Pacific Rim: 60 curiosidades que quizá no sabías

Ron Perlman se quedó con los zapatos que llevó en esta película. Más tarde, su mujer los mandó fundir y los convirtió en un par de tacones para ella.
Raiju (categoría 4) es la criatura acorazada con la armadura craneal tripartita, que se abre para revelar la auténtica cabeza del monstruo, parecida a la de un potro. Inspirada principalmente en reptiles (sobre todo en iguanas), se concibió como un personaje acuático. «Sus pies los esculpimos doblados», dijo del Toro, «porque no está pensado para caminar [sobre dos patas]. Siempre les decía [a los diseñadores] que pensaran en el cuerpo en horizontal, para que se moviera como una iguana gigante». Raiju, cuyo otro apodo era «Croc», fue diseñado por Francisco Ruiz Velasco, que le dio al monstruo el aspecto de un cocodrilo combinado con las placas acorazadas de un pangolín.
La cola de Otachi era en origen un rasgo de un kaiju completamente distinto, apodado «Meathead», que se descartó de la película.
A los kaiju se los describía básicamente como «armas vivas. Son instinto ciego combinado con inteligencia táctica, capaces de tomar decisiones instantáneas en combate». Todos los diseños seguían unas pautas comunes y básicas. Como «armas vivas» están «recién fabricados» y carecen de cualquier tipo de deformidad. «Cada elemento debe usarse como arma», dijo del Toro. «Si creamos un kaiju con tres o cuatro colas, quiero verlo usarlas. Si el kaiju tiene una boca en el extremo de la cola, la voy a usar para que pelee contra el robot con ambos extremos».
Según Travis Beacham, en una versión anterior del guion Mako y Raleigh hablaban dos idiomas distintos durante la mayor parte de la película. Tras conectar como pilotos, empezaban a entenderse poco a poco y, antes del final, se oían hablar cada uno en su propio idioma. El único vestigio de esa barrera lingüística es cuando Raleigh le habla a Mako en japonés y ella se sorprende de que conozca su lengua materna.
Leatherback (categoría 4) es el monstruo con aspecto de gorila que ataca Hong Kong junto a Otachi, y la criatura de la película con la que más se identifica del Toro. «Conecto con él a un nivel visceral, de verdad», dijo el director. «Es absolutamente brutal, pero me parece adorable». La piel de Leatherback está blindada, y un órgano especializado en su espalda produce el equivalente biológico de un pulso electromagnético (EMP). Las dos crestas de su cabeza se desplazan y se mueven, dejando al descubierto un retorcido conjunto de tentáculos bioluminiscentes en la parte posterior de la cabeza, que se agitan más rápido cuando la criatura está sometida a tensión. Leatherback fue diseñado por David Meng, «uno de los mejores diseñadores de monstruos del mundo», según del Toro. Meng también esculpió la maqueta de la criatura. Tras una larga lluvia de ideas con el director, «acabamos con algo parecido a un gorila, que siempre es divertido de animar». Del Toro añadió: «un diseño, ante todo, tiene que tener una silueta limpia y distintiva y luego una personalidad que lo haga único. Leatherback nació con todo eso». Leatherback es un bruto, con unos brazos enormes y poderosos. Del Toro comentó la naturaleza del monstruo: «lo que queríamos con él era que diera la sensación de un portero de discoteca, un bruto musculoso que embiste sin más, así que sus ataques son muy simiescos. Los puños los usa como mazas. Se sube a los hombros y al torso del enemigo y empieza a machacarlo». Los sonidos que emite Leatherback se diseñaron específicamente para ser los más intimidantes de todos los monstruos, según el supervisor de sonido Scott Gershin: «Leatherback tiene mucha presencia en los graves. No quería necesariamente que sonara fuerte, sino que fuera intenso. Cuando lo oyes, lo primero que piensas es: "ah, mierda, esto no es bueno"».
Guillermo del Toro es un gran fan de Colgados en Filadelfia (2005), y le ofreció a Charlie Day un papel en esta película a cambio de un cameo en la serie. Apareció como Pappy McPoyle en The Maureen Ponderosa Wedding Massacre (2012) y en McPoyle vs. Ponderosa: The Trial of the Century (2016).
