaczył Kevina Spaceya na scenie na Broadwayu w „Lost in Yonkers”, zabrał ze sobą reżysera Jamesa Foleya, żeby sam zobaczył aktora. Dzięki temu Spacey dostał rolę w filmie.
Dramaturg David Mamet napisał także scenariusz, posługując się tym samym precyzyjnym stylem dialogu, który stosuje w swoich sztukach, znanym jako „Mamet Speak”. Bohaterowie mówią szybko, jeden przez drugiego, często sobie przerywają, kończą za siebie zdania i powtarzają się, gdy drugi mówi. Co najważniejsze, każde słowo wypowiedziane (lub niewypowiedziane) przez postać jest w istocie zapisane w scenariuszu, łącznie z jąkaniem, pauzami, powtórzonymi słowami, urwanymi zdaniami itp. Improwizacja czy ad-libbing nigdy nie są dozwolone. Styl pisania Mameta jest też chętnie naśladowany przez innych autorów.
Według wywiadu dla GQ Robert De Niro i Al Pacino pracowali nad projektem razem, zanim do ekipy dołączył reżyser James Foley. De Niro był zainteresowany rolą Shelleya Levene’a, a Pacino ostatecznie trafił na miejsce Ricky’ego Romy.
Alan Arkin dwukrotnie odrzucił tę rolę, bo uważał Aaronowa za głupią i z gruntu niesympatyczną postać. Po namyśle Arkin wymyślił dla Aaronowa historię: nie był sprzedawcą zbyt długo, z zawodu jest nauczycielem, ale szkołę, w której pracował, zamknięto, a on musiał utrzymać rodzinę. Arkin mówi, że zagrał Aaronowa jako człowieka niewinnego, a nie – jak zwykle na scenie – jako słabego charakteru niezdarę.
Jako przykład tego, jak praca w sprzedaży pod presją przenika się z życiem prywatnym, bohater Jacka Lemmona rozmawia przez telefon z córką w tym samym rytmie i tym samym słodkim tonie, którego używa, próbując sprzedać coś swoim potencjalnym klientom.
Al Pacino został obsadzony jako pierwszy i jednocześnie ściągnął do projektu reżysera Jamesa Foleya. Resztę obsady zatrudniono na podstawie ich mocnej, intensywnej pracy w karierze, w tym Eda Harrisa, Alana Arkina i Kevina Spaceya. Jonathan Pryce był w zasadzie outsiderem i dostał rolę po tym, jak James Foley zobaczył go w Miss Saigon na Broadwayu. Miał najtrudniejsze zadanie w filmie, bo David Mamet napisał dla jego postaci minimalną ilość dialogu, a mimo to w drugiej połowie filmu staje się ona bardzo ważna. Jack Lemmon dołączył do głównej obsady jako ostatni i nazwał to jedną z „najwspanialszych przygód przy kręceniu filmu”. Alec Baldwin był ostatnim wyborem i trafił do filmu bardzo późno.
„Glengarry” to ten rodzaj ambitnego filmu, w którym nie ma nic zbędnego ani przypadkowego. Wszystko, co widzisz i słyszysz, coś znaczy. Na przykład muzyka z czołówki brzmi z początku jak zwykły, bezbarwny „jazz z windy”. Jednak saksofon jako instrument prowadzący zawsze służy sugerowaniu seksu, tandety czy ogólnie podejrzanego świata. Filmy osadzone w miejskich gettach zawsze mają saksofon. Ale drugi główny instrument, wibrafon, daje widzowi poczucie magii czy nieziemskości, co zresztą jest tym, co prezentuje cały film – zamknięty świat nie do końca rzeczywisty.
Wykorzystanie w ścieżce dźwiękowej wykonania „Blue Skies” Irvinga Berlina przez Ala Jarreau to aluzja do „blue sky laws”, stanowych przepisów mających zapobiegać oszustwom przy sprzedaży papierów wartościowych. Termin ten miał spopularyzować sędzia Sądu Najwyższego Kansas, który powiedział, że chce chronić inwestorów przed spekulacyjnymi przedsięwzięciami „niemającymi więcej podstaw niż tyle a tyle stóp »błękitnego nieba«”.
To Al Pacino ściągnął do filmu reżysera Jamesa Foleya. Pacino zobaczył jego film „At Close Range”, bardzo mu się spodobał i chciał się z nim spotkać, a Foley zgodził się na spotkanie. Pacino przyniósł ze sobą kilka scenariuszy, w tym „Se7en”, który obaj uznali wtedy za makabryczny i niemożliwy do sfilmowania (w Se7en występuje też Kevin Spacey), a także ten film. Foleyowi spodobało się pisarstwo Davida Mameta i wybrał ten film z Pacino.
Podczas zdjęć członkowie obsady, którzy danego dnia nie byli potrzebni na planie, i tak się pojawiali, żeby oglądać grę pozostałych aktorów.
