Dźwięki muzyki: 283 ciekawostki zza kulis

Nicholas Hammond i Kym Karath wystąpili w The Brady Bunch (1969).
Joan Gearin, ceniona historyczka i archiwistka, badała prawdziwe losy rodziny Von Trappów. Dotarła do relacji jednego z dzieci Von Trappów, również Marii, która opowiadała o swojej relacji z matką, słynną Marią Von Trapp. Młodsza Maria opisywała starszą jako dość nieobliczalną: choć była troskliwa i kochająca, nie zawsze była tak słodka jak fikcyjna Maria. Wybuchała gniewem – krzyczała, rzucała przedmiotami i trzaskała drzwiami. Jej złość natychmiast mijała i wracał dobry humor, ale pozostałym członkom rodziny, zwłaszcza mężowi, trudniej było dojść do siebie. W wywiadzie z 2003 roku młodsza Maria potwierdziła, że macocha „miała straszny temperament. I z jednej chwili na drugą nie wiedziałeś, co cię uderzy. Nie byliśmy do tego przyzwyczajeni. Ale traktowaliśmy to jak burzę, która przeminie, bo już w następnej minucie mogła być bardzo miła”.
Von Trappowie nigdy nie zobaczyli zbyt wiele z ogromnych zysków, jakie przyniósł ten film. Maria sprzedała prawa do filmu niemieckim producentom i przy okazji niechcący zrzekła się własnych praw. Powstałe filmy, Die Trapp-Familie (1956) i sequel Die Trapp-Familie in Amerika (1958), odniosły spory sukces. Prawa amerykańskie odkupiono od niemieckich producentów. Rodzina miała bardzo niewielki wpływ zarówno na sztukę, jak i na film. Producenci sztuki z kurtuazji wysłuchali kilku sugestii Marii, ale nie przyjęto żadnego istotnego wkładu. Jak Von Trappowie zareagowali na „Dźwięki muzyki”? Maria cieszyła się, że historia, którą opisała w „The Story of the Trapp Family Singers”, nie została skrajnie przerobiona i że przedstawiono ją dość wiernie (choć Mary Martin i Julie Andrews to według niej „zbyt łagodne panienki z Bryn Mawr”, jak powiedziała „Washington Post” w 1978 roku), ale nie była zadowolona ze sposobu ukazania męża. Reakcje dzieci były wariacjami na ten sam temat: irytacja, że przedstawiono je jako ludzi śpiewających wyłącznie lekką muzykę, uproszczenie historii i zmiany w osobowości Georga Von Trappa. Jak powiedział Johannes Von Trapp w wywiadzie dla „New York Timesa” w 1998 roku: „to nie o tym była moja rodzina. (Byliśmy) o dobrym guście, kulturze, tych wszystkich wspaniałych standardach wyższej klasy, z których ludzie śmieją się w filmach takich jak »Titanic«. Jesteśmy o wrażliwości na środowisko, wrażliwości artystycznej. »Dźwięki muzyki« wszystko upraszczają. Myślę, że rzeczywistość jest może mniej efektowna, ale ciekawsza niż mit”.
Pierwszy numer muzyczny w tym filmie był ostatnią sceną nakręconą w Europie, zanim obsada i ekipa wróciły do Los Angeles w Kalifornii. Zdjęcia powstały pod koniec czerwca i na początku lipca 1964 roku. Mimo ciepłego i słonecznego wyglądu Dame Julie Andrews wspomina, że marzła, biegając w kółko pod tę górę. Producent i reżyser Robert Wise opowiadał, że musiał wspiąć się na jedno z pobliskich drzew, żeby mieć widok na zdjęcia z helikoptera i nie wejść w kadr.
Dame Julie Andrews od początku była pierwszym wyborem Roberta Wise'a do roli Marii; choć była dobrze znana na Broadwayu, nikt tak naprawdę nie widział, jak wypada na ekranie. Mary Poppins (1964) nie miała jeszcze wtedy premiery.
Christopher Plummer przyznaje w komentarzu na DVD, że był pijany podczas kręcenia sceny festiwalu muzycznego.
Dwoje dzieci Von Trappów nazywa się „Liesl” i „Kurt”. W Złodziejce książek (2013) dwoje bohaterów nazywa się „Liesel” i „Kurt”, a akcja również rozgrywa się podczas II wojny światowej.
Wśród dzieci, które przyszły na casting do roli jednego z Von Trappów, byli Kurt Russell, Richard Dreyfuss, Veronica Cartwright i czterej najstarsi bracia Osmond (Alan Osmond, Jay Osmond, Merrill Osmond i Wayne Osmond). Dreyfuss nie umiał tańczyć.
Kwestia Matki Przełożonej „Podnoszę oczy moje ku górom, skąd mi pomoc przychodzi!” to pierwszy wers Psalmu 121, ponieważ rodzina zmierzała prosto w góry, licząc, że Bóg ześle stamtąd pomoc, by ochronić Von Trappów.
W piosence „The Lonely Goatherd” pojawia się table d'hôte, czyli posiłek w restauracji podawany za stałą cenę i z niewielkim wyborem dań, o ile w ogóle.
Maria nigdy nie zwraca się do kapitana po imieniu, „Georg”, w tym filmie. Mówi do niego Captain, Sir i Darling.
Ronald Reagan był wielkim fanem tego filmu. Podobnie Jimmy Fallon i Rosie O'Donnell.
Partie organowe w muzyce ilustracyjnej wykonał jazzowy organista Buddy Cole, który zmarł na zawał serca zaledwie dzień po zakończeniu ostatnich sesji nagraniowych.
To jeden z dwóch filmów muzycznych wyprodukowanych i wyreżyserowanych przez Roberta Wise'a i napisanych przez Ernesta Lehmana, w których główna bohaterka nazywa się Maria: Natalie Wood w West Side Story (1961) i Dame Julie Andrews w tym filmie.
Christopher Plummer miał bardzo mało informacji o prawdziwym kapitanie Von Trappie, więc wybrał się w salzburskie góry z tłumaczem. Spotkali tam bratanka Georga i zapytali, jaki naprawdę był. Bratanek powiedział im, że to najnudniejszy człowiek, jakiego w życiu spotkał.
Piosenka „Edelweiss” z tego musicalu jest motywem przewodnim serialu telewizyjnego „The Man in the High Castle”, opowiadającego o alternatywnej historii, w której naziści podbili Stany Zjednoczone.
Choć Dame Julie Andrews śpiewa „Edelweiss” tylko przez chwilę, przyznała, że to jej ulubiona piosenka z tego filmu.
W rzeczywistości Anschluss (przyłączenie Austrii do Niemiec w 1938 roku) był w Austrii powszechnie witany z entuzjazmem.
Krytycy zarzucali Rodgersowi i Hammersteinowi, że „Dźwięki muzyki” to odgrzewanie „Króla i ja” — wzięli prawdziwą historię rodziny Von Trappów i po prostu dodali, skopiowali oraz podkoloryzowali wątki z „Króla i ja”, swojego ostatniego wielkiego musicalu o guwernantce i gromadce dzieci, żeby „Dźwięki muzyki” były bardziej dramatyczne i filmowe. Prawdziwi Von Trappowie skarżyli się w trakcie zdjęć, że Georg jest na początku historii przedstawiany jako nieczuły potwór, a prawdziwy mężczyzna taki nie był. To wątek prawdopodobnie zapożyczony z „Króla i ja”, gdzie mamy twardego, groźnego i zaczepnego Yula Brynnera ścierającego się z wolną duszą Gertrude Lawrence. Z „Króla i ja” zapożyczono też wątek Marii rywalizującej z baronową, który nigdy nie miał miejsca w rzeczywistości i prawdopodobnie pochodzi ze sposobu, w jaki „Król i ja” pokazywał Annę spierającą się z innymi żonami króla i dworzanami dla efektu dramatycznego. Wątek gwiazdorskiej miłości Leisl i Rolfa również zapożyczono z „Króla i ja” i zakazanej miłości Tuptim (a także pod wpływem Romea i Julii). Wiele numerów muzycznych i scen „Dźwięki muzyki” zdawało się kopiować z „Króla i ja”. Scena przedstawienia dzieci Von Trappów i Marii przypomina scenę marszu syjamskich dzieci. „Shall We Dance” przypomina walca na balu weteranów u Von Trappów. „Climb Every Mountain” przypomina „A Man Who Needs Your Love”. „The Lonely Goatherd” przypomina „Uncle Tom's Cabin”. „My Favorite Things” przypomina „Whistle a Happy Tune”, a „Do-Re-Mi” jest bardzo podobne do „Getting to Know You”. Nieprzypadkowo Yul Brynner był brany pod uwagę do roli kapitana Von Trappa na wczesnym etapie castingu do tego filmu. Marni Nixon wystąpiła zresztą w obu filmach. Dubbingowała Deborah Kerr w „Królu i ja” (1956), a w tym filmie zagrała zakonnicę. Krytycy uwielbiali „Króla i ja”, a wobec „Dźwięków muzyki” byli letni; ironicznie jednak to „Dźwięki muzyki” zdobyły Oscara dla najlepszego filmu, a „Król i ja” nie.
Tytuły tego filmu w innych krajach tłumaczą się na angielski jako „Smiles and Tears” (Hiszpania), „The Melody of Happiness” (Francja) i „The Rebellious Novice” (Argentyna i Brazylia). W Chorwacji film znany jest pod tym samym tytułem co w Austrii i Niemczech — „Moje pjesme, moji snovi” („Moja pieśń — mój sen”).
Prawdziwa Maria Von Trapp twierdziła, że film złagodził jej zachowanie podczas pobytu w opactwie Nonnberg. Zapytana w wywiadzie, czy naprawdę była taka zła, zażartowała: „Byłam gorsza”.
Często porównuje się go do „Króla i ja”, innego ikonicznego musicalu Rodgersa i Hammersteina z lat 50., opartego na prawdziwej historii i opowiadającego o energicznej guwernantce, która mierzy się z porywczym watażką w obcym kraju: o tym, jak uczy jego dzieci i staje się dla nich matką, jak swoim uporem go łamie i jak w końcu się w sobie zakochują. Równie często porównuje się go do Mary Poppins (1964), innej europejskiej baśni o niani, która wnosi szczęście i magię do życia dzieci w historii — oba to musicale filmowe z połowy lat 60. z Julie Andrews w roli głównej.
Książka, w którą Brigitta jest wciągnięta, gdy spóźnia się na apel, to „John Dale” — powieść przygodowa osadzona na Alasce, autorstwa duńskiego badacza Arktyki Ejnara Mikkelsena.
William Wyler chciał, żeby Marię von Trapp zagrała Audrey Hepburn.
W 1962 roku Dame Julie Andrews i Carol Burnett wystąpiły w specjalnym programie „Julie and Carol at Carnegie Hall” (1962), a „Dźwięki muzyki” grano wtedy jeszcze na Broadwayu. W jednym ze skeczy tego programu Julie i Carol sparodiowały „Dźwięki muzyki” w podobny sposób, w jaki Burnett później parodiowała filmy w swoim własnym programie rozrywkowym „The Carol Burnett Show” (1967). Andrews nie miała wtedy pojęcia, że później zagra w filmowej wersji.
Zaraz po rozmowie z Marią baronowa jest na przyjęciu i rozmawia z Maxem. Utwór, który gra orkiestra, to piosenka z wersji scenicznej niewykorzystana w filmie, zatytułowana „How Can Love Survive”. Śpiewali ją baronowa i Max. Jednak tempo i rytm utworu zmieniono dość radykalnie, gdy zabrzmiał jako muzyka orkiestrowa na przyjęciu w tym filmie, dlatego melodia nie jest od razu rozpoznawalna. Melodię pozbawiono dramatycznej intensywności i nerwowości, które charakteryzowały ją w wersji scenicznej, i sprawiono, że brzmi jak ckliwy walc.
Kino w Salt Lake City w stanie Utah odnotowało 509 516 sprzedanych biletów do października 1966 roku, choć miasto liczyło wtedy 190 000 mieszkańców. Kilka innych miast, w tym Syracuse w Nowym Jorku, Orlando na Florydzie i Cedar Rapids w Iowa, również otrzymało od 20th Century Fox „Outstanding Achievement Awards” za rekordy frekwencji w kinach przewyższające liczbę mieszkańców.
„Edelweiss”, którą kapitan von Trapp śpiewa swoim dzieciom, a potem ponownie na Festiwalu Muzycznym w Salzburgu, napisali Richard Rodgers i Oscar Hammerstein II w Nowym Jorku tuż przed premierą sztuki na Broadwayu. Theodore Bikel po raz pierwszy zaśpiewał tę piosenkę w roli kapitana w 1959 roku. Bikel wspominał później, że po jednym ze spektakli podeszła do niego kobieta, mówiąc, jak bardzo kocha tę piosenkę, ale zna ją tylko „w oryginale po niemiecku”. Piosenka nie istniała, dopóki nie napisali jej Rodgers i Hammerstein.
William Wyler miał reżyserować i wykonał już część prac przygotowawczych, ale historia go nie porwała i odszedł, by reżyserować „The Collector”; zastąpił go Robert Wise, który odpowiadał za obsadzenie Julie Andrews — znał ją z pracy scenicznej, ale miał wątpliwości, bo była nieznana na ekranie, dopóki Walt Disney nie pokazał mu fragmentów zgrubnej wersji „Mary Poppins”.