Uno de los directores de arte dijo que era la primera vez que montaban un decorado con carretillas elevadoras y martillos neumáticos. Gran parte del decorado está hecho con materiales reales, a diferencia de la mayoría de los decorados.
El personaje del Dr. Newt, interpretado por Charlie Day, habla de que los kaiju tienen un cerebro secundario, similar al de los dinosaurios. Esta teoría sobre los dinosaurios se enseñaba todavía en 1990, pero desde entonces la comunidad científica la ha desmentido. Además, solo se creía que unos pocos dinosaurios, como el estegosaurio, tenían un cerebro secundario, porque sus cráneos y cerebros eran muy pequeños en relación con su cuerpo. La mayoría de los kaiju de esta película tenían cabezas grandes, así que esa hipótesis no encaja por varios motivos.
En marzo de 2013, el canal de YouTube «Dumb Drum» creó una versión «sweded» del tráiler de la película. Menos de dos semanas después, Guillermo del Toro comentó el vídeo en la WonderCon de 2013, lo llamó «obra maestra» y dijo que le había inspirado para crear el segundo tráiler de la película. También invitó a los cineastas al estreno en Hollywood. Cuando la película salió en vídeo doméstico, Legendary Pictures contactó con «Dumb Drum» y les pidió ayuda para promocionar el lanzamiento. En octubre de 2013 publicaron varias versiones «sweded» de escenas de la película. Estos nuevos vídeos se hicieron en intervalos de quince segundos para compartirlos en redes sociales.
Gipsy Danger está pintado y detallado para parecerse a un avión de combate de la Segunda Guerra Mundial. Lleva un motivo de morro de avión en el pecho.
Cuando le preguntaron por qué los pilotos se gritan unos a otros si están conectados telepáticamente, Travis Beacham dijo que hacerlo les ayuda a mantener la concentración.
El kaiju bebé que se descubre en Hong Kong es la cría de Otachi y, como tal, su diseño se desarrolló a partir del de su progenitora. El bebé es el elemento de la película que representa más vívidamente el estilo surrealista de Guillermo del Toro: «si piensas en un monstruo como algo formidable, puedes darle un momento en el que sea curioso y atractivo y hasta mono. El surrealismo nace de la yuxtaposición. El teléfono de Dalí con la langosta encima. El elemento que no funciona es el que hace que la cosa funcione». Concebido con un «aire de cachorro», a la criatura se le dieron ojos grandes y una cabeza muy grande en proporción. «Es un poco mono y horrible», añadió del Toro; «le dimos al bebé dos características que lo hacen único y hermoso de mirar: translucidez e iridiscencia. La piel es translúcida y nacarada, pero también arrugada como la de un ratopín desnudo [o] como la de un gato egipcio». Animar a la criatura bebé resultó especialmente complejo, según Hickel: «lo desordenado es a veces lo más difícil de todo, porque no hay accidentes afortunados. El animador decide cada movimiento que va a hacer, cada pequeña sacudida y balanceo».
El supervisor de efectos visuales John Knoll y el director Guillermo del Toro pasaron varias semanas hablando de la física de los personajes gigantes y entraron en detalles muy concretos, como el modo en que el desplazamiento de aire de un jaeger al moverse entre rascacielos haría vibrar las ventanas del edificio.
Aunque los monstruos gigantes siempre estuvieron pensados para generarse por ordenador, todos sus diseños se desarrollaron partiendo de la idea de que pudieran «llevarse como trajes», como en las películas clásicas de kaiju.
(Alrededor del minuto 55) Un llamativo cartel callejero de Hong Kong señala el cruce de «Tull Street» y «Fong Street». Thomas Tull es el presidente de Legendary Pictures (que financió la película) y Henry Fong es uno de los artistas conceptuales del filme.
El director Guillermo del Toro se inspiró en el anime y el tokusatsu de su juventud. Citó concretamente Tetsujin nijûhachi-go (1963) como una influencia importante. Aun así, quería evitar referencias a otras obras de ficción en el diseño de los robots y los monstruos.