Zapytany o film David Mamet zażądał 500 000 dolarów za prawa do ekranizacji i kolejnych 500 000 dolarów za napisanie scenariusza. Zupnik się zgodził, planując sfinansować film, zawierając umowę z telewizją kablową. Żadna duża firma nie była jednak zainteresowana finansowaniem ze względu na temat i ostry język. Ostatecznie film sfinansowało kilka małych firm kablowych i wideo, niemiecka stacja telewizyjna, australijska sieć kin, kilka banków i New Line Cinema.
Alec Baldwin oparł ton i sposób wygłoszenia swojego słynnego monologu na przemowie George’a C. Scotta „Wars are won...” z Pattona (1970).
W scenie, gdy Roma siada przy biurku i razem z Levine’em słodko namawia (czyli okłamuje) Jamesa Lingka, szybko wyjmuje gumę z ust i próbuje przykleić ją pod blatem. Al Pacino robi to tak szybko, że guma odbija się spod biurka i przelatuje przez kolana Pacino/Romy. W przykładzie wielkiego profesjonalizmu Pacino gra dalej, tylko na chwilę się zacinając.
Akcja sztuki rozgrywa się pierwotnie zimą. Ze względu na budżet i harmonogramy aktorów James Foley musiał jednak kręcić latem, a chcąc zachować zimny ton, zdecydował, że w pierwszej połowie filmu rolę mrozu z teatralnej wersji przejmie ulewa, gdy handlowcy wyruszają na spotkania z potencjalnymi klientami.
Jednym z wielu powodów, dla których Roma jest najlepszym sprzedawcą w grupie, jest jego rozumienie wartości koleżeństwa między handlowcami. Z entuzjazmem słucha „wojennej opowieści” Shelleya, bo wie, że zawsze może się czegoś nauczyć, a przy okazji mieć niezawodnego przyjaciela, gdyby go potrzebował. I rzeczywiście kilka minut później natychmiast wciąga Shelleya w podstęp, który ma powstrzymać Jamesa Lingka przed zerwaniem umowy.
Do scenariusza dopisano dwie postacie, których nie ma w pierwotnej wersji scenicznej: Blake'a Aleca Baldwina i Larry'ego Spannela Bruce'a Altmana. David Mamet, autor zarówno sztuki, jak i scenariusza, zgodził się dopisać postać Blake'a, by zapewnić nieco wyjaśniającego tekstu. Postać Altmana powstała, by pokazać Shelleya podczas prawdziwego „spotkania” z klientem, którego nie ma w wersji scenicznej.
Podczas produkcji aktorzy nazywali ten film „Śmiercią pieprzonego handlowca”.
David Mamet oparł swoją pierwotną sztukę na własnych doświadczeniach z pracy w biurze nieruchomości w 1970 roku, gdy był początkującym dramatopisarzem. Był kierownikiem biura, który rozdawał namiary na klientów i zajmował się papierologią.
Jack Lemmon, Alan Arkin i Ed Harris celowo trzymali Aleca Baldwina na dystans na planie, spędzając czas w swoich przyczepach. Nie wynikało to z żadnego problemu z Baldwinem, ale miało odseparować ich postacie od faceta, który po prostu wchodzi i ich poniża tyradą. W odwecie Baldwin włożył znacznie więcej wysiłku w to, by poczuli się jak śmiecie, a gdy krzyczy na Lemmona przy jego biurku, jego reakcja była całkowicie autentyczna według Jamesa Foleya.
Pod koniec filmu, gdy Shelley Levene zostaje wezwany do biura na przesłuchanie, próbuje zwrócić uwagę Ricky'ego Romy, w którego wciela się Al Pacino. Funkcjonariusz w końcu wprowadza Levene'a do biura i drzwi się zamykają, by policja mogła dosłownie wypytać Levene'a „o jego interesy”. Bardzo podobna scena jest na końcu Ojca chrzestnego, w którym również gra Al Pacino.
Handlowcy sprzedają ziemię w „Rio Rancho”, która według sugestii jest raczej bezwartościowa. Nie jest jasne, czy chodzi o prawdziwe Rio Rancho w Nowym Meksyku, czy tylko o fikcyjną, ogólną lokalizację. W czasach, gdy pisano sztukę, Rio Rancho w Nowym Meksyku było w zasadzie tylko działkami na pustyni, ale do połowy lat 90. stało się prężnie rozwijającym się przedmieściem Albuquerque. Innymi słowy, kupno tam ziemi byłoby cholernie dobrą inwestycją.
Słowo „fuck” i jego pochodne padają 138 razy.
Współgwiazdor Jack Lemmon powiedział, że to najlepszy zespół aktorski, w jakim kiedykolwiek grał. To także ulubiony film własny zarówno reżysera Jamesa Foleya, jak i Aleca Baldwina.
James Foley, Jack Lemmon i Alec Baldwin spotkali się w 1991 roku na kilku nieformalnych czytaniach. Producenci filmu skontaktowali się z Creative Artists Agency i poprosili o pomoc w znalezieniu aktorów do czytań. CAA okazało niewielkie zainteresowanie, ale dwoje ich klientów, Ed Harris i Kevin Spacey, przyszło na czytanie i ostatecznie dołączyło do obsady. Al Pacino dołączył wkrótce potem, a następnie Robert De Niro, Bruce Willis, Joe Mantegna i Richard Gere wypytywali o film.