Do ciągnięcia ciężkiego samochodu na dwóch linach zatrudniono 6 krzepkich Austriaków, podczas gdy aktorzy i aktorki pchali go od tyłu w scenie ucieczki Von Trappów z domu w Salzburgu.
GRZMOT — GŁOŚNY KLASK GRZMOTU I DUDNIENIE, POGODA 02: Słyszalne w całej scenie drugiego spotkania Marii i Frau Schmidt w pokoju Marii, w momentach przed i w trakcie „My Favorite Things”, a także tuż po spotkaniu kapitana i Marii, zanim wyjeżdża do Wiednia.
Wysokie dźwięki Charmian Carr dubbingowała jej siostra Darleen.
Mary Martin była żoną Richarda Hallidaya, producenta oryginalnego broadwayowskiego przedstawienia. Martin, która jako pierwsza zagrała rolę Marii na Broadwayu, otrzymała ostatecznie blisko 8 milionów dolarów z tantiem od tego filmu. Dla porównania Dame Julie Andrews zarobiła za swoją rolę zaledwie 225 000 dolarów.
Robert Wise był tak zajęty produkcją „Ziarnka piasku” (1966) w Hongkongu w Chinach, że nie mógł wziąć udziału w 38. ceremonii wręczenia Oscarów, na której ten film był nominowany w 10 kategoriach, w tym za najlepszy film. Film zdobył 5 Oscarów, w tym za najlepszy film i reżyserię. Dame Julie Andrews odebrała Oscara za reżyserię w imieniu Wise'a, a producent stowarzyszony Saul Chaplin odebrał jego Oscara za najlepszy film. Gdy ekipa „Ziarnka piasku” (1966) usłyszała ogłoszenie zwycięstwa tego filmu na gali Oscarów, przerwała na chwilę zdjęcia, by urządzić Wise'owi świętowanie.
Piosenka „Edelweiss” została napisana do musicalu i jest w Austrii mało znana. Był to ostatni utwór, jaki Oscar Hammerstein II napisał przed swoją śmiercią 23 sierpnia 1960 roku.
Z filmu wypadły trzy piosenki z oryginalnego musicalu: „How Can Love Survive” i „No Way to Stop It”, które scenarzysta Ernest Lehman uznał za zbędne, oraz „An Ordinary Couple”, zastąpiona przez „Something Good”. Lehman uważał, że widzowie polubią baronową, jeśli ta będzie śpiewać, dlatego jej piosenki („How Can Love Survive” i „No Way to Stop It”) zostały wycięte, choć wcale nie muszą wzbudzać sympatii. „How Can Love Survive” to duet Elsy i Maxa, w którym oboje zastanawiają się, jak bogaci są baronowa i kapitan i jak trudno utrzymać romans przy takim dostatku. „No Way to Stop It” to tercet, w którym Elsa i Max próbują przekonać kapitana, by nie sprzeciwiał się nazistom, tylko żył dalej jak dotąd.
To czwarta ekranizacja musicalu Richarda Rodgersa i Oscara Hammersteina II w wytwórni 20th Century Fox, po „Carousel” (1956), „Królu i ja” (1956) i „Południowym Pacyfiku” (1958).
Co roku w Hollywood Bowl w Los Angeles w Kalifornii odbywa się wspólne śpiewanie przy „Dźwiękach muzyki”, podczas którego pod ekranem wyświetlane są teksty piosenek. Aktorzy, którzy zagrali dzieci von Trappów, oraz prawdziwe dzieci von Trappów często pojawiają się na tym zawsze wyprzedanym wydarzeniu.
Christopher Plummer przyznał, że podczas zdjęć uważał Dame Julie Andrews za nieznośną i irytującą, a przy ekipie nazywał ją „panną Disney”. Później przyznał, że jego odczucia były niedojrzałe, a Andrews to świetna aktorka, która zachowywała się jak prawdziwa profesjonalistka. Oboje się przyjaźnili.
Przy tym filmie pracowało kilka osób zaangażowanych wcześniej w „West Side Story” (1961): producent i reżyser Robert Wise, scenarzysta Ernest Lehman, producent stowarzyszony Saul Chaplin, piosenkarka i aktorka Marni Nixon, adaptator muzyki i dyrygent Irwin Kostal oraz scenograf Boris Leven.
Do roli Maxa brano pod uwagę Freda Astaire’a.
W filmie rodzina przenosi się do Szwajcarii. W rzeczywistości najpierw na krótko wyjechała do Włoch, a dopiero potem osiedliła się w Stanach Zjednoczonych.
Po uwzględnieniu inflacji to wciąż jeden z najpopularniejszych filmów wszech czasów, tuż za „Przeminęło z wiatrem” (1939). Ta tęskna, gorzko-słodka opowieść o upadku Austrii przed II wojną światową, czułe i smutne wspomnienie utraconego starego świata i jego ostatnich złotych dni, które uległy wojnie i zostały przez nią zniszczone, przypomina obraz Atlanty sprzed wojny secesyjnej w „Przeminęło z wiatrem” (1939) Margaret Mitchell.
Robert Wise zobaczył Christophera Plummera na Broadwayu i chciał go do tej roli, ale Plummer kilkakrotnie odmawiał. Wise poleciał do Londynu na spotkanie z Plummerem i wyjaśnił mu swoją koncepcję filmu. Plummer zgodził się, gdy zapewniono go, że będzie mógł popracować z Ernestem Lehmanem nad postacią. Później opisywał siebie z tamtych czasów jako dość aroganckiego, „rozpieszczonego zbyt wieloma świetnymi rolami teatralnymi”.
Po ucieczce von Trappów z Austrii ich dom przejął Heinrich Himmler, jedna z kluczowych postaci partii nazistowskiej. Adolf Hitler osobiście odwiedzał tam Himmlera kilka razy.
Robert Wise bardzo się starał, by jedną z kultowych piosenek filmu, „Climb Every Mountain”, zagrać zupełnie inaczej niż w przedstawieniu. W teatrze Matka Przełożona wychodzi na środek sceny i wyśpiewuje numer na cały głos. W londyńskiej inscenizacji, którą zobaczył Wise, takie potraktowanie uznał za żenujące i postanowił stworzyć wersję bardziej nośną i cichszą. Dlatego przez cały występ Peggy Wood była niemal pokazana tylko jako sylwetka.
Początkowo reżyserią miał się zająć Henry Koster.
Ostatni kinowy film Peggy Wood (Matki Przełożonej).
Christopher Plummer z czasem złagodził swoją krytykę filmu, mówiąc, że zaczął szanować jego miejsce w historii i ogromną sympatię widzów. Utrzymywał jednak, że jako film niezbyt go ceni, a rola kapitana von Trappa była najtrudniejsza w jego karierze z powodu niechęci do sentymentalizmu i pracy z dziećmi. Był też bardzo sfrustrowany zaszufladkowaniem go w kolejnych latach jako postaci w typie von Trappa i mocno walczył o odzyskanie statusu aktora charakterystycznego.
Początkowo film miał reżyserować William Wyler, który szukał nawet plenerów i dłubał przy scenariuszu. Miał na myśli inny film, na przykład czołgi rozwalające mury i tak dalej.
Po raz pierwszy pokazano go w USA w stacjach telewizyjnych ABC w niedzielę 29 lutego 1976 roku, by zmierzyć oglądalność, w pięćdziesięciu stanach Ameryki Północnej, Kanadzie i niemal całej reszcie kontynentu.
Robert Wise trzykrotnie odmówił reżyserii tego filmu, zanim się zgodził.
W 2007 roku Amerykański Instytut Filmowy umieścił go na czterdziestym miejscu listy największych filmów wszech czasów.
Wysoką nutę Duane’a Chase’a (Kurta) w numerze „So Long, Farewell” zaśpiewała w rzeczywistości Darleen Carr (młodsza siostra Charmian Carr), bo była poza skalą Chase’a.
Samochód kapitana von Trappa to Mercedes-Benz W142, produkowany w latach 1936–1942.
Dzieci nie musiały grać strachu przed postacią Christophera Plummera. Naprawdę się go bały! Plummer nie tylko nie lubił filmu, ale też nie lubił dzieci. Kiedy powiedziano mu, że w scenie ucieczki pod koniec filmu musi przenieść postać Gretl przez górę, miał powiedzieć: „Nie będę niósł tego tłustego bachora!”. Robert Wise zatrudnił więc chudszą dziewczynkę jako dublerkę i to ją widać, gdy Plummer ją niesie.
O rolę Liesl ubiegały się Teri Garr, Liza Minnelli, Patty Duke, Mia Farrow, Kim Darby, Lesley Ann Warren, Tisha Sterling i Sharon Tate. Z tej grupy za piosenkarki i aktorki uchodziłyby na ogół tylko Minnelli i Warren. Warren dostała przełomową rolę w „Kopciuszku” (1965), oryginalnym telewizyjnym musicalu Rodgersa i Hammersteina, którego pierwsza wersja, „Kopciuszek” (1957), przyniosła Dame Julie Andrews jej przełomową rolę ekranową. Warren zagrała potem u boku Andrews w „Victor/Victoria” (1982).
Spyros P. Skouras i zarząd Twentieth Century Fox nie zamierzali zatwierdzić tego filmu. Gdy usłyszeli, że Swifty Lazar oferuje wytwórni 250 000 dolarów zysku za prawa, zmienili zdanie i zgodzili się wpisać film do planu nadchodzących projektów. Kiedy Darryl F. Zanuck odebrał wytwórnię Skourasowi, przyjrzał się pomysłowi ekranizacji musicalu. On i jego syn Richard D. Zanuck zatrudnili wtedy Ernesta Lehmana do napisania scenariusza. Oczarowani scenariuszem Lehmana, obaj Zanuckowie od razu dostrzegli w tym filmie prawdziwy potencjał, jakiego nigdy nie widzieli w oryginalnym musicalu. Projekt dostał zielone światło na produkcję.
Libreciści Howard Lindsay i Russel Crouse chcieli początkowo wykorzystać piosenki, które naprawdę śpiewała rodzina von Trappów. Mary Martin, która miała wystąpić w przedstawieniu, poprosiła jednak Richarda Rodgersa i Oscara Hammersteina II o napisanie piosenki dla jej postaci. W obawie, że ich utwór nie będzie dobrze współgrał z muzyką ludową, Rodgers i Hammerstein zaproponowali napisanie całkiem nowej partytury, czyli muzyki, którą znamy dziś.
Zdjęcia plenerowe w Salzburgu trwały trzy miesiące.
15 września 1965 roku Angela Cartwright grała Penny Robinson w serialu „Lost in Space” (1965).
Pierwszą nakręconą sceną była ta w sypialni Marii, gdy Frau Schmidt przynosi materiał na sukienkę, a później Liesl wkrada się przez okno. Jedną z ostatnich sfilmowanych scen był numer „You are Sixteen”, który w filmie pojawia się tuż przed sceną w pokoju Marii. Obie sceny nakręcono w odstępie około czterech miesięcy.
Ludzie mieli wywieszać swastykę w oknach (czego kapitan Von Trapp odmówił), a każdego, kto tego nie robił, oskarżano o wrogość wobec Hitlera. Kazał zabierać osoby podejrzewane o komunizm lub wrogość.
Debiut Heather Menzies-Urich. Także debiut Portii Nelson.
Maria Von Trapp była jedną z Von Trapp Singers. Była pasierbicą Marii Von Trapp senior, na której pamiętniku oparto Dźwięki muzyki, i córką kapitana Georga Von Trappa, patriarchy rodziny. To ona zachorowała na szkarlatynę, a wtedy Maria senior została wysłana przez klasztor Nonnberg w Salzburgu, by ją uczyć w tym okresie — i tak Maria senior poznała Georga i całą resztę rodziny Von Trappów. (Marię senior wysłano, by uczyła Marię junior. Nie wysłano jej, by była guwernantką rodziny, jak pokazano w tym filmie). Maria junior była także ostatnią żyjącą członkinią oryginalnych Von Trapp Singers i zmarła 18 lutego 2014 roku.
Baronowa Elsa Schraeder, z którą kapitan Von Trapp planuje się ożenić, została oparta na księżniczce Yvonne z książki Marii Von Trapp. Podobnie jak baronowa w tym filmie, księżniczka Yvonne planowała odesłać dzieci Von Trappów do szkoły z internatem po ślubie z kapitanem.
Gdy film po raz pierwszy ukazał się na kasetach wideo, utrzymywał się na listach sprzedaży przez ponad 250 tygodni, czyli prawie pięć lat.
Peggy Wood (matka przełożona) nie tylko miała trudności wokalne z partią „Climb Every Mountain” (którą trzeba było zdubbingować), ale jeszcze większy problem sprawiało jej dopasowanie ruchu warg do wcześniej nagranej ścieżki. Wstęp jest długi, a gdy wokal się zaczyna, Peggy nie potrafiła idealnie zsynchronizować ust. W dalszej części piosenki szło jej dobrze, ale precyzyjne trafienie w pierwsze słowo było trudne i ciągle się myliło. Po kilku ujęciach, widząc, jak ją to męczy, producent i reżyser Robert Wise kazał jej odwrócić się od kamery, tak by nie było widać jej twarzy i ust. Wokal zaczynał się, gdy była odwrócona, więc mogła zsynchronizować ruch warg poza kadrem. A gdy odwróciła się w stronę kamery, była idealnie zsynchronizowana. W istocie cały efekt jej patrzenia przez okno, jakby obcowała z wyższą istotą, wyszedł nawet lepiej niż pierwotna inscenizacja i dodał piosence i scenie mistycznego nastroju.