Los Kaiju también se ven 'plagados' por parásitos que viven en las capas externas de su piel. La construcción física de las criaturas se asignó a Spectral Motion. Los parásitos de la piel, cariñosamente llamados 'Rollie-Pollies', fueron diseñados por Mike Elizalde y Alex Palma. La inspiración para el diseño —y el nombre— provino de los isópodos. También se usaron otros crustáceos como referencia para la textura y la combinación de colores. Los parásitos se construyeron como animatrónicos a tamaño real —esculpidos por Joey Orosco y Mario Torres, y pintados por Russ Lukich—. La mecánica que permitía el movimiento similar al de un artrópodo fue concebida y construida por Mark Setrakian. Las versiones digitales de los parásitos se pueden ver arrastrándose sobre la piel de Leatherback y otros kaiju durante la película.
Se construyó una versión a tamaño real de la cabina del robot en un plató de Pinewood Studios en Toronto, Canadá. Pesaba unas veinte toneladas y medía casi cuatro pisos de altura. Se montó sobre un gigantesco cardán hidráulico que movía, sacudía, vibraba, dejaba caer y balanceaba todo el decorado como si realmente se estuviera pilotando. También se construyó una versión más pequeña con un cardán más pequeño, lo que permitía diferentes movimientos. El equipo de efectos visuales usó parte del metraje del Conn-pod como referencia mientras animaba los robots. El decorado también se reutilizó para representar el interior de cada robot de forma diferente.
Al principio, antes de enfrentarse al Kaiju Knifehead, Gipsy Danger realiza su "apretón de manos neuronal" y luego junta lentamente las manos como si rezara (con los codos hacia afuera), excepto que su mano izquierda está cerrada y la derecha la cubre. Este es un saludo de siglos de antigüedad en las artes marciales entre iguales y combatientes, y era una señal de respeto mutuo (concretamente, estilos chinos como el wushu, el shaolín y el wing chun utilizaban este saludo). El puño cerrado representa la preparación para luchar y el acto de cubrir el puño es similar a mantener una espada envainada hasta el combate. Este acto también es una señal de disciplina y contención (para no abusar de su poder), lo que demuestra que no es una amenaza y tiene intenciones pacíficas sin provocación.
El primer diseño de monstruo aprobado durante la preproducción fue Knifehead (Categoría 3), concebido por Wayne Barlowe. La criatura pretende evocar un tiburón gigante, según el director: "es como si tomaras un tiburón y le estiraras el hocico hasta que su cabeza se convirtiera en esta forma muy afilada y puntiaguda, como una cuchilla, en lugar del triángulo romo que normalmente es un tiburón". El diseño de Knifehead acabó con una apariencia que recuerda a Guiron, uno de los enemigos a los que se enfrenta Gamera en Gamera Vs. Guiron. Sin embargo, al parecer fue involuntario. Del Toro explicó a Ain't It Cool: "Lo curioso es que Knifehead surgió de una silueta que hizo Wayne Barlowe, y él nunca había visto a Guiron. Le dije: 'Ve a por un tiburón duende'. Empezó a hacerlo, y para él no hay culpa; nunca conoció a Guiron. Luego empezamos a improvisar sobre eso y creamos Axehead y Bladehead". De hecho, una vez finalizado, el modelo digital también se usó como base para Axehead, Bladehead y Scunner, que presentaban diferencias clave pero mantenían la misma estructura anatómica básica.
Karloff es un monstruo que guarda similitud con Boris Karloff (de ahí su nombre), el actor que interpretó a la criatura de Frankenstein y a la momia en las películas clásicas de Universal. Guy Davis dijo que "[los apodos] empezaron con 'Karloff' (y ese nombre de hecho se quedó), pero fue solo porque su boceto de la cabeza me recordó a Boris Karloff". El diseño, de hecho, presenta una región frontal prominente (similar a la de Frankenstein) y labios arrugados (similares a los de la momia). La parte trasera combina rasgos de grillos y motores a reacción. La boca secundaria de Karloff en el pecho resultó ser 'vagamente obscena' (debido a su configuración vaginal), por lo que el papel de la criatura se redujo enormemente en la película; solo se la ve brevemente en el prólogo.
Gipsy Danger lleva el nombre del motor de avión "de Havilland Gipsy". Esto pretendía ser un guiño nostálgico a la era de la Segunda Guerra Mundial, que fue una influencia importante en el diseño del robot.