Film miał trzy tygodnie prób i był kręcony przez 39 dni. Większość scen nakręcono jednym ujęciem, a potem pocięto w montażu, by odtworzyć teatralny rytm i kadencję dialogu. Film nakręcono też niemal w całości w kolejności scen.
James Foley początkowo odrzucił propozycję wyreżyserowania filmu, mówiąc, że nie widzi, jak mogłoby to być czymś innym niż sfilmowany teatr.
Podczas produkcji producenci Jerry Tokofsky i Stanley R. Zupnik pokłócili się o pieniądze i zasługi przy filmie. Tokofsky pozwał o odebranie Zupnikowi podpisu producenta i udziału w honorarium producenckim, ale Zupnik złożył pozew wzajemny, twierdząc, że osobiście wyłożył 2 miliony dolarów z budżetu filmu, i oskarżył Tokofsky'ego o defraudację. Sprawy ostatecznie zakończyły się ugodą poza sądem, a obaj panowie zostali wymienieni jako producenci.
Ponieważ Alec Baldwin był ostatnią osobą obsadzoną w filmie, on i reżyser James Foley poświęcili dzień na próbę słynnej sceny A, B, C. Foley był zachwycony, a gdy następnego dnia kręcili tę scenę, Baldwin zagrał ją dokładnie tak jak na próbie, co zrobiło na Foleyu wrażenie.

Ciekawostki ze spoilerami

Pokaż spoiler
Podczas prób reżyser James Foley kazał aktorom odgrywać sceny, które działyby się poza kamerą; na przykład Jack Lemmon i Ed Harris zagrali scenę, w której Moss namawia Levene'a do obrabowania biura, a Al Pacino i sir Jonathan Pryce odegrali scenę, w której Roma namawia Lingka do zainwestowania w ziemię.
Pokaż spoiler
Moss pokazuje swoje lodowate umiejętności aktorskie w długiej scenie rankiem po kradzieży. Dokucza Romie i prowokuje go, a także poniża i okazuje brak szacunku Shelleyowi, choć w rzeczywistości on i Shelley są współspiskowcami w najgłębszym sensie, bo popełnili przestępstwo, które jest badane.
Pokaż spoiler
Powracającym motywem filmu są „słabe namiary”, jakie dostają sprzedawcy – potencjalni klienci, do których wszyscy już wcześniej bez skutku próbowali dotrzeć (albo nie byli zainteresowani kupnem ziemi, albo nie było ich na to stać). Mimo to sprzedawcy dostają te same namiary raz po raz, aż w końcu rozpoznają nazwiska na kartach. Zdaniem firmy, które wyrażają Blake i Williamson, wystarczająco dobry sprzedawca potrafiłby sprzedać ziemię tym ludziom. Kiedy jednak Levene faktycznie dopina transakcję z jednym ze słabych namiarów, Williamson nie bierze go na poważnie. Nawet tego nie sprawdzając, mówi, że sprzedaż jest nic niewarta, bo to bardzo biedni ludzie, którzy – jak sam to ujmuje – „…są szaleni. Oni po prostu lubią gadać ze sprzedawcami”. Podkreśla to sytuację bez wyjścia, w jakiej znajdują się sprzedawcy: wylecą, jeśli nie dopną transakcji, ale jeśli ją dopną, sprzedaż i tak będzie nic niewarta (bo firma doskonale wie, że tych ludzi nie stać na kupno nieruchomości).
Pokaż spoiler
Ekranowa wersja Glengarry Glen Ross pomija bardzo ważną scenę z oryginalnej sztuki. W sztuce, gdy Levene jest przesłuchiwany przez policję, Roma podchodzi do Williamsona i żąda, by teraz dostał swoją działkę ze wszystkich sprzedaży Levene'a. Usunięcie tej sceny sprawia, że filmowy Roma wydaje się bardziej sojusznikiem Levene'a niż manipulatorem, którym naprawdę jest.
Pokaż spoiler
Gdy Jack Lemmon wychodzi z chińskiej restauracji i wraca do biura, przed wejściem stoi czerwone BMW. To samochód Aleca Baldwina, którym jeździ, gdy podczas swojej tyrady o zasadzie „zawsze zamykaj” jedzie po Edzie Harrisie.
Pokaż spoiler
Mamet i reżyser Foley nie mówią widzowi wprost, kogo Mossowi udaje się wciągnąć do swojego planu, aż do samego końca. Jednak dzięki subtelnym zabiegom montażowym kilka razy wcześniej podświadomie dają widzowi wskazówkę. Na przykład około 20. minuty obaj niczego nieświadomi wspólnicy są w jednym ujęciu, a potem kamera powoli przechodzi tam i z powrotem między nimi, jakby wizualnie przekazywała pałeczkę od George'a do Shelleya.

Powiązane strony

Simpsonowie — Glengarry Glen Ross pojawia się w ciekawostkach na tej stronie