Ländler, którego zatańczyli Maria i kapitan, nie został wykonany w tradycyjny sposób, w jaki tańczy się go w Austrii.
Kym Karath (Gretl) nie umiała pływać, więc pierwotny pomysł zakładał, że Dame Julie Andrews złapie ją, gdy łódź się przechyli i wszyscy wpadną do wody. Jednak przy drugim ujęciu łódź przechyliła się tak, że Andrews wpadła na jedną stronę, a Karath na drugą. Musiała ją uratować Heather Menzies (Louisa). Andrews przyznała, że przez lata czuła z tego powodu winę.
Obok Biblii (1966) to jeden z nielicznych filmów Twentieth Century Fox, w których przy pojawieniu się logo wytwórni na ekranie nie słychać żadnej muzyki.
Jeden z ulubionych filmów papieża Leona XIV.
Śpiew Christophera Plummera został zdubbingowany przez Billa Lee z grupy wokalnej The Mellomen.
Pauline Kael zmiażdżyła ten film. Zasłynęła stwierdzeniem, że to „oblane lukrem kłamstwo, które ludzie najwyraźniej chcą jeść”. Co gorsza, dodaje: „Staliśmy się emocjonalnymi i estetycznymi imbecylami, gdy słyszymy, jak sami nucimy te ckliwe, grzeczniutkie piosenki”. Podobno zwolniono ją za napisanie tej recenzji.
Zaledwie rok wcześniej Dame Julie Andrews odrzucono w castingu do głównej roli w My Fair Lady (1964), mimo że stworzyła tę postać na scenie. Producent Jack L. Warner chciał twarzy bardziej znanej widzom filmowym. W tym filmie, który wszedł do produkcji jeszcze przed premierą Mary Poppins (1964), Andrews dostała rolę zamiast Mary Martin, która stworzyła ją na scenie. Jej następczyni w tamtej roli, Audrey Hepburn, i jej partner z tego filmu, Christopher Plummer, mają z nią jeszcze inny związek: Hepburn wystąpiła w Śniadaniu u Tiffany'ego (1961), a Plummer w Powrocie Różowej Pantery (1975) — oba filmy wyreżyserował mąż Andrews, Blake Edwards.
Początkowo brano pod uwagę Jeanette MacDonald do roli matki przełożonej i była zainteresowana, ale ostatecznie uniemożliwił jej to coraz gorszy stan zdrowia. Zmarła miesiąc przed premierą tego filmu. Gdyby mogła przyjąć rolę, byłby to jej pierwszy film od szesnastu lat.
W rzeczywistości druga córka Georga Von Trappa miała na imię Maria. Była ostatnią żyjącą członkinią jego najbliższej rodziny; zmarła 18 lutego 2014 roku w wieku 99 lat.
Jako producent i reżyser Robert Wise zdobył dwa Oscary, ale nie mógł odebrać statuetek, ponieważ kręcił w Hongkongu Ziarnka piasku (1966).
Jeden z trzech filmów, które w 1977 roku jako pierwsze ukazały się na kasecie VHS — obok Pattona (1970) i M*A*S*H (1970).
Wśród innych aktorek branych pod uwagę do roli Marii były Shirley Jones, Anne Bancroft i Leslie Caron.
Prawdziwa Maria nie nazywała się Maria Rainer, jak w tym filmie, tylko Maria Augusta Kutschera. Można ją zobaczyć w tle na ulicach Salzburga w numerze „I Have Confidence”, gdy Julie Andrews maszeruje do pałacu Von Trappów.
Gdy kapitan Von Trapp (Christopher Plummer) wita w korytarzu na przyjęciu pana Zellera (Ben Wright), ten patrzy z pogardą na austriacką flagę wiszącą na balkonie. Potem rozmawia z innym gościem w okularach, najwyraźniej sympatykiem nazistów, i mówi mu, że kapitan Von Trapp jest jedynym w okolicy, kto nie wywiesza flagi Trzeciej Rzeszy. Być może to zbieg okoliczności, ale mężczyzna w okularach uderzająco przypomina doktora Arthura Seyss-Inquarta, austriackiego Judasza, który pomógł zdradzić swój kraj nazistom i siedem lat później został powieszony w Norymberdze.
Zegar na wieży klasztoru wybija siódmą zaraz po tym, jak siostry kończą chóralny Morning Hymn. Oznacza to, że jest 6:58 na początku chóru sióstr (po zakończeniu uwertury) i 7:05, gdy siostry kończą śpiewać „Maria”, bo pomiędzy nie ma żadnych przeskoków czasowych ani wyciętych scen.
Piosenka „My Favorite Things” znalazła się na opublikowanej w 2004 roku liście 100 największych amerykańskich utworów filmowych American Film Institute.
Ten film można uznać za początek nurtu zwanego „nunsploitation” — filmów powstających głównie w Europie w latach 1960. i 70., najczęściej o zakonnicach w klasztorze przechodzących kryzys wiary. Przykładem nunsploitation jest komedia romantyczna Change of Habit (1969) z Elvisem Presleyem i Mary Tyler Moore; podobnie western Muły siostry Sary (1970) z Shirley MacLaine i Clintem Eastwoodem, Nasty Habits (1977), Uciekające zakonnice (1990) oraz trylogia „Sister Act”.
W tle pikniku na górskim pastwisku, gdy Maria i dzieci zaczynają śpiewać „Do Re Mi”, można dostrzec na szczycie wzgórza zamek. Ten zamek odegrał większą rolę w thrillerze z Richardem Burtonem i Clintem Eastwoodem Orzeł wylądował (1968).
Friedrich miał być blondynem, ale Nicholas Hammond był brunetem, więc Robert Wise kazał młodemu aktorowi rozjaśnić włosy. Zabieg był dla Hammonda bardzo męczący i w jego trakcie włosy zaczęły mu wypadać płatami. Na głowie zostały mu tu i ówdzie łyse miejsca, dlatego przez większość numeru „Do-Re-Mi” nosi tyrolski kapelusz.
Christopher Plummer, Eleanor Parker, Anna Lee i reżyser Robert Wise zmarli wszyscy w wieku 91 lat.
„Sixteen Going On Seventeen” nakręcono w altanie, jako jedną z ostatnich scen. Przy pierwszym ujęciu Charmian Carr (Liesl) poślizgnęła się, przeskakując przez ławkę, i wpadła przez szybę. Choć nie odniosła poważnych obrażeń, uszkodziła kostkę, więc scenę nakręcono później z zabandażowaną nogą i makijażem zakrywającym bandaże.
Ulubiony film Setha MacFarlane’a. Często parodiuje go w swoim serialu Głowa rodziny (1999).
Początkowo Kym Karath miała być na końcu niesiona przez Christophera Plummera przez Alpy. Ale Kym przybrała na wadze więcej, niż przewidywano, dzięki austriackiej kuchni w trakcie produkcji, i pod koniec zdjęć stało się to niemożliwe.
Keith Michell był poważnym kandydatem do roli kapitana Von Trappa, ale producent i reżyser Robert Wise czekał na innego aktora, bardziej znanego z pracy w teatrze – Christophera Plummera.
Zamek Hohenerfen w Wefen w Austrii, widoczny w filmie, wykorzystano także w „Orle wylądował”.
Liesl, Friedrich, Louisa, Kurt, Brigitta, Marta i Gretl nie były prawdziwymi imionami dzieci von Trappów. Prawdziwe imiona dzieci (od najstarszego do najmłodszego) to Rupert, Agathe, Maria, Werner, Hedwig, Johanna i Martina.
Choć partie wokalne Christophera Plummera nagrano, później zdecydowano, że zostanie zdubbingowany.
Kym Karath (Gretl) połknęła za dużo wody, wypadając z łodzi wiosłowej, i zwymiotowała na Heather Menzies (Louisa).
Choć w filmie kapitan Von Trapp i Max są przedstawieni jako rówieśnicy, Christopher Plummer był o 24 lata młodszy od Richarda Haydna.
Film ten dzierży rekord najdłuższego pobytu na 1. miejscu box office'u: 41 tygodni, od 1965 do 1966 roku.
Podczas kręcenia otwierającego ujęcia Marii z helikoptera Julie Andrews wspomina, że choć próbowała wbijać obcasy w ziemię i zapierać się, przy każdym ujęciu przewracał ją potężny podmuch od śmigieł. Po ponad tuzinie ujęć próbowała dać Robertowi Wise’owi znak ręką, żeby helikopter przeleciał szerzej, ale w odpowiedzi dostała „kciuk w górę”. Reżyser był w końcu zadowolony z ujęcia.
Julie Andrews musiała specjalnie na potrzeby tego filmu nauczyć się grać na gitarze.
Po obejrzeniu Die Trapp-Familie (1956), zachodnioniemieckiego filmu o rodzinie Von Trappów, oraz The Trapp Family in America (1958) reżyser teatralny Vincent J. Donehue uznał, że projekt będzie idealny dla jego przyjaciółki Mary Martin; broadwayowscy producenci Leland Hayward i Richard Halliday (mąż Martin) się zgodzili. Producenci początkowo wyobrażali sobie niemusicalową sztukę napisaną przez Lindsay i Crouse’a, z piosenkami z repertuaru Trapp Family Singers. Potem postanowili dodać jedną czy dwie oryginalne piosenki, być może Rodgersa i Hammersteina. Wkrótce jednak zgodzono się, że projekt powinien zawierać same nowe piosenki i być musicalem, a nie sztuką. Zwrócili się do Rodgersa i Hammersteina i reszta jest historią. „Dźwięki muzyki” były zdecydowanie dzieckiem Mary Martin. Nie obsadzono jej w filmie, bo gdy Robert Wise zaczął casting w 1964 roku, miała 47 lat – za dużo, by zagrać tę rolę. Nie była też magnesem dla publiczności.
Wnętrze holu willi Von Trappów (ze słynnymi rozdzielonymi schodami) wykorzystano ponownie w filmie Doris Day Do Not Disturb (1965). Dekorację przebudowano na salę balową hotelu, która pojawia się w późniejszej części filmu z Doris Day.
Największym wyzwaniem Christophera Plummera przy tym filmie było po prostu w nim zagrać i oprzeć się pokusie sparodiowania go. Robert Wise trzymał go w ryzach, każąc mu grać prosto, bez podtekstów.
Podczas konkursu muzycznego na końcu filmu Fraulein Schweiger, zdobywczyni trzeciego miejsca, ukłoniła się szesnaście razy.
Julie Andrews miała kręcić „Dźwięki muzyki” z włosami przynajmniej dość długimi i w swoim naturalnym brązowym kolorze. Jednak próba zrobienia złotych refleksów zostawiła ją z „jaskrawopomarańczową szmatą” na głowie, a ratujący sytuację „postrzyżyn ratunkowych” efekt to rudawo-blond pixie cut, w którym Andrews występuje w filmie. Po „Dźwiękach muzyki” krótkie włosy stały się znakiem rozpoznawczym Julie Andrews.
Mówiąc na zjeździe rodziny Von Trappów w 2010 roku w The Oprah Winfrey Show (1986), Kym Karath (Gretl) wspominała, że niemal utonęła przy drugim ujęciu sceny z wywracającą się łódką: „Poszłam pod wodę, nałykałam się jej, a potem zwymiotowałam na Heather (Menzies-Urich)” – powiedziała.
Robert Wise był pierwszym kandydatem na reżysera tego filmu, ale odmówił, uznając go za zbyt ckliwy. Darryl F. Zanuck i jego syn Richard D. Zanuck zwrócili się wtedy do Stanleya Donena, Vincenta Donahue’a, Gene’a Kelly’ego i George’a Roya Hilla, którzy wszyscy odmówili.
Po tym, jak kilku reżyserów odrzuciło ten film, William Wyler w końcu zgodził się go zrobić. Wyler cierpiał wtedy na utratę słuchu i był bardzo sceptyczny wobec kręcenia filmu o muzyce, uważając, że nie jest właściwym człowiekiem do tego zadania. Nieco się uspokoił po obejrzeniu broadwayowskiej inscenizacji.
Robert Wise nalegał na obsadzenie Eleanor Parker, którą uważał za prawdziwą gwiazdę filmową — Wise wyreżyserował Three Secrets (1950), film, w którym Parker zagrała, gdy jej kariera zbliżała się do szczytu. W rzeczywistości w połowie lat 1960. Parker miała już niewiele dawnej gwiazdorskiej pozycji, o czym świadczyły bezskuteczne naciski jej agenta na 20th Century Fox o „godziwszą dla gwiazdy” gażę. Fox zgodził się jednak na zapis w napisach początkowych „Dźwięków muzyki”: „Miss Parker... otrzymuje osobne miejsce na planszy jako ostatnia w całej obsadzie [i] imię żadnego innego aktora... nie jest wyświetlane większą ani bardziej eksponowaną czcionką, z wyjątkiem Dame Julie Andrews i/lub Christophera Plummera”.
Pauline Kael słynnie zmiażdżyła ten film. Zmiażdżyła też West Side Story (1961) Roberta Wise’a. Recenzja Pauline Kael była druzgocąca: film to „szalona chałtura”, dialogi są „bolesnie staroświeckie i ckliwe”, taniec to „słodki, mdły romantyczny balet”, a „wytoczona maszynowo” Natalie Wood jest „tak doskonale banalna, że niweczy wszelkie myśli o miłości”.