El sonido de los rugidos de los Kaiju se componía de capa sobre capa de rugidos y gruñidos de animales, que se filtraron, aceleraron y ralentizaron para crear el rugido de los colosos alienígenas. Luego, para añadir emoción y una sensación de inteligencia, el supervisor de edición de sonido Scott Martin Gershin y el director Guillermo del Toro añadieron muestras de sus propias voces.
(Alrededor de 1 hora y 25 minutos) El interior del edificio que atraviesa el puño de Gipsy se creó con maquetas. Muchos de los componentes de los cubículos de oficina se hicieron con impresoras 3D. La iluminación era práctica y estaba hecha a escala. Una vez que el decorado estuvo listo, se estrelló contra él un gran mandril verde. Este se sustituyó digitalmente por el puño de Gipsy.
Varios países crearon sus propios Jaegers, entre ellos: Estados Unidos, Canadá, Australia, Japón, China, Rusia, Singapur, India, Filipinas, Dinamarca, Reino Unido, Irlanda, Nueva Zelanda, Malasia, Jamaica, México, España, Perú, Argentina y Chile.
Guillermo del Toro se inspiró en pinturas, como "El coloso" de Francisco de Goya y "La gran ola de Kanagawa" de Hokusai.
Mana Ashida tuvo, comprensiblemente, problemas para pronunciar el nombre de Guillermo del Toro. Con el permiso expreso de su director, se le permitió llamarlo 'Totoro-san'.
Onibaba (cuyo nombre hace referencia a la película de terror japonesa de 1964) fue descrito básicamente como un tanque blindado, o un 'monstruo que embiste': "queríamos que Onibaba fuera un tipo que embistiera", dijo del Toro. "La secuencia trata de calles estrechas, así que quería que embistiera y destruyera los edificios simplemente por no detenerse". El Kaiju resultó ser el más complejo de animar, debido a la cantidad de partes móviles y a la supuesta inteligencia malévola que había que infundir en su actuación. Su boca está compuesta por un complejo sistema de placas móviles. Hickel comentó: "fue difícil porque este personaje no iba a tener ojos normales con una pupila que pudieras rotar y obtener una dirección de mirada buena y fuerte". Era necesario que el público entendiera que Onibaba perseguía específicamente a Mako. Hickel sugirió poner los ojos de la criatura en pedúnculos, cuyo movimiento indicaría hacia dónde miraba. "Todavía se siente como un cangrejo", dijo Hickel, "e incluso un poco alienígena, como suelen ser los cangrejos, pero claramente tiene intención e inteligencia, y la mira con sus ojos". Sin embargo, en última instancia, el diseño final de Onibaba presenta protuberancias óseas rígidas que albergan los ojos, en lugar de pedúnculos. La criatura también tenía elementos de la antigua arquitectura japonesa infundidos: "tiene este elemento ornamental donde parece un templo japonés", dijo del Toro a USAtoday, "y al mismo tiempo es un crustáceo".
Dos monstruos emergen de la brecha y atacan Hong Kong. Otachi (categoría 4) es el nombre que recibe la criatura voladora, con cabeza reptiliana y dos crestas afiladas. «Diseñamos la cara para que fuera realmente malvada», dijo del Toro. «Sus ojos tienen una especie de inteligencia malévola». Otachi fue diseñado principalmente por Guy Davis, que basó los primeros bocetos de la criatura en un murciélago que repta. Los salientes de la cabeza de la criatura se inspiraron en el cráneo de un Brontotherium. Las primeras versiones del monstruo incluían tendones en la mandíbula, varios ojos a los lados de la cabeza y una punta de cola en forma de martillo.
Algunos diseños derivaron de encarnaciones tempranas de otros personajes. Hardship es un kaiju que se ve brevemente en el prólogo, con un saliente característico que le crece de la mandíbula inferior. Primero aparece rugiendo ante la cámara y después lucha contra un jaeger en una toma de visión nocturna. Diseñado por Simon Webber, en un principio se concibió como el monstruo que atacaba Sídney y atravesaba la muralla antikaiju con su enorme cuerno afilado; sin embargo, el diseño acabó desarrollándose por su cuenta y recibió el apodo de Bowser antes de tener su nombre en la película.