W 2001 roku Biblioteka Kongresu Stanów Zjednoczonych wybrała ten film do zachowania w Narodowym Rejestrze Filmowym.
W sierpniu 1966 roku „Dźwięki muzyki” wyprzedziły Przeminęło z wiatrem (1939) jako największy hit box office’u wszech czasów. Choć Przeminęło z wiatrem odniosło bez wątpienia sukces już przy premierze, jego całkowity wynik box office’u był sumą z 26 lat, którą „Dźwięki muzyki” pobiły w 18 miesięcy, mimo że dotarły tylko na niewielki odsetek ekranów, na których miały się pojawić na całym świecie.
Charmian Carr zaśpiewała „Sixteen Going on Seventeen” w tym filmie, mając prawie 22 lata. Co więcej, choć Liesl i Rolf śpiewają o tym, że ona ma 16, a on 17 lat, Daniel Truhitte (Rolf) jest o 10 miesięcy młodszy od Charmian Carr.
Julie Andrews była pierwszym wyborem scenarzysty Ernesta Lehmana. Ale Twentieth Century Fox było mniej entuzjastycznie nastawione i sugerowało Doris Day, Leslie Caron, Grace Kelly i Anne Bancroft jako partnerki Binga Crosby’ego.
Film jest pośrednio powiązany z Kabaretem (1972), bo oba to ikoniczne musicale oparte na prawdziwej historii Anschlussu w latach 1930. Oba opierają się też na prawdziwych ludziach i prawdziwych historiach: Maria von Trapp, Georg von Trapp i dzieci von Trappów to autentyczne osoby, podobnie jak Christopher Isherwood i Sally Bowles.
To formalnie remake filmu Die Trapp-Familie (1956), zachodnioniemieckiego komediodramatu w reżyserii Wolfganga Liebeneinera.
Początkowo reżyserią miał się zająć William Wyler i zaczął już casting. To on zaangażował Julie Andrews, a nie Robert Wise. Wyler ostatecznie wycofał się z projektu, bo czuł, że nie angażuje się w niego całym sercem. Wise podjął pracę tam, gdzie Wyler ją przerwał.
Choć w Austrii film jest praktycznie nieznany, dzięki międzynarodowej popularności można zwiedzać miejsca, gdzie kręcono zdjęcia, w ramach specjalnej wycieczki. Co więcej, w wielu hotelach w Salzburgu film leci bez przerwy w telewizji dla turystów.
Gdy Maria wraca do klasztoru, pokazana jest dziewczyna pragnąca zostać zakonnicą, ubrana w zieloną sukienkę. Kiedy Maria wraca do domu Von Trappów, ma na sobie tę samą sukienkę.
Kostium, który Duane Chase (Kurt) ma na sobie na przyjęciu, nazywa się „Tracht” i jest autentycznym strojem austriackim. Marynarka, którą nosi, to „Loden”.
Charmian Carr, która grała Liesl i miała wtedy 22 lata, napisała w swojej autobiografii, że pociągał ją 35-letni Christopher Plummer, grający jej ojca. Plummer przyznał, że uczucie było odwzajemnione, ale zapewnia, że nie wyszło poza zwykły flirt.
Christopher Plummer nie przepadał za piosenką „Edelweiss”, którą uważał za banalną, i napisał list do scenarzysty Ernesta Lehmana z propozycją, by napisać nową piosenkę na jej miejsce, ale spotkał się z odmową.
To jedyna rola Peggy Wood nominowana do Oscara.
Christopherowi Plummerowi i Julie Andrews zaproponowano główne role w „Dźwiękach muzyki” (odpowiednio kapitana Von Trappa i Marię). Oboje odmówili, twierdząc, że w widowisku jest „za dużo cukru”. Andrews wystąpiła nawet w specjalnym programie telewizyjnym z Carol Burnett, Julie and Carol at Carnegie Hall (1962), gdzie sparodiowali „Dźwięki muzyki” w skeczu „The Pratt Singers”. Christopher Plummer regularnie kpił z tego filmu za kulisami, nazywając go „S and M” i „The Sound of Mucus”. Mimo tego oporu producent i reżyser Robert Wise przekonał ich oboje. Ich wkład sprawił, że film stał się znacznie bardziej realistyczny. Kapitan przestał być stereotypem, a Andrews pracowała z Wise’em, by całe widowisko było mniej sztuczne i ckliwe, i starała się nadać Marii bardziej realne wymiary. (Powiedziała nawet kiedyś Wise’owi i producentom: „Jak wyciągniemy z tego cukier?”). Efekt był taki, że film bardzo różni się od broadwayowskiego przedstawienia z 1959 roku z Mary Martin. Krytycy i tak zjechali film za „cukierkowość i fałsz”. (Robert Wise zastanawiał się nawet w środku tego wszystkiego: „Co zrobiliśmy źle?”). Ale ich zmiany są powszechnie uważane za ogromną poprawę. Film uchodzi za lepszy od broadwayowskiego pierwowzoru, a oni pomogli uczynić go jednym z najbardziej kasowych filmów wszech czasów. Jeśli uwzględnić inflację i ceny biletów z 1965 roku w porównaniu z dzisiejszymi, to wciąż jeden z najbardziej dochodowych filmów w historii pod względem box office (ustępuje tylko Przeminęło z wiatrem (1939)) i nadal największy hit wśród musicali filmowych. Zdobył nawet Oscara dla najlepszego filmu mimo krytyki. Andrews i Plummerowi udało się więc uczynić go mniej słodkim i bardziej przystępnym dla mas. Jak na ironię, tak jak Andrews i Plummer odrzucili role, bo były zbyt ckliwe, tak Robert Wise odrzucił posadę reżysera, gdy mu ją zaproponowano, bo uznał historię za zbyt ckliwą — podobnie zresztą zrobili inni hollywoodzcy reżyserzy z najwyższej półki, jak Gene Kelly i Stanley Donen, z tego samego powodu. Do Wise’a trzeba było zwracać się kilka razy. Wygląda na to, że nikt nie chciał robić tego filmu, bo wszyscy uważali go za zbyt ckliwy. To ironia losu, bo okazał się jednym z najbardziej kasowych filmów w historii.
Film mocno wyolbrzymia sprzeciw kapitana von Trappa wobec przyłączenia Austrii do Niemiec. Rozważał on nawet przyjęcie stopnia oficerskiego w Kriegsmarine.
W latach 1960., gdy powstawał ten film, kosmos i science fiction były u szczytu popularności. Większość obsady, jadąc na tej fali, po tym wielkim musicalu zagrała w jakimś przedsięwzięciu science fiction. Angela Cartwright, Heather Menzies i Nicholas Hammond po zakończeniu zdjęć dostali stałe role w serialach science fiction. Angela przez trzy lata grała Penny Robinson w kultowym Lost in Space (1965). Jej ekranowa siostra z tego filmu, Kym Karath, wystąpiła gościnnie w Lost in Space (1965) jako kosmiczna księżniczka w pierwszym sezonie, odcinku 27, „Lost Civilization”. Heather Menzies zagrała Jessicę 6 w Logan's Run (1977), przejmując rolę filmową, którą odtwarzała Jenny Agutter, „córka” Julie Andrews ze „Star!”; odcinek serialu Logan's Run „The Collectors” ponownie połączył Menzies i Angelę Cartwright. Największą rolą Nicholasa Hammonda po tym filmie był Peter Parker/Spider-Man w hitowym serialu CBS The Amazing Spider-Man (1977) i to z niej jest chyba najbardziej znany. Christopher Plummer po zakończeniu zdjęć wystąpił też w dwóch filmach science fiction: zagrał w Starcrash (1978) oraz generała Changa w Star Trek VI: The Undiscovered Country (1991). Eleanor Parker, która zagrała w tym filmie baronową, miała stałą rolę Margitty Kingsley w serialu szpiegowskim science fiction The Man from U.N.C.L.E. (1964). Julie Andrews po tym filmie zaliczyła kilka występów w science fiction: pojawiła się w Aquaman (2018), w serii Despicable Me, w serii Shrek, w Zaczarowanej (2007) i w Tooth Fairy (2010).
Ten film nie jest z definicji świąteczny, chyba że za święto uznamy Oktoberfest (patrz scena przyjęcia przy altanie). Ale piosenka „My Favorite Things” często leci w radiu w okresie świątecznym, bo jej tekst mówi o prezentach, śniegu i zimie.
Bosley Crowther, podobnie jak inni krytycy filmowi z Wschodniego Wybrzeża, Pauline Kael i Joan Didion, nie znosił tego filmu i zjechał go w „The New York Times”. Napisał: „całość jest inscenizowana przez (Roberta) Wise'a w przytulno-kiczowatym stylu, który nawet ludzie teatru uznają za staromodny”. Stwierdził, że producenci wiedzieli, iż broadwayowski spektakl jest słaby, ale przynosił pieniądze — i to wystarczyło, by zrobić z niego musical filmowy. Zasadniczo sprowadzając projekt do zgarniania kasy, krytyk Crowther pisze: „Fakt, że »Dźwięki muzyki« grano na Broadwayu przez trzy i pół roku, mimo dostrzegalnej słabości jego staroświeckiego libretta, był dla producenta i reżysera Roberta Wise'a oczywistym dowodem, że to, co uczyniło go popularnym w teatrze, uczyni go równie popularnym na ekranie”. Crowther chwalił występ zdobywczyni Oscara Julie Andrews i to właściwie wszystko. Powiedział, że jest utalentowaną piosenkarką i aktorką, która sprzedaje ten kiczowaty materiał i potrafi uczynić go strawnym dzięki swojej nieograniczonej energii i umiejętnościom: „Miss Andrews jest nieustraszona, jak mało kto. To ona wnosi do filmu najbardziej widoczną i ujmującą nowość. Miss Andrews, ze swoją aurą promiennej energii, wyglądem szarej myszki o nieskazitelnej czystości i umiejętnością czynienia dialogów równie żywymi i pociągającymi, jak pieśni, wnosi do tej roli miłą, poppinsową logikę i autorytet, choć rola ta zawsze jest zagrożona zawaleniem się pod ciężarem romantycznych bzdur i sentymentalizmu”. O ile Crowther uwielbiał Julie Andrews, o tyle niemal wszystkich pozostałych w tym filmie najchętniej by wytępił. Dzieci skrytykował łagodnie: „siódemka jasnowłosych i promiennych malców, które muszą grać niczym tyleż małych Shirley Temple i Freddich Bartholomewów, radzi sobie tak dobrze, jak można się spodziewać z ich rozmaicie sztucznymi rolami”. Zmiażdżył natomiast Christophera Plummera, Peggy Wood i Eleanor Parker: „Dorośli są wręcz okropni, zwłaszcza Christopher Plummer jako kapitan von Trapp. Wyglądając przystojnie i fałszywie jak alpejski przewodnik ze sklepowej witryny, pan Plummer gra twardoszczękiego, sztywno trzymającego się prosto osobnika z równą sztucznością. A gdy podkłada swoje miny i gesty pod cudzy śpiew tęsknej »Edelweiss«, robi się to odrobinę zbyt boleśnie ckliwe jak na proste uczucia tej miłej piosenki”. Biorąc pod uwagę, jak ten film został rozszarpany przez Crowthera, Kael, Didion i innych krytyków, zdumiewa, że szeroka publiczność w dużej mierze to zignorowała i uczyniła go największym hitem kasowym wszech czasów w 1965 roku.
Christopher Plummer przypadkiem powiedział do Julie Andrews słowo „kapitanie” w scenie kłótni. Mimo pomyłki producent i reżyser Robert Wise uznał to za tak zabawne i tak mu się spodobało, że zostawił to w filmie.
Piosenka „Dźwięki muzyki” znalazła się na liście 100 największych amerykańskich utworów filmowych American Film Institute z 2004 roku.
Do roli Liesl brano też pod uwagę Geraldine Chaplin, Patty Duke i Sharon Tate.
Epizodyczną rolę siostry Augusty zagrała kostiumografka filmu — słynna Dorothy Jeakins, która weszła w tę rolę, gdy spodziewana statystka się nie pojawiła. Jeakins nalegała, by nie wymieniać jej w napisach „Dźwięków muzyki” jako aktorki, ale w Hawaii (1966) została wymieniona zarówno jako kostiumografka, jak i odtwórczyni krótko widocznej siostry Abnera Hale'a (Max von Sydow), Hepzibah.
Kym Karath zagrała w Spencer's Mountain z Veronicą Cartwright, siostrą Angeli Cartwright, która w Dźwiękach muzyki grała jej siostrę Brigittę.
Michael Jackson jako mały chłopiec zaśpiewał piosenkę Climb Every Mountain na szkolnym konkursie talentów.
Julie Andrews wykonała „Lonely Goatherd” i większość swoich pozostałych przebojów z tego filmu w programie Muppety (1976).
„Dźwięki muzyki” miały być jedyną filmową wersją musicalu z Broadwayu z Dame Julie Andrews w roli głównej — trzy musicale, które uczyniły z Andrews gwiazdę Broadwayu, przeniesiono na ekran bez niej. Andrews słynnie rozczarowała się, gdy nie pozwolono jej zadebiutować na ekranie w My Fair Lady (1964), ponieważ producent Jack L. Warner odrzucił jej kandydaturę na rzecz Audrey Hepburn; odwrotnie, Warner na próżno zabiegał o Andrews do filmowej wersji Camelotu (1967) (rolę sceniczną Andrews w filmie przejęła Vanessa Redgrave). Producent Ross Hunter liczył na nakręcenie filmowej wersji „Boy Friend” z Andrews, która powtórzyłaby swoją rolę z broadwayowskiego debiutu; z powodu problemów z prawami Hunter musiał zadowolić się wyprodukowaniem oryginalnego musicalu filmowego Thoroughly Modern Millie (1967), pastiszu „Boy Friend”, z Andrews w roli głównej. Kiedy Ken Russell kręcił Boy Friend (1971) (z Twiggy w roli głównej), zaproponował Julie Andrews rolę — stworzoną na potrzeby filmu — weteranki sceny Rity Monroe, ale odmówiła (rola przypadła Glendzie Jackson). Jedyną rolą, którą Andrews zagrała zarówno na broadwayowskiej scenie, jak i w filmie, była główna rola w „Victor Victoria” — w tym przypadku film Victor/Victoria (1982) powstał przed musicalem scenicznym. Producent John Woolf chciał, by Julie Andrews zagrała Nancy w jego filmowej wersji broadwayowskiego musicalu Oliver! (1968), i w maju 1966 wysłał do Hollywood swojego brata i współpracownika Jamesa Woolfa, by przedstawił Andrews propozycję. James Woolf doznał śmiertelnego zawału serca w Hollywood, zanim skontaktował się z Andrews, którą John Woolf najwyraźniej następnie skreślił jako potencjalną Nancy (rola trafiła do Shani Wallis). W 1970 roku tygodnik TIME napisał: „Blake Edwards i Julie Andrews otrzymują podobno od MGM 1 milion dolarów odszkodowania za to, że nie nakręcą swojego wcześniej uzgodnionego filmu [wersji broadwayowskiego musicalu z 1963 roku] »She Loves Me«”.
Podczas przygotowań do kręcenia sceny ślubu, gdy ekipa dotarła na szczyt schodów do sanktuarium, przy ołtarzu nie było nikogo, kto mógłby udzielić ślubu. Ktoś zapomniał wezwać aktora grającego biskupa. Według Dame Julie Andrews w filmie można zobaczyć prawdziwego arcybiskupa Salzburga (ówcześnie Andreasa Rohrachera).
Twentieth Century Fox kupiła prawa filmowe do musicalu w 1960 roku, wraz z prawami do dwóch niemieckich filmów o rodzinie. Projektowi zagroziły słabe wyniki kasowe kompilacji niemieckich filmów, a także poważne kłopoty finansowe Fox i groźba bankructwa po Kleopatrze (1963).
Filmowi zarzucano przepisywanie historii, ponieważ w rzeczywistości przyłączenie do Niemiec w marcu 1938 roku cieszyło się w Austrii bardzo szerokim poparciem.
Rezydencja pokazana w filmie należała do Hedy Lamarr.
Podczas zdjęć w opactwie Nonnberg w Salzburgu kobiety z obsady i ekipy nosiły spódnice, a nie spodnie, żeby nie urazić mieszkających tam zakonnic.
Heather Menzies przeszła od roli pasierbicy Dame Julie Andrews w „Dźwiękach muzyki” do roli siostry Andrews w Hawajach (1966), gdzie Andrews i Menzies mają poniekąd „moment w stylu rodziny Von Trappów”, wykonując piosenkę „My Wishing Doll” wraz z trzecią siostrą, Diane Sherry Case. Ta ostatnia, która zagrała córkę w serialu The Bing Crosby Show (1964), była co najmniej na „długiej liście” kandydatek do roli Brigitty Von Trapp, ale przegrała z bardziej znaną serialową córką Angelą Cartwright (The Danny Thomas Hour (1967)).
Heather Menzies (Louisa) przyznała, że podkochiwała się w Nicholasie Hammondzie (Friedrichu). Hammond podkochiwał się w Charmian Carr (Liesl). Carr podkochiwała się w Christopherze Plummerze (kapitanie Von Trappie). Plummer, który początkowo nie znosił Julie Andrews, w końcu też się w niej podkochał.
Film znalazł się wśród „1001 filmów, które musisz zobaczyć przed śmiercią” pod redakcją Stevena Schneidera.
Podczas preprodukcji wielu dostrzegało, że William Wyler nie angażuje się w projekt całym sercem. W połowie preprodukcji zgłosili się do niego producenci Jud Kinberg i John Kohn, którzy kupili prawa filmowe do powieści Johna Fowlesa „Kolekcjoner” jeszcze przed jej publikacją. Mieli już zobowiązanie Terence’a Stampa i pierwszy szkic scenariusza autorstwa Stanleya Manna. Wyler przepadł za tym scenariuszem, czując znacznie większą więź z tym materiałem niż z tym filmem. W rezultacie poprosił Darryla F. Zanucka i Richarda D. Zanucka o zwolnienie z kontraktu. Zgodzili się. Na szczęście Robert Wise miał opóźnienia przy produkcji The Sand Pebbles (1966) i był teraz wolny, by zrobić ten film.
Włoska wiza cenzorska nr 46162 wydana 14 grudnia 1965 roku.
Film opiera się na wspomnieniach Marii von Trapp z 1949 roku „The Story of the Von Trapp Family Singers”. Opublikowała też inną książkę, „Maria”, w 1972 roku, i powiedziała, że choć udało jej się być na premierze musicalu na Broadwayu, to nie miała tyle szczęścia z premierą tego filmu w 1965 roku. Zdołała przekonać Twentieth Century Fox, by pozwolono jej obejrzeć pokaz przedpremierowy, i oczekiwała zaproszenia na premierę, ale „kiedy nic nie usłyszałam i żadne zaproszenie nie przyszło, naprawdę się upokorzyłam i poszłam zapytać producenta, czy będzie mi wolno przyjść. Powiedział, że bardzo mu przykro, ale nie ma już wolnych miejsc” (s. 216).
The Trapp Family Austrian Relief, Inc. to organizacja współzałożona przez Marię i Georga Von Trappów po wojnie, która od chwili powstania pomogła tysiącom Austriaków i ofiar wojny.
Tren sukni ślubnej Marii miał czternaście stóp długości.
Ten film łączy podobieństwo z poprzednim musicalem Roberta Wise’a, West Side Story (1961). Każdy z filmów zaczyna się panoramowym ujęciem z helikoptera, w którym muzyka zaczyna się cicho i staje się głośniejsza, gdy widać lokalną architekturę, aż osiąga kulminację, gdy kamera zbliża się do głównych bohaterów, którzy rozpoczynają pierwszą piosenkę.
Christopher Plummer przyznał, że podczas zdjęć dużo jadł i pił, by zagłuszyć niezadowolenie z pracy nad tym filmem, i w Austrii miał ku temu mnóstwo okazji. Jego kostium trzeba było w końcu dopasować do jego dodatkowych kilogramów.
Ekipa ze zdziwieniem odkryła, że Salzburg ma siódmy najwyższy średni opad deszczu na świecie. Trzeba było znaleźć wiele alternatywnych lokalizacji, ponieważ zdjęcia plenerowe często były niemożliwe.
W tym filmie rodzina Von Trappów wędruje przez Alpy do Szwajcarii, ale w rzeczywistości doszła do miejscowej stacji kolejowej i wsiadła do najbliższego pociągu do Włoch. Z Włoch uciekła do Londynu, a ostatecznie do USA. Salzburg jest w rzeczywistości zaledwie kilka mil od granicy austriacko-niemieckiej i znacznie za daleko od granicy szwajcarskiej czy włoskiej, by rodzina mogła uciec pieszo. Gdyby Von Trappowie przeszli przez góry, trafiliby do Niemiec, w pobliże górskiej kryjówki Adolfa Hitlera.
Projekt scenografa Borisa Levena dla salonu w domu Benedictów „Reata” w filmie Olbrzym (1956) został ponownie wykorzystany jako wielki hol wejściowy domu rodziny Von Trappów. W obu przypadkach użyto tych samych rozdzielonych schodów, proporcji, skali i korytarzy na antresoli. Kolorystyka, detale i dekoracje były jednak w każdym filmie inne. Każdy z nich zbudowano też niezależnie w różnych studiach.
Richard Rodgers skomponował do filmowej wersji dwie nowe piosenki: „I Have Confidence” i „Something Good”.
Spośród dwóch głównych aktorów „Dźwięków muzyki” to Christopher Plummer, a nie Dame Julie Andrews, został uhonorowany Tony za rolę pierwszoplanową w musicalu na Broadwayu. Poza powszechnym przekonaniem, że Andrews to prawdziwy talent wokalny, a Plummer nie, fakt, że to on, a nie ona, zdobył Tony w kategorii musicalowej, zaskakuje tym bardziej, że Andrews aż trzy razy została „pokonaną” w walce o Tony’ego za role w trzech broadwayowskich hitach, podczas gdy Plummer triumfował przy swojej jedynej nominacji do Tony’ego za musical, czyli za „Cyrano”, który w 1973 roku zszedł z afisza po 49 przedstawieniach, tracąc blisko 10 milionów dolarów według „Variety”, które przewidywało, że „Cyrano” „prawdopodobnie przejdzie do historii Broadwayu jako najdroższy flop”.
Choć rodzina Von Trappów była względnie zadowolona z gotowego filmu, poprosiła, by kapitana Von Trappa przedstawić jako mniej surowego i oschłego, bo – jak twierdzili – nigdy taki nie był. Robert Wise upierał się, że postać pozostanie taka, argumentując, że to fabularyzowana wersja rodziny i że pokazuje, jak kapitan się zmienił, gdy w jego życiu pojawiła się Maria.
Danny Lockin, blondwłosy aktor najbardziej znany z drugoplanowej roli Barnaby’ego Tuckera u boku Michaela Crawforda jako Corneliusa Hackla w „Hello, Dolly!” (1969), zdawał test ekranowy do roli Rolfa. Test przetrwał do dziś, podobnie jak testy wielu innych znanych aktorów i aktorek, którzy nie dostali angażu w tym filmie, w tym Mii Farrow. Można je obejrzeć we wciągającym „Hollywood Screen Tests: Take 2” (2001).
Producent i reżyser Robert Wise rozważał Yula Brynnera do roli kapitana Von Trappa. Brynner, który stworzył na Broadwayu rolę króla Syjamu z musicalu Rodgersa i Hammersteina i powtórzył ją w filmowej wersji „Króla i ja” (1956), rzekomo „usilnie zabiegał o rolę” kapitana Von Trappa.
To jedna z zaledwie czterech produkcji, które zdobyły Tony dla najlepszego musicalu (lub najlepszej sztuki, w zależności od przypadku) (1960) i Oscara dla najlepszego filmu (1965). Pozostałe to „My Fair Lady” (1957/1964), „A Man For All Seasons” (1962/1966) i „Amadeus” (1981/1984).
Gdy film wszedł do kin w Korei Południowej, cieszył się takim powodzeniem, że niektóre kina pokazywały go cztery czy pięć razy dziennie. Pewien właściciel kina w Seulu próbował wymyślić sposób, by wyświetlać go jeszcze częściej i przyciągnąć więcej widzów. W efekcie wyciął wszystkie numery muzyczne.
Ostatni film aktorki Gertrude Astor.
Maria w rzeczywistości nie uczyła dzieci śpiewać. W każdym razie nie sama. Ćwiczył z nimi harmonię czterogłosową głównie ojciec Franz Wasner, młody ksiądz, który w 1935 roku przybył do willi Von Trappów. Prawdziwa Maria Augusta Kutschera żaliła się, że ojca Wasnera pominięto w tej historii. Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II i scenarzyści tłumaczyli jednak, że musieli połączyć pewne wątki z powodu ograniczeń czasowych. Nawet jeśli nie uczyła dzieci, to jej pomysł był, by śpiewały razem. Była inspiracją dla Rodzinnych Śpiewaków Von Trappów. Scenarzyści oraz Rodgers i Hammerstein oddali to, czyniąc z niej nauczycielkę.
Budżet początkowo ustalono na 6 lub 7 milionów dolarów, ale ostatecznie wzrósł do 8,2 miliona z powodu złych warunków pogodowych.
Śpiew Peggy Wood (matki przełożonej) został zdubbingowany, ponieważ aktorka uznała, że jest zbyt stara, by podołać partiom wokalnym.
Na początku zdjęć Heather Menzies (Louisa) była o jakieś 3 cale wyższa od Nicholasa Hammonda (Friedricha). Musiał nosić wkładki do butów, by wydawać się wyższy. Pod koniec zdjęć Nicolas Hammond urósł 6 cali (ze 5'3" do 5'9"). Często grał bez butów, a Charmian Carr musiała stawać na skrzynce, by wydawać się wyższa. Wszystkie dzieci Von Trappów mocno urosły w trakcie zdjęć, więc stosowano wkładki i różne sztuczki kamerowe, by utrzymać ich wzrost na stałym poziomie.
Album ze ścieżką dźwiękową do tego filmu (RCA Victor: 1965) to jedna z najlepiej sprzedających się ścieżek dźwiękowych wszech czasów (około 11 milionów egzemplarzy na całym świecie) i nigdy nie zniknął z druku. Nominowany do Grammy w kategorii Album roku, przez pięć tygodni utrzymywał się na pierwszym miejscu listy Billboardu, a najwcześniejsze wydania albumu zawierały ilustrowaną książeczkę o kulisach powstania filmu oraz o życiu i karierze kompozytorów Richarda Rodgersa i Oscara Hammersteina II.