Fue la primera experiencia rodando con cámaras digitales tanto del director Guillermo del Toro como del director de fotografía Guillermo Navarro. Navarro compró siete cámaras Red Epic específicamente para la película y usó sus propias ópticas, ya que prefiere rodar con su propio equipo antes que alquilarlo.
Para maximizar el público de la película, otra regla era que no podía haber mucha sangre ni gore, pese a la brutalidad de las peleas. La solución a este problema se encontró tiñendo la sangre de los monstruos de un tono azul bioluminiscente. A su vez, esta idea inspiró a los diseñadores a concebir un residuo de esa sangre que se extiende como el moho; se llama «azul kaiju». Se usó para construir un decorado en el que el azul y el dorado lo impregnaban todo —como deseaba del Toro— para la secuencia del kaiju bebé. La diseñadora de vestuario Kate Hawley envió al diseñador de producción Andrew Neskoromny una foto de una fábrica asiática. En ella se veía el proceso de teñido de tela de índigo. Neskoromny dijo: «todo queda manchado: la ropa de la gente, los dedos, las uñas, absolutamente todo. Dije: “ah, sí, eso se ve genial. Tenemos que hacer algo de eso”». Hawley desarrolló más el concepto: «la idea es que la sangre azul se había metido en el cuerpo de la gente; y ves restos de azul salir por sus máscaras de respiración, como un veneno sutil».
Scunner (categoría 4) fue diseñado por Simon Webber y concebido básicamente como «un monstruo toro». Durante la lucha con Gipsy Danger hay planos que recuerdan a un rodeo, y el comportamiento de Scunner se basó en el de los toros: embiste a su oponente e intenta usar los cuernos como armas cortantes y perforantes. El arquetipo corporal básico del monstruo es el mismo que el de Axehead y Knifehead, pero con hombros de textura distinta. Además, los brazos principales tienen tres garras como de topo.
El último y más temible enemigo al que se enfrenta Gipsy Danger en la película se llama Slattern, el primer kaiju de categoría 5. Se supone que está más allá de todo aquello para lo que los jaegers fueron preparados. Del Toro comentó sobre el personaje: «Quería muchísimo que el kaiju final fuera el diablo. Siempre me encantó ese momento de Fantasía en el que Chernabog abre las alas en Una noche en el Monte Pelado». El monstruo debía evocar una sensación majestuosa, inspirada en Dragonslayer (a la que se hace referencia cuando el monstruo entra en escena). «Lo presento casi como un edificio que sale del agua», dijo del Toro. «Es realmente gigantesco». Slattern fue concebido inicialmente por Guy Davis, que lo apodó «Verdugo». «Mi idea inicial era que, aunque Slattern sería un verdugo», dijo Davis en su blog de Tumblr, «sería más ágil que un bruto; rápido y como una morena en el agua, y casi como un gremlin, usando los numerosos brazos del pecho para despedazar a los jaegers mientras luchaba». Del Toro dijo: «Quería que saliera de las profundidades del océano y que su cabeza no fueran cuernos, sino que los evocara. Tiene una inteligencia realmente mezquina. Es el único kaiju cuya cabeza parece una auténtica corona, así que tiene majestuosidad. Quería muchísimo que fuera claramente el rey de los kaiju». Davis añadió: «El diseño de su cabeza tendría subliminalmente la sensación de una “calavera con tibias cruzadas”, con la forma de la mandíbula inferior reflejando los cuernos superiores y los ojos agrupados en el centro como una cara. A Guillermo le gustó la forma y la idea iniciales, pero quería que los ojos se movieran a los lados, lo que funcionó genial porque así el punto central podía parecerse a la cavidad nasal de un esqueleto y dar a la cabeza una forma de martillo. También pensé que le daba más personalidad y hacía que se pareciera un poco a una caricatura monstruosa de Jack Palance».
Cada diseño de monstruo en proceso recibía un apodo, algo que ayudaba a los diseñadores a ver a las criaturas como personajes reales. Según Davis, era «solo una forma de darle al kaiju una identidad rápida si necesitábamos referirnos a él o encontrar el diseño». Las criaturas, de hecho, tenían que ser «actores» y, como tales, capaces de mostrar toda una gama de emociones. «Si ves a un león en reposo», dijo del Toro, «el león parece majestuoso, noble, hermoso. Pero si ese león está encima de ti y a punto de morderte, parece eso [pone cara de gruñir]. Nada agradable. Y aun así, es el mismo animal». Como homenaje a las películas de culto japonesas, cada monstruo debía diseñarse como si tuviera que ser interpretado por un hombre con un traje. «Una de las reglas que les di a los diseñadores de kaijus», dijo del Toro en un featurette, «es que quería pensar cómo encajaría ahí un hombre con un traje. Los kaijus intentan honrar el espíritu y la sensación de los kaijus clásicos. Los mantenemos en su mayoría bípedos, no humanoides, pero con una silueta que te recuerde a los clásicos».
Reckoner es el nombre que recibe un kaiju cuyos restos sirvieron de base para crear un templo que albergaría un «culto kaiju». Esto tiene una conexión directa con el mercado negro de Hannibal, según Guillermo del Toro, que dijo que «el discurso del templo y del mercado negro que da Hannibal es indicativo de los cambios religiosos y sociales que los kaijus provocaron en la sociedad». A Reckoner en realidad nunca se le ve vivo en toda la película y, por ello, fue el único monstruo que se construyó literalmente como decorado físico. El diseñador de producción Andrew Neskoromny comentó: «tiene un poco de arquitectura tradicional de templo chino combinada con algo de hueso. Es como si hubieran tomado el hueso, lo hubieran excavado y hubieran puesto una escalera que lo atraviesa, de modo que las piezas del hueso bordean sus lados».
Travis Beacham, el guionista, tuvo la idea de la película mientras caminaba por la costa de California una mañana de niebla. La forma del muelle parecía una criatura que surgía del agua, e imaginó un gran robot esperando en la orilla para combatirla.
El primer monstruo que ve el público es Axehead, o Trespasser, el monstruo pionero en cruzar la brecha. La criatura solo aparece en el prólogo de la película y, curiosamente, es el último kaiju que se oye: su rugido suena justo al final de los créditos. El propósito fundamental de Axehead en la película es presentar al público el estilo de diseño que verá a lo largo de todo el filme. Cuando ruge, se ve un resplandor naranja bioluminiscente salir de su cavidad bucal. «Eso es algo que está presente en todos los kaijus de la película», dijo Hickel. «Una especie de bioluminiscencia interior. Y muchos tienen marcas en la piel que también son bioluminiscentes». La criatura ataca el puente Golden Gate, una destrucción de un lugar emblemático que Hickel en un principio quería evitar. Sin embargo, al final, «establece la huella del diseño de Guillermo y lo que tiene de único su visión para esta película: esas grandes crestas en forma de hacha que sobresalen de la cabeza, la coloración de la criatura y la bioluminiscencia. Todas esas cosas son más singulares y menos esperadas, así que ojalá le dé al público ambos mensajes: sí, la película va a tener eso que han venido a ver, monstruos del tamaño de Godzilla sembrando el caos, y aun así no va a ser Godzilla; van a ser monstruos que nunca han visto, que se ven distintos de lo que esperaban». El modelo digital de Axehead se creó a partir del de Knifehead, que se modificó para acomodar la cresta en forma de hacha que le da nombre en la cabeza, así como distintas garras —más prominentes— en los brazos y otras diferencias cosméticas.
La película está dedicada a la memoria de los "maestros de monstruos" Ray Harryhausen, animador de stop-motion de películas como Simbad y el ojo del tigre (1958), e Ishirō Honda, director de Japón bajo el terror del monstruo (1954) y muchas otras películas de kaijus. Honda nació el 7 de mayo de 1911. Harryhausen murió el 7 de mayo de 2013.
En Hungría, los tráileres de la película no podían mencionar el nombre del robot principal, Gipsy Danger, porque resultaba ofensivo para los gitanos, un importante grupo étnico del país. El nombre se dice sin problema en la versión doblada al húngaro, pero se deja en inglés. Es una referencia a un tipo de motor de avión, no a las personas en cuestión.