Gdy powstawał sceniczny musical, prawdziwa Maria von Trapp leczyła się z malarii w szpitalu w Innsbrucku w Austrii. Producent Leland Hayward spotkał się z nią w szpitalu, by uzyskać zgodę na wystawienie sztuki. Von Trapp zgodziła się na musical, mówiąc: „Opowiedział mi [Hayward] o pieniądzach, które zarobię, i o tym, jak pomogą misjom, w których pracowałam na Nowej Gwinei. To naprawdę do mnie trafiło”. Hayward zdobył też zgody siedmiorga dzieci von Trappów, rozsianych po całym świecie.
Adres willi Von Trappów to „53”. Gdy Maria po raz pierwszy przychodzi do willi i zagląda przez bramę, tabliczka z adresem znajduje się na kamiennym filarze po lewej stronie.
Film znalazł się wśród 25 tytułów na opublikowanej w 2006 roku przez American Film Institute liście AFI’s Greatest Movie Musicals.
Do śpiewu siedmiorga dzieci Von Trappów dokooptowano czworo innych dzieci – by uzyskać lepsze, pełniejsze i bardziej dopracowane brzmienie. Wśród tych czworga „dodatkowych śpiewaków” była młodsza siostra Charmian Carr (Liesl), Darleen Carr.
Sukces tego filmu zachęcił Twentieth Century Fox do zainwestowania w serię kosztownych musicali: „Doctor Dolittle” (1967), „Star!” (1968) i „Hello, Dolly!” (1969). Żaden z nich nie okazał się hitem.
Przed 14 marca 1938 roku w Austrii jeżdżono lewą stroną drogi. Dlatego samochody rejestrowane w Austrii aż do Anschlussu miały kierownicę po prawej stronie.
Scena, w której Maria bierze lokaja Franza za kapitana Von Trappa, miała miejsce także w rzeczywistości – według samej Marii Von Trapp.
W rzeczywistości Georg Von Trapp nie był surowy. Dzieci Von Trappów były zmartwione i zbulwersowane sposobem przedstawienia ich ojca w tym filmie. Maria von Trapp prosiła producenta i reżysera Roberta Wise’a, by złagodził postać jej męża, ale Wise odmówił.
Christopher Plummer zagrał później Sherlocka Holmesa w „Morderstwie w gabinecie lekarza” (1979), a Nicholas Hammond wcielił się w tytułową rolę w „The Amazing Spider-Man” (1977). Kilku późniejszych aktorów grających Sherlocka i Spider-Mana również pracowało razem. Plummer wystąpił w „The Imaginarium of Doctor Parnassus” (2009) z Andrew Garfieldem. Garfield i Benedict Cumberbatch pojawili się razem w „The Other Boleyn Girl” (2008). Tobey Maguire i Robert Downey Jr. zagrali razem w „Wonder Boys” (2000). Tom Holland zagrał Spider-Mana u boku Downeya i Cumberbatcha w „Avengers: Infinity War” (2018).
Zajął drugie miejsce w brytyjskim plebiscycie Ultimate Film, w którym filmy uszeregowano według liczby sprzedanych miejsc w kinach.
„Nazwijcie to kiczem, ale ten przebojowy musical Rodgersa i Hammersteina o rodzinie Von Trappów zabawił chyba więcej ludzi niż jakikolwiek inny film w historii. Piękne plenery i wspaniała muzyka pomagają zrównoważyć naiwne aspekty scenariusza. ***1/2” – Leonard Maltin, z Leonard Maltin’s Movie Guide.
Film był mocno ocenzurowany w Niemczech – wycięto praktycznie wszystkie wątki nazistowskie. Ostatecznie materiał ten przywrócono do niemieckiej wersji, ale film nigdy nie zdobył tam większego uznania u publiczności. W efekcie jest w dużej mierze nieznany w Niemczech i Austrii, gdzie znacznie większym powodzeniem cieszyły się filmy „The Trapp Family” (1956) i „Die Trapp-Familie in Amerika” (1958).
Choć to jeden z największych sukcesów w historii musicalu (i kina), nigdy nie słynął ze zgodności z faktami. Jednym z twórczych uproszczeń było to, że kapitan Von Trapp uchodził za tego surowego rodzica, a Maria za wolną duszę, która otworzyła całą rodzinę, nauczyła ją miłości i humanizmu. W rzeczywistości, jak zgodnie relacjonują żyjący członkowie rodziny, to Maria była bardziej stanowcza z obojga rodziców, nie Georg.
Słynną scenę z marionetkami do „The Lonely Goatherd” zrealizowali i wykonali czołowi lalkarze tamtych czasów, Bil Baird i Cora Baird.
Charmian Carr była tylko 13 lat młodsza od Christophera Plummera, który grał jej ojca. Ta niewielka różnica wieku sprawiła, że aktorzy poczuli do siebie pociąg, choć twierdzili, że poza niewinnym flirtem nic się nie wydarzyło.
Spośród siedmiorga aktorów wcielających się w dzieci Von Trappów pięcioro pochodziło ze Stanów Zjednoczonych, jedno z Kanady, a jedno z Anglii.
Pomysł na odnoszące ogromny sukces pokazy Sing-A-Long-Sound-of-Music narodził się, gdy jeden z organizatorów Londyńskiego Festiwalu Filmów Gejowskich i Lesbijskich w 1998 roku usłyszał, że personel domu spokojnej starości w szkockim Inverness rozdawał pensjonariuszom teksty piosenek podczas projekcji wideo Siedem narzeczonych dla siedmiu braci (1954), żeby mogli śpiewać razem. Londyński artysta drag Ivan Cartwright był pierwszym gospodarzem pokazów na festiwalu i nadal regularnie prowadzi Sing-A-Long w kinie Prince Charles na Leicester Square.
Dzięki temu filmowi Robert Wise wyprzedził sir Alfreda Hitchcocka jako najbardziej dochodowy reżyser w historii. Wise utrzymał ten rekord przez blisko dekadę, aż przebił go George Roy Hill po premierze Żądła (1973).
Julie Andrews śpiewała dzieciom z obsady „Supercalifragilisticexpialidocious”, żeby je zabawić między ujęciami. Ponieważ Mary Poppins (1964) nie miała jeszcze premiery, dzieci były przekonane, że wymyśliła tę piosenkę specjalnie dla nich.
Robert Wise nie dogadywał się z prawdziwą Marią Von Trapp, gdy odwiedziła plan, i nazwał ją „apodyktyczną”.
Debbie Turner (Marta) miała w trakcie zdjęć wiele chwiejących się zębów. Kiedy wypadały, zastępowano je sztucznymi.
W Austrii film jest znany jako „Meine Lieder - Meine Träume” („Moje pieśni - moje marzenia”). Nie jest tam jednak zbyt znany, a przy pierwszej premierze w austriackich kinach w 1960 roku usunięto zakończenie.
Altankę, w której rozgrywają się sceny „Sixteen Going on Seventeen” i „Something Good”, można nadal zwiedzać w okolicach Salzburga podczas wycieczek „Sound of Music”. Publiczność musiano jednak wykluczyć z wnętrza, bo fani filmu znacznie starsi niż „szesnastolatka idąca na siedemnaście” robili sobie krzywdę, próbując tańczyć na ławkach. Altanka w Austrii posłużyła tylko do zdjęć plenerowych. Sam taniec Charmian Carr i Daniela Truhitte’a nakręcono na replice wnętrza altanki w hali zdjęciowej Twentieth Century Fox w Los Angeles w Kalifornii, podobnie jak ujęcia Julie Andrews i Christophera Plummera.
Wśród innych aktorów branych pod uwagę do roli kapitana Von Trappa byli Bing Crosby i Walter Matthau.
Christopher Plummer wystąpił później w Powrocie Różowej Pantery (1975) w reżyserii Blake’a Edwardsa, męża damy Julie Andrews.
Robert Wise początkowo rozważał Victora Borga, Noëla Cowarda i Hala Holbrooka do roli Maxa Detweilera.
Według brytyjskiego tabloidu „The Sun” film został wybrany przez szefów BBC jako jeden z tych, które mają być wyemitowane po ataku nuklearnym, by podnieść morale ocalałych. BBC nie potwierdziło ani nie zaprzeczyło tej historii, mówiąc: „To kwestia bezpieczeństwa, więc nie możemy tego komentować”.
To ostatni musical Rodgersa i Hammersteina. Oscar Hammerstein miał już zdiagnozowany nowotwór, gdy wraz z Richardem Rodgersem zaczął pracę nad nowym musicalem opartym na wspomnieniach Marii von Trapp.
Prawdziwa Maria została wysłana do rodziny Von Trappów, by uczyć jedno z dzieci, które dochodziło do siebie po szkarlatynie. Nie przysłał jej klasztor jako guwernantki. Dziecko miało przypadkiem na imię Maria. Zmieniono to na potrzeby broadwayowskiej inscenizacji częściowo dlatego, że widzowie zgłupieliby, gdyby na scenie były dwie Marie.
Według producenta i reżysera Roberta Wise’a trawa na wzgórzu w piosence otwierającej miała być znacznie wyższa, niż była. Twórcy filmu umówili się z farmerem, do którego należał teren, że trawa zostanie nieskoszona, ale gdy przyjechali na zdjęcia, była już ścięta. Wise stwierdził, że scena i tak wyszła bardzo dobrze.
Broadwayowska inscenizacja „Dźwięków muzyki” była hitem i zdobyła Tony dla najlepszego musicalu. Ten film też był hitem i zdobył 5 Oscarów. Ale o ile broadwayowska wersja była umiarkowanym sukcesem, o tyle film stał się największym hitem wszech czasów, jeśli chodzi o dotychczasowe wyniki.
Mitzi Gaynor próbowała kupić prawa do musicalu, składając „oszałamiającą ofertę”, ale odmówiono jej.
Znaczna część filmu powstała w Leopoldskron, posiadłości pod Salzburgiem, która należała kiedyś do impresaria teatralnego Maxa Reinhardta. Podobnie jak Von Trappowie, Reinhardt uciekł z Austrii do Stanów Zjednoczonych wraz z nadejściem nazistów.
W filmie kapitan Von Trapp i Maria zakochują się w sobie od razu. W rzeczywistości Maria chciała wrócić do opactwa Nonnberg, bo zawsze pragnęła zostać zakonnicą. Była bardzo zmartwiona, że nie może wrócić, inaczej niż w filmie, gdzie sprawia wrażenie, jakby chciała odejść. Prawdziwa Maria Von Trapp mówiła w wywiadach, że pokochała dzieci i uznała małżeństwo z kapitanem za najlepszy sposób, by stać się ich stałą częścią życia. Twierdziła, że początkowo nowego męża tylko lubiła, a kochać go nauczyła się dopiero z biegiem lat.
Film znalazł się na liście 100 największych amerykańskich filmów miłosnych, którą Amerykański Instytut Filmowy ogłosił w 2002 roku.
Kontrakt ze studiem zastrzegał, że film nie może mieć premiery przed 1963 rokiem, gdy musical miał zakończyć pierwszy okres wystawiania na Broadwayu.
Premierę filmu zaplanowano początkowo na Boże Narodzenie 1964 roku, ale przesunięto ją na następną wiosnę.
Prawdziwa Maria, od dawna wdowa w czasie kręcenia, powiedziała Christopherowi Plummerowi komplement, że jest znacznie przystojniejszy od jej męża.
Kandydatami do roli kapitana Von Trappa, wysuniętymi przez 20th Century-Fox, byli Richard Burton, sir Sean Connery, Bing Crosby, Maximilian Schell (rodowity Austriak) i broadwayowski partner Julie Andrews z „My Fair Lady”, sir Rex Harrison. „My Fair Lady” pozostało jedynym dziełem, w którym Andrews i Harrison zagrali razem.
Jak pokazano w filmie, kapitan Georg Von Trapp miał siedmioro dzieci ze swoją pierwszą żoną, Agathe Whitehead: Ruperta, Agathe, Marię, Wernera, Hedwig, Johannę i Martinę. W wersji scenicznej i filmowej ich imiona zmieniono na Fryderyka, Liesl, Luisę, Kurta, Brigittę, Martę i Gretl. Oznacza to, że jedynymi prawdziwymi osobami w filmie byli Maria i Georg. Dzieci istniały, ale miały inne imiona. (Jedno z dzieci nazywało się Martina, co jest dość podobne do „Marty” w przedstawieniu). Max Detwiller był mieszanką kilku osób, głównie ojca Wasnera, który pomagał zarządzać młodymi śpiewakami i ich szkolić. Baronowa z pewnością była prawdziwą osobą.
Maria Von Trapp nie została zaproszona na hollywoodzką premierę tego filmu. Jak donosił „The Telegraph”, Maria dziwiła się, że nie dostała zaproszenia, i zwróciła się w tej sprawie do producentów, ale usłyszała jedynie, że nie ma już wolnych miejsc. Być może wynikało to z jej konfliktów z Wise’em i producentami w trakcie produkcji. Mówiono, że charakterna Maria zaczęła dyrygować Wise’em i wtrącać się do produkcji i scenariusza, aż w końcu wyrzucono ją z planu. Być może dla rekompensaty Julie Andrews wkrótce po premierze filmu zaprosiła prawdziwą Marię Von Trapp do jednego ze swoich programów telewizyjnych i obie razem zajodłowały. Klipy można obejrzeć na YouTube.