Marca la primera colaboración entre Guillermo del Toro y los veteranos de los efectos digitales de Industrial Light & Magic. A excepción de los huesos de Reckoner y algunos órganos de los kaijus, así como partes del cadáver de Otachi, todos los kaijus de la película se llevaron a la pantalla utilizando únicamente modelos generados por computadora. Dichos modelos se obtuvieron a partir de escaneos de maquetas físicas esculpidas por Simon Lee y David Meng y pintadas por Casey Love. A pesar de que existía la posibilidad de utilizar sistemas musculares generales para las criaturas, los artistas de efectos visuales decidieron no hacerlo. "Elegimos hacerlo así porque los kaijus eran radicalmente diferentes entre sí", dijo Hal Hickel, animador de efectos, a fxguide. "No nos parecía económico configurar un sistema muscular general para la película porque no parecía transferible de uno a otro. Pensé que no necesitábamos una gran cantidad de detalle muscular, necesitábamos grandes masas que hicieran ciertas cosas en momentos clave, así que para mí eso significaba formas".
Cada monstruo también tenía que mostrar un 'rasgo oculto' que 'sorprendiera' al público, para que los espectadores nunca llegaran a 'acostumbrarse' realmente al personaje. La bioluminiscencia tenía que ser un rasgo común: los creadores de los kaijus podrían así rastrear y reconocer cada modelo. En cuanto al enorme tamaño de las criaturas, Barlowe dijo que "hace un tiempo, cuando trabajaba brevemente en el mundo del paleoarte, leí un libro que profundizaba en este mismo tema. La conclusión era que, por supuesto, existen límites estructurales al tamaño que los animales pueden alcanzar en nuestro planeta dada su gravedad. Como has sugerido, la biomecánica simplemente no permitiría que una criatura alcanzara los tamaños que se representan en Pacific Rim. Las proporciones óseas serían ridículas. Es un poco como la representación de los ángeles: para levantar una masa del tamaño de un humano, las alas tendrían que medir aproximadamente 30-40 pies de punta a punta o algo así. No es práctico mostrarlo en películas. En este caso, los kaijus no nacen de este mundo y, por lo tanto, podemos suspender voluntariamente la incredulidad y sentarnos a disfrutar del viaje".
La computadora tiene la voz de Ellen McLain, quien también dio voz a GLaDOS, la IA de Portal (2007) y Portal 2 (2011). De hecho, es un cameo de GLaDOS, ya que Guillermo del Toro era tan fan de los juegos que se acercó a los desarrolladores, Valve, quienes lo aprobaron. Del Toro dijo en una entrevista para el Toronto Sun: "Quería mucho tenerla, porque soy un gran fan de Portal. Pero solo como un guiño. No está obsesionada con el pastel. No quiere destruir a la humanidad". Además explicó: "Mira, no hay ninguna IA que prefiera tener más que a GLaDOS, pero la voz de McLain en la película, que se estrena el 12 de julio, se ha modulado un poco para que se parezca menos al tono distintivo del inolvidable antagonista de Portal. El filtro que usamos es ligeramente menos GLaDOS. Ligeramente. El del tráiler quería que fuera GLaDOS al cien por cien". La propia voz de GLaDOS está inspirada en la computadora de The Thirteenth Floor (1999).
El set se construyó como un Hong Kong no destruido, luego se destruyó y se redecoró para representar una zona diferente, después de la batalla contra los monstruos. El set de Hong Kong se utilizó como cuatro calles y escenarios diferentes, cambiando la ubicación y la decoración de los elementos cada vez.
El arma principal del monstruo es el grupo de colas similares a zarcillos. Se instruyó a los animadores para que basaran los movimientos en maestros de kung-fu que usan bastones mágicos. Hal Hickel comentó: "[del Toro] quería un tipo de sensación similar para la forma en que Slattern hace girar sus colas en el agua de manera circular. No sabes bien qué está haciendo con ellas, y de repente pueden salpicar y atacar". El diseño final recibió escamas similares a las de un cocodrilo, así como una coloración crocodiliana, y una peculiar protuberancia en forma de cuerno de carnero en el pecho —añadida por Barlowe— que puede usarse como arma de corto alcance, aunque nunca se usa de manera efectiva en la película.
El personaje de Ron Perlman, Hannibal Chau, podría llevar el nombre del personaje de James Hong, Hannibal Chew, en Blade Runner (1982), ya que Guillermo del Toro ha nombrado la película como una gran inspiración para él como director.
Striker Eureka, el jaeger australiano blanco, fue elegido inicialmente para ser el "jaeger héroe" de la película, pero Guillermo del Toro pensó que su apariencia era "demasiado fría" y "arrogante".