Julie Andrews wykonała piosenkę „My Favorite Things” z tego musicalu na żywo w telewizji, w świątecznym odcinku „The Garry Moore Show” w 1961 roku, cztery lata przed tym, jak zaśpiewała ją w tym filmie z 1965 roku. Można to obejrzeć na YouTube.
Reżyser Robert Wise podróżował po świecie i przesłuchał ponad 200 młodych aktorów do roli dzieci von Trappów.
Piosenki „I Have Confidence” i „Something Good” napisał specjalnie do tego filmu Richard Rodgers, a ta druga zastąpiła sceniczną „An Ordinary Couple”. Oba utwory stały się tak popularne i tak wpisały się w musical, że w większości późniejszych inscenizacji scenicznych, w tym w broadwayowskiej wersji z 1998 roku, uznano za konieczne je dodać (i przy okazji usunąć „An Ordinary Couple”).
Dwa lata przed broadwayowskim debiutem musicalu Paramount Pictures kupiło prawa do historii śpiewającej rodziny Von Trappów, planując obsadzić Audrey Hepburn w roli Marii. Gdy Hepburn odmówiła, Paramount porzucił plany filmowe. Gdyby Hepburn dostała tę rolę, byłby to drugi raz, kiedy pokonała Julie Andrews w walce o główną rolę w musicalu nagrodzonym Oscarem, po tym jak wygrała z nią w My Fair Lady (1964).
W niedawnym wywiadzie dla Good Morning Australia (1993) z siostrami Cartwright, Veronicą i Angelą, Veronica Cartwright, która nie zagrała w tym filmie, ale z boku przyglądała się, jak Robert Wise i ekipa kręcą tę scenę, powiedziała, że producenci dali dzieciom z obsady brandy po tym, jak wpadły do jeziora podczas sceny z kajakami, bo trzeba było kręcić ją w kółko od nowa i próbowano je rozgrzać. „Chyba nie powinniśmy byli o tym wiedzieć” – roześmiał się prowadzący. Angela dodała, że w stawie były pijawki.
Krąży miejski mit, że wszystkie dzieci w tym filmie były dubbingowane w scenach muzycznych. Angela Cartwright mówiła w wywiadach, że to oczywista nieprawda, a jednym z powodów, dla których je wybrano, były ich umiejętności wokalne – wszystkie śpiewały same, choć przyznaje, że śpiew wspierał profesjonalny chór dziecięcy. Kiedy jednak dziecięcy aktorzy śpiewali solo, robiły to całkiem same i to były ich prawdziwe głosy.
Choć w broadwayowskiej wersji musicalu rolę Marii zagrała aktorka Mary Martin, warto zauważyć, że Maria to trzysylabowy wariant imienia Mary, rozpowszechniony w krajach europejskich mówiących różnymi językami, a nawet drugorzędny wariant w języku angielskim, podobnie jak inne popularne formy, choćby Marie.
Altana zmienia rozmiar (staje się większa), kiedy wchodzimy do jej wnętrza. To celowe. Na terenie, gdzie kręcono sceny za domem, stała prawdziwa altana, ale była za mała do układów tanecznych, więc w Hollywood zbudowano znacznie większe wnętrze altany.
Dwa najpopularniejsze i najbardziej cenione filmy 1965 roku to ten film i Doktor Żywago (1965). Oba początkowo spotkały się z letnią reakcją krytyków, by ostatecznie zostać uratowane przez mocną kampanię marketingową studia i dobrą pocztę pantoflową. Każdy z nich miał swoje atuty, które zapewniły mu trwałe dziedzictwo: rewelacyjną ścieżkę dźwiękową, widowiskową produkcję i uniwersalne przesłanie o triumfie ludzkiego ducha nad złem i zepsuciem. Jak na ironię, oba filmy otrzymały po 10 nominacji do Oscarów i każdy zgarnął po 5 statuetek.
Choć imię „Liesl” nie należało do żadnego z prawdziwych dzieci von Trappów, córka Maria (w filmie przedstawiona jako „Louisa”) miała ulubioną lalkę z dzieciństwa o imieniu „Liesl”.
Choć lubiła ten film i broadwayowską inscenizację, prawdziwa Maria Von Trapp napisała w swojej autobiografii, że Mary Martin i Julie Andrews (odpowiednio broadwayowska i hollywoodzka Maria) „były zbyt łagodnymi panienkami z Bryn Mawr”. Maria opisuje siebie jako dzikie dziecko z czasów pobytu w opactwie Nonnberg. Kiedy dziennikarz zapytał ją, czy była „flibbertigibbet, ognikiem i błaznem”, Maria odpowiedziała, że nie – była znacznie gorsza.
Peggy Wood była jedyną nominowaną do Oscara za drugoplanową rolę kobiecą w tym roku, która występowała w filmie nominowanym do Oscara dla najlepszego filmu.
Pierwotnie planowano sześć tygodni zdjęć w Salzburgu. Z powodu ciągłych deszczów ekipa spędziła w mieście jedenaście.
W tym filmie i w poprzednim filmie Dame Julie Andrews, Mary Poppins (1964) (które, podobnie jak ten film, uchodzą za jej najbardziej znane produkcje), zagrała nianię, która pomaga ojcu podopiecznych dzieci w poprawieniu relacji z nimi.
W 2015 roku ten film obchodził 50. rocznicę premiery. Podczas gali Oscarów w 2015 roku piosenkarka pop Lady Gaga zaśpiewała medley piosenek z tego filmu, a mianowicie „Dźwięki muzyki”, „Edelweiss”, „My Favorite Things” i „Climb Every Mountain”. Potem na scenę wyszła Dame Julie Andrews i uściskała Lady Gagę. Uważa się, że Lady Gaga nie wiedziała, że Andrews tam jest.
W czerwcu 2026 roku 7-letnia wnuczka Debbie Turner (Marty), Pfeiffer Stehr, w tym samym wieku, w jakim Turner była w filmie, zagrała Martę – tę samą rolę co Turner – w amatorskiej inscenizacji Dźwięków muzyki w Thief River Falls w Minnesocie.
Robert Wise i Marc Breaux podczas pierwszego objazdu po ulicach i placach Salzburga chodzili pieszo, rozmawiali i planowali cięcia ujęć do każdej tanecznej sekwencji z Marią i dziećmi von Trappów. Marc i Dee Dee zajęci wymyślaniem motywacji do sekwencji tanecznych szli chodnikiem, a Wise podążał za nimi, podczas gdy Marc rozplanowywał każdy układ taneczny na pasach ruchu w miejskich ulicach. Tłok uliczny nie powstrzymał Marca przed wypływaniem w rytm ruchu drogowego, by zaplanować każdy taniec. Po zakończeniu zdjęć w Salzburgu pogoda była pochmurna, wieś spowita mgłą i zamgleniem, a codzienny ulewny deszcz uniemożliwił ustawienie ujęcia otwierającego na szczycie wzgórza. Ekipa czekała w hotelach na nakręcenie ostatniej sekwencji. Kierownictwo Twentieth Century Fox wydało ekipie polecenie wyjazdu. Ostatniego dnia, jak opowiada Robert Wise, niebo otworzyło się jasnym, wspaniałym słonecznym porankiem. Cała ekipa popędziła na szczyt wzgórza, a helikopter z kamerą i załogą ustawiał otwierającą sekwencję ujęć z powietrza, aż w końcu natrafiono na Dame Julie Andrews wirującą na szczycie wzgórza, zanim zaczęła śpiewać tytułową piosenkę. Aby wyczuć odpowiedni moment, Breaux ukrył się w pobliskich krzakach. Obserwował helikopter nadlatujący znad gór i w odpowiedniej chwili przez megafon krzyknął do Andrews: „OK, Julie! Turn!”.
Choć w filmie i na Broadwayu dzieci nie potrafią śpiewać, w rzeczywistości dzieci von Trappów miały już zdolności muzyczne, zanim Maria pojawiła się w ich domu.
Jedyny w tym roku nominowany do Oscara dla najlepszego filmu, który nie otrzymał nominacji w żadnej kategorii scenariuszowej.
Mary Martin była pierwszą Marią na Broadwayu, a Theodore Bikel – pierwszym kapitanem von Trappem. Martin była wówczas znana głównie jako pierwsza Piotruś Pan na Broadwayu, za którą zdobyła Tony; była też pierwszą Nellie w „South Pacific” Rodgersa i Hammersteina. Dziś najbardziej znana jest jako matka Larry’ego Hagmana. Bikel to znany aktor charakterystyczny w Hollywood, znany z takich ról jak Afrykańska królowa (1951), Moulin Rouge (1952), Poniżej horyzontu (1957), Chcę żyć! (1958), My Fair Lady (1964) i Rosjanie nadchodzą, Rosjanie nadchodzą (1966). Żadne z nich nie zostało poproszone o powtórzenie roli w filmie.
Grace Kelly była brana pod uwagę do roli baronowej. Jednak wycofała się z aktorstwa, gdy poślubiła Rainiera III, księcia Monako, i nie była otwarta na propozycje powrotu do dawnego zawodu.
Christopher Plummer zrezygnował z roli Harry’ego Palmera w filmie Ipcress (1965) na rzecz roli kapitana von Trappa – decyzja, której później żałował.
Christopher Plummer: „Eleanor świetnie się bawiła, bo zakochała się w operatorze i spędzali razem wspaniały czas. Był strasznie miłym facetem i zasługiwała na miłego faceta. Była najcudowniejszą kobietą i, mój Boże, jaką pięknością, więc kochałem ich oboje, a oni byli takimi zakochanymi, zawsze trzymali się za ręce. Myślę, że ich historia jest o wiele bardziej romantyczna niż Dźwięki muzyki”. (People Magazine, 2015)
20th Century-Fox podpisało z Dame Julie Andrews kontrakt na dwa filmy, płacąc jej 225 000 dolarów za film (bez udziału w zyskach z box office). Andrews ponownie spotkała się z producentem Saulem Chaplinem i reżyserem Robertem Wise’em przy swoim drugim filmie dla Fox: Star! (1968), oryginalnym musicalu filmowym o Gertrude Lawrence, który okazał się pierwszym z dwóch musicalowych niepowodzeń Andrews (kolejnym było Darling Lili (1970)).
Oryginalna broadwayowska produkcja „Dźwięków muzyki” miała premierę w Lunt-Fontanne Theatre w Nowym Jorku 16 listopada 1959 roku. Zagrano 1443 przedstawienia i zdobyła (ex aequo) nagrodę Tony w 1960 roku dla najlepszego musicalu.
Twentieth Century Fox kupiło 15-letnią dzierżawę praw filmowych do „Dźwięków muzyki” za 1,25 miliona dolarów – najwyższą wówczas kwotę zapłaconą przez studio za własność literacką.
Zajął 18. miejsce w rankingu „Największe filmy familijne” brytyjskiego Channel 4.
Przód i tył posiadłości von Trappów nakręcono w dwóch różnych miejscach w Salzburgu w Austrii.
Robert Wise wyreżyserował później Star Trek: The Motion Picture (1979), a Christopher Plummer wystąpił w Star Trek VI: The Undiscovered Country (1991). Rolę kapitana von Trappa pierwotnie grał Theodore Bikel, który pojawił się w Star Trek: The Next Generation (1987).
W scenie w Felsenreitschule, gdy Herr Zeller pyta Maxa, kiedy wróci kapitan, w tle inna grupa ćwiczy Ländlera. Wygląda na to, że to Toby Reiser Quintet (1 kobieta, 4 mężczyzn) – zdobywcy 2. miejsca na festiwalu.
Nicholas Hammond i Duane Chase, którzy grają Friedricha i Kurta, są w tym samym wieku i obaj urodzili się w 1950 roku.
Prawdziwa Maria von Trapp wystąpiła w specjalnym programie telewizyjnym, w którym uczyła Julie Andrews jodłowania. Odcinek można obejrzeć na YouTube.
Gdy negocjacje w sprawie jego filmu Ziarnka piasku (1966) ciągle się załamywały, Robert Wise zaczął rozglądać się za innym projektem, czekając na rozwiązanie spraw. Ten film w zasadzie spadł mu z nieba, gdy William Wyler wycofał się z projektu. Wyler chciał, by film był poważniejszy i mocniej wykorzystywał wątek nazistów. Twentieth Century Fox nie był zachwycony jego podejściem.
Marni Nixon była dobrze znana w hollywoodzkich kręgach jako „duch” śpiewający za główne aktorki w kilku filmowych adaptacjach broadwayowskich hitów. Użyczyła głosu Deborah Kerr w Królu i ja (1956), Natalie Wood w West Side Story (1961) i Audrey Hepburn w My Fair Lady (1964). Ten film dał rzadką okazję zobaczenia Marni Nixon na ekranie – zagrała siostrę Sophię. Dame Julie Andrews występowała wcześniej na Broadwayu w My Fair Lady (1964), ale pominięto ją przy filmie. Producenci obawiali się reakcji Andrews na Nixon, ponieważ to ona dubbingowała Audrey Hepburn w roli rozsławionej przez Andrews. Gdy Andrews poznała Nixon, wykrzyknęła: „Marni, jestem twoją fanką!” – i producenci odetchnęli z ulgą.
Próby do filmu rozpoczęły się 10 lutego 1964 roku na Stage 15 w 20th Century Studios na zachodnim Los Angeles, gdzie 26 marca – po sześciu tygodniach prób – nakręcono pierwszą scenę: numer muzyczny „My Favorite Things”.
Film jest uznawany za ten, który uratował Twentieth Century Fox po klęsce Kleopatry (1963).
Podczas sceny przyjęcia kapitan von Trapp ma na sobie biały medal „Krzyża Rycerskiego”. Prawdziwy kapitan otrzymał order za to, że stał się „postrachem Adriatyku”, konkretnie po zatopieniu trzynastu statków jako dowódca okrętu podwodnego podczas I wojny światowej.
Gra starszą z dwóch kobiet w austriackich strojach chłopskich, które widać w tle, gdy Maria (Dame Julie Andrews) przechodzi przez ceglany łuk podczas „I Have Confidence”.
Głos śpiewający Peggy Wood (matki przełożonej) został zdubbingowany przez Margery McKay.
Status tego filmu jako najbardziej dochodowego musicalu filmowego został przewyższony trzynaście lat później przez Grease (1978) pod względem faktycznie zebranych wpływów, ale po uwzględnieniu inflacji film pozostał najbardziej dochodowym musicalem filmowym.
Gdy 18 kwietnia 1966 roku Oscar dla najlepszego filmu trafił do tego filmu, była to pierwsza transmisja ceremonii Academy Awards w kolorze.
Charmian Carr (Liesl) poślizgnęła się i skręciła kostkę podczas kręcenia „Sixteen Going On Seventeen”. We wczesnych kopiach filmu widać bandaż na kostce. Gdy film zremasterowano na DVD, obraz bandaży usunięto cyfrowo. W komentarzu do wydania DVD z okazji 40. rocznicy w 2005 roku Charmian powiedziała, że z tego powodu niektórzy jej nie wierzą, gdy mówi, że tańczyła ze skręconą kostką.
Aktorzy musieli być stale polewani wodą podczas kręcenia sceny po wypadnięciu z łodzi, aby pozostali mokrzy.
Znalazł się na liście 100 największych amerykańskich filmów American Film Institute z 1998 roku.
Debbie Turner startowała do roli Gretl, ale obsadzono ją jako Martę.
Po śmierci aktora Christophera Plummera jego kolega Yorick van Wageningen opowiedział w holenderskiej gazecie, że nigdy nie zapomni chwili, gdy statystka na planie „The New World” podeszła do Plummera i poprosiła, czy zaśpiewa piosenkę „Edelweiss” (którą Plummer śpiewał w „Dźwiękach muzyki”) na kremacji jej matki. Plummer spojrzał jej w oczy i powiedział: „Możesz paść trupem jak twoja mama”.
Pierwszy wspólny film Christophera Plummera i Dame Julie Andrews.
Robert Wise, który później wyreżyserował Star Trek: The Motion Picture (1979), obsadził dwóch przyszłych aktorów Star Treka w męskich rolach głównych obu swoich ikonicznych musicali: Richarda Beymera i Christophera Plummera. Rolę Plummera pierwotnie grał na scenie inny aktor Star Treka, Theodore Bikel.
Sandra Church była pierwszym wyborem do roli Marii von Trapp.
Piosenka „Do Re Mi” znalazła się na liście 100 największych amerykańskich piosenek filmowych American Film Institute z 2004 roku.
Gdy film wchodził na ekrany, Twentieth Century Fox zorganizowała wielką premierę na Hollywood Boulevard w Grauman's Chinese Theatre, na którą przyszło wielu odtwórców dziecięcych ról i rozdawało autografy. Na otwarciu zagrał miejscowy zespół dziecięcy The Serenaders.
Podczas pierwszego pokazu testowego w Minneapolis w Minnesocie publiczność wstała i biła brawo zarówno w przerwie, jak i po zakończeniu filmu.
W ramach przygotowań do filmu William Wyler spotkał się z prawdziwą Marią von Trapp i burmistrzem Salzburga. Wyler obawiał się, że mieszkańcy wpadną w popłoch na widok swoich budynków obwieszonych nazistowskimi flagami i bojówkarzy na ulicach zaledwie 25 lat po tym, jak wydarzyło się to naprawdę. Burmistrz zapewnił go, że mieszkańcy przeżyli Anschluss za pierwszym razem i przeżyją go ponownie. Inni urzędnicy miejscy znacznie bardziej opierali się pomysłowi udekorowania Salzburga nazistowskimi barwami. Szybko zmienili zdanie, gdy twórcy filmu powiedzieli, że użyją zamiast tego materiałów kroniki filmowej. Te nagrania były zresztą bardzo obciążające, bo pokazywały, jak salzburczycy otwarcie witają nazistów — czego zaplanowane sceny do tego filmu by nie pokazywały.
Osoby spoza Austrii, które oglądają film, są przekonane, że „Edelweiss” to w Austrii bardzo popularna piosenka. W rzeczywistości publiczność na Festiwalu Ludowym w Salzburgu w ogóle jej nie znała i spędzono kilka godzin, żeby się jej nauczyła i mogła zaśpiewać razem z kapitanem von Trappem (Christopher Plummer).
Gdyby Maria von Trapp nie istniała, Richard Rodgers i Oscar Hammerstein II pewnie by ją wymyślili — tak idealnie pasowała do ich schematu dzielnej niewinnej istoty w obcym kraju (South Pacific) z gromadką dzieci do nauczenia (The King and I). Urodzona w 1905 roku i wkrótce osierocona, prawdziwa Maria wstąpiła do klasztoru jako postulantka i została przydzielona do nauczania rodziny kapitana von Trappa, wdowca ponad dwa razy starszego od niej. (Naiwna dziewczyna ledwie starsza od najstarszej ze swoich podopiecznych — miała 21 lat, a zachowywała się jak 17-latka — Maria musiała szybko dorosnąć. Rok później poślubiła 47-letniego kapitana.) Przesuwając chronologię na 1938 rok, gdy Niemcy zaanektowały Austrię, twórcy musicalu i filmu znaleźli w Marii prawdziwą bohaterkę muzyczną. Muzyka określała jej duszę. Jej terapeutyczna moc daje jej radość i sens. Daje też niemal dosłownie życie rodzinie, do której trafia i którą scala.
Scena, w której Maria szyje dzieciom ubrania do zabawy z firanek, została żywcem zerżnięta z Przeminęło z wiatrem, gdzie Scarlett robi suknię z zasłon w Tarze.
Dame Julie Andrews niemal odrzuciła rolę Marii von Trapp, obawiając się, że postać jest zbyt podobna do jej roli w Mary Poppins (1964).
Choć większość tekstów i muzyki w tym musicalu jest znakomita, krytycy zgodnie uznają, że „LA, a note to follow SO” jest dość słabe. Bardzo ogólnikowe. Cała piosenka mogłaby taka być: „DO the first note in the scale, RE a note to follow DO, MI a note to follow RE” i tak dalej. Autor Douglas Adams zauważył w swoim artykule „Unfinished Business of the Century”, że choć każdy wers piosenki bierze nazwę nuty ze skali solmizacyjnej i podaje jej znaczenie, „La, a note to follow So...” nie pasuje do tego schematu i należy go uznać za zapchajdziurę. Adams z humorem wyobrażał sobie, że Oscar Hammerstein II po prostu napisał „a note to follow So” i pomyślał, że później na to jeszcze spojrzy, ale nie wymyślił nic lepszego.
„LA! To po francusku »the« i »there«” byłoby dobrym zamiennikiem wersu „LA! A note to follow so!”.
Podczas kręcenia słynnej piosenki „Do-Re-Mi” scena, w której Maria i dzieci von Trappów śpiewają i tańczą po Salzburgu, była w rzeczywistości nagrywana w zimny i deszczowy dzień. Aby podtrzymać dobry humor dzieci i uchwycić ich szczery śmiech i uśmiechy, reżyser Robert Wise kazał grupie mężczyzn poza kadrem rzucać w nie śnieżkami między ujęciami. Nieoczekiwane bitwy na śnieżki pomogły stworzyć radosną i żywą atmosferę widoczną w finalnej scenie.
Charmian Carr, która niestety zmarła 17 września 2016 roku, była babcią i napisała dwie książki o swoich doświadczeniach z kręcenia tego filmu. Została też cenioną projektantką wnętrz — kiedyś stworzyła atrapę sklepu ze słodyczami dla Michaela Jacksona. Gdy przyszła na casting do tego filmu, pracowała na część etatu dla lekarza, a Robert Wise namówił ją, by zmieniła nazwisko z Farnon na Carr.
Gdy Maria w „I Have Confidence” biegnie przez dziedziniec do domu von Trappów, potyka się. To był przypadek. Producent i reżyser Robert Wise tak mu się jednak spodobał, że zostawił go w filmie. Uznał, że dodaje nerwowości piosence i postaci.
W 1960 roku „Dźwięki muzyki” i „Fiorello!” ex aequo zdobyły Tony dla najlepszego musicalu. Był to trzeci z 10 remisów w historii nagród Tony. To jednak jedyny remis w którejkolwiek z kategorii najlepszego przedstawienia: musicalu, sztuki, wznowienia musicalu lub wznowienia sztuki.
Jeden z 11 amerykańskich musicali nagrodzonych Oscarem dla najlepszego filmu. Pozostałe to The Broadway Melody (1929), The Great Ziegfeld (1936), Going My Way (1944), Amerykanin w Paryżu (1951), Gigi (1958), West Side Story (1961), My Fair Lady (1964), Oliver! (1968), Amadeusz (1984) i Chicago (2002).
W filmie wystąpiło 4500 statystów.
Pożegnanie baronowej (Eleanor Parker) z kapitanem von Trappem (Christopher Plummer) jest bardzo podobne do jej sceny pożegnania w Scaramouche (1952).
Christopher Plummer nauczył się grać na gitarze do swojej roli, ale gitara (podobnie jak jego wokal) została podłożona w postprodukcji.
Christopher Plummer wyjątkowo nie znosił pracy nad tym filmem. Miał nazywać go „The Sound of Mucus” albo „S&M” i porównywał pracę z Dame Julie Andrews do „codziennego dostawania w głowę wielką kartką walentynkową”. Mimo to pozostali bliskimi przyjaciółmi aż do jego śmierci. Andrews twierdziła, że cynizm Plummera prawdopodobnie pomógł jego kreacji i temu filmowi, chroniąc go przed nadmiernym sentymentalizmem.
Doris Day podobno zaproponowano rolę Marii von Trapp, ale ją odrzuciła.
Christopher Plummer nie był zachwycony tym filmem. Nazywał go „The Sound of Mucus” i twierdził, że piosenka „Edelweiss” jest „cukierkowa”.

Ciekawostki ze spoilerami

Pokaż spoiler
W sztuce, na której oparto film, Rolfe odkrywa ukrywających się von Trappów na cmentarzu przy opactwie, ale woła do dowódcy, że nikogo tam nie ma, pozwalając rodzinie uciec i dotrzymując obietnicy złożonej Liesl (w piosence „Sixteen Going on Seventeen”), że się nią zaopiekuje. Scenarzysta Ernest Lehman przerobił odkrycie von Trappów przez Rolfa w bodaj najmroczniejszy epizod filmu: Daniel Truhitte jako Rolfe, mimo nawoływań Christophera Plummera w roli kapitana („nigdy nie będziesz jednym z nich [nazistów]”), zdradza von Trappów. Choć to jego ostatnia scena w filmie, scena na cmentarzu — jedyna tak intensywnie dramatyczna scena Daniela Truhitte’a — była pierwszą, którą Truhitte nakręcił do „Dźwięków muzyki”.
Pokaż spoiler
Gdy Maria i kapitan są w altanie, Dame Julie Andrews nie mogła przestać się śmiać z powodu potężnych górnych lamp łukowych Klieg, które — jak to ujęła — wydawały dźwięk „prychania” za każdym razem, gdy pochylała się, by pocałować Plummera. Po ponad 20 ujęciach scenę zmieniono tak, by oboje byli w sylwetce i by ukryć chichot Andrews.
Pokaż spoiler
Aby umożliwić rodzinie Von Trappów ucieczkę mimo zdrady Rolfa, scenarzysta Ernest Lehman jeszcze bardziej zmienił pierwowzór sceniczny, każąc sabotować pojazd nazistów: w jednej z najzabawniejszych scen filmu siostry Margaretta i Berthe (Anna Lee i Portia Nelson) wyznają przeoryszy Peggy Wood, że zgrzeszyły, i pokazują ukryte w habitach przewód i cewkę.
Pokaż spoiler
W ostatnim ujęciu, gdy rodzina wspina się na wzgórza ku bezpieczeństwu, na ramionach kapitana Von Trappa nie siedzi wcale Kym Karath jako Gretl. W wersji na DVD ujawniono, że podczas pobytu w Austrii Kym Karath sporo przybrała na wadze. To jedno z ostatnich kręconych ujęć, więc była najwyraźniej zbyt ciężka, by nieść ją na plecach Christophera Plummera. Plummer poprosił o dublera i to właśnie on jest widoczny na jego plecach.
Pokaż spoiler
Nazajutrz po wyjeździe rodziny Von Trappów z Austrii (pociągiem do Włoch, a nie pieszo przez góry do Szwajcarii, jak pokazuje film) Adolf Hitler rozkazał zamknąć granice Austrii.