Al principio de los créditos finales hay una escena extra con Ron Perlman inmediatamente después de las tarjetas del reparto principal.
Es probable que Cherno Alpha lleve el nombre de Chernóbil, la pequeña ciudad de Ucrania donde un reactor de la central nuclear sufrió una fusión en abril de 1986, cuando Ucrania formaba parte de la Unión Soviética. La cabeza de Cherno se parece a una alta torre de refrigeración, aunque los reactores de Chernóbil no tienen ese estilo de torre de refrigeración.
(Alrededor de 1 hora y 25 minutos) Cuando Gipsy Danger lucha contra el segundo kaiju en Hong Kong, atraviesa un edificio y activa un conjunto de bolas de Newton o péndulo de Newton. El científico al que perseguía el kaiju se llama Dr. Newton Geizler.
Los jaegers son un elemento básico del anime japonés, donde a menudo se les llama mecha. Al igual que en muchas series de anime mecha, los jaegers son controlados desde dentro por pilotos humanos, lo que los distingue de otras representaciones de robots como automatizados, conscientes o controlados externamente.
Guillermo del Toro no rodó la película pensando en 3D y al principio se opuso a la idea de convertirla a ese formato cuando el estudio lo sugirió. Solo aceptó con cuatro condiciones: que se mantuviera la escala de los kaijus y jaegers en 3D sin enfatizar en exceso el efecto y miniaturizarlos, que se diera a la conversión un generoso calendario de 40 semanas para asegurar su calidad, que los elementos CGI se renderizaran de forma nativa en estéreo 3D, y que se le permitiera supervisar el proceso de conversión.
El personaje de Mako Mori es mucho más joven que Stacker "Marshall" Pentecost. Aunque en la vida real, Rinko Kikuchi es solo ocho años menor que Sir Idris Elba.
Aunque los cineastas declararon repetidamente que no querían hacer referencia a otras obras de mecha o kaiju, han admitido haberlo hecho accidentalmente. Por ejemplo, "jaeger" es también el nombre de uno de los diseños de mech del universo mechcommander de FASA de la facción Esfera Interior. Además, la escena en la que Otachi busca al Dr. Newton Geizler recuerda mucho a la película La guerra de los gargantúas (1966), durante la cual un monstruo gigante busca a un personaje humano principal que se esconde bajo tierra.
Mutavore (categoría 4), conocido como Bladehead durante la producción, es el primer monstruo que atraviesa la barrera anti-Kaiju en Sídney. Diseñado por Wayne Barlowe, «tiene una enorme cabeza con forma de cuchilla que usa para abrirse paso a golpes por el muro protector de Sídney», dijo Hickel. «Y corta el muro como si fuera mantequilla. En realidad no parece tener boca hasta que la abre y empieza a rugir. Es una especie de línea fina y extraña que recorre el frente de su cabeza de cuchilla. Es un diseño muy, muy raro, y la verdad es que me gusta mucho. Es uno de mis favoritos». La criatura siempre conservó ciertos rasgos, como la forma de la cabeza y los ojos en la mandíbula inferior. Las primeras versiones tenían bocas y extremidades secundarias, que acabaron descartándose para el diseño final. El modelo digital se obtuvo, de nuevo, a partir del modelo de Knifehead.

Curiosidades con spoilers

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Cuando la pequeña Mako está en el callejón, todos los objetos del decorado estaban conectados al mismo sistema hidráulico. Cada vez que el monstruo gigante daba un paso, todo rebotaba o temblaba al unísono, incluidos los charcos.
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Durante un panel de NerdHQ en 2013, Robert Kazinsky habla de la escena de pelea entre Chuck y Raleigh en el pasillo y de cómo Charlie Hunnam se rompió la nariz durante esa secuencia. Kazinsky dice que el plano en el que Hunnam se rompió la nariz se mantuvo en la película y también cuenta con orgullo que él siguió en pie después de lo ocurrido.
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Cuando Mako cae en su recuerdo del ataque que sufrió de niña, la transición de la cabina del Jaeger a la calle japonesa se hizo entera en el plató.
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La cuenta atrás de un minuto para la explosión tarda en realidad un minuto en llegar a cero en la película.

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