Pacific Rim: 60 Fakten hinter den Kulissen

Ron Perlman behielt die Schuhe, die er in diesem Film trug. Später ließ seine Frau sie einschmelzen und sich daraus ein Paar High Heels machen.
Raiju (Kategorie 4) ist die gepanzerte Kreatur mit dem dreiteiligen Kopfpanzer, der aufklappt und den eigentlichen, fohlenartigen Kopf des Monsters freigibt. Inspiriert wurde sie vor allem von Reptilien (allen voran Leguane), und sie war als Wasserwesen angelegt. „Seine Füße wurden gebeugt modelliert“, sagte del Toro, „damit ist er nicht zum Gehen [auf zwei Beinen] gedacht. Ich habe den Designern immer gesagt, sie sollen den Körper horizontal denken, damit er sich wie ein riesiger Leguan bewegen kann.“ Raiju, dessen anderer Spitzname ‚Croc‘ war, wurde von Francisco Ruiz Velasco entworfen, der dem Monster das Aussehen eines Krokodils in Kombination mit den Panzerplatten eines Pangolins gab.
Otachis Schwanz war ursprünglich ein Merkmal eines ganz anderen Kaiju namens „Meathead“, der aus dem Film gestrichen wurde.
Die Kaiju wurden im Kern als „lebende Waffen“ beschrieben: „Sie sind blinder Instinkt gepaart mit taktischer Intelligenz und in der Lage, im Kampf blitzschnell Entscheidungen zu treffen.“ Alle Entwürfe folgten gemeinsamen Grundregeln. Als ‚lebende Waffen‘ sind sie ‚neu gefertigt‘ und weisen keinerlei Deformationen auf. „Jedes Element sollte als Waffe dienen“, sagte del Toro. „Wenn wir einen Kaiju mit drei oder vier Schwänzen erschaffen, will ich sehen, wie er sie einsetzt. Hat der Kaiju ein Maul am Schwanzende, dann setze ich es ein, um mit beiden Enden gegen den Roboter zu kämpfen.“
Laut Travis Beacham sprachen Mako und Raleigh in einer früheren Drehbuchfassung den Großteil des Films zwei verschiedene Sprachen. Nachdem sie sich als Piloten verbunden hatten, begannen sie langsam, einander zu verstehen, und gegen Ende hörten sie einander jeweils in ihrer eigenen Sprache sprechen. Die einzige Erinnerung an die Sprachbarriere ist die Szene, in der Raleigh Japanisch mit Mako spricht und sie überrascht ist, dass er ihre Heimatsprache kennt.
Leatherback (Kategorie 4) ist das gorillaähnliche Monster, das zusammen mit Otachi Hongkong angreift, und die Kreatur des Films, zu der del Toro die stärkste Beziehung hat. „Er spricht mich auf einer ganz instinktiven Ebene an“, sagte der Regisseur. „Er ist absolut brutal, aber ich finde ihn irgendwie niedlich.“ Leatherbacks Haut ist gepanzert, und ein spezielles Organ auf seinem Rücken erzeugt das biologische Gegenstück zu einem elektromagnetischen Impuls (EMP). Die beiden Wülste auf seinem Kopf verschieben sich und geben ein zuckendes Bündel biolumineszenter Tentakel im Hinterkopf frei, die sich bei Stress der Kreatur schneller bewegen. Leatherback wurde von David Meng entworfen, laut del Toro „einem der besten Monsterdesigner der Welt“. Meng fertigte auch die Maquette der Kreatur. Nach langem Brainstorming mit dem Regisseur „landeten wir bei so etwas wie einem Gorilla, was immer Spaß macht zu animieren“. Del Toro ergänzte: „Ein Design muss vor allem eine klare, unverwechselbare Silhouette haben und dann eine Persönlichkeit, die es einzigartig macht. Leatherback wurde mit allem davon geboren.“ Leatherback ist ein Grobian mit gewaltigen, kräftigen Armen. Del Toro sagte über das Wesen des Monsters: „Wir wollten, dass er sich wie ein Türsteher anfühlt, wie ein reiner, muskelbepackter Rammbock – seine Angriffe sind daher sehr affenartig. Die Fäuste werden wie Streitkolben eingesetzt. Er springt auf Schultern und Oberkörper eines Gegners und prügelt auf ihn ein.“ Die Geräusche, die Leatherback macht, wurden laut Supervising Sound Editor Scott Gershin gezielt als die einschüchterndsten aller Monster angelegt: „Leatherback hat viel Präsenz im Tieftonbereich. Ich wollte ihn nicht unbedingt laut, aber intensiv. Wenn man ihn hört, ist der erste Gedanke: ‚Ach, Scheiße, das ist nicht gut.‘“
Guillermo del Toro ist ein großer Fan von It's Always Sunny in Philadelphia (2005) und bot Charlie Day eine Rolle in diesem Film an – im Gegenzug für einen Gastauftritt in der Serie. Er trat als Pappy McPoyle in The Maureen Ponderosa Wedding Massacre (2012) und McPoyle vs. Ponderosa: The Trial of the Century (2016) auf.
Einer der Art Directors sagte, es sei das erste Mal gewesen, dass ein Set mit Gabelstaplern und Presslufthämmern aufgebaut wurde. Ein Großteil des Sets besteht aus echten Materialien, anders als bei den meisten Sets.
Charlie Days Figur Dr. Newt spricht davon, dass die Kaijus ein zweites Gehirn haben, ähnlich wie Dinosaurier. Diese Dinosaurier-Theorie wurde noch bis in die 1990er-Jahre gelehrt, ist inzwischen aber von der Wissenschaft widerlegt. Außerdem wurde nur bei wenigen Dinosauriern wie dem Stegosaurus ein zweites Gehirn vermutet, weil ihr Schädel bzw. Gehirn im Verhältnis zum Körper so klein war. Die meisten Kaiju in diesem Film hatten große Köpfe, weshalb diese Hypothese aus mehreren Gründen nicht passt.
Im März 2013 erstellte der YouTube-Kanal „Dumb Drum“ eine „geswedete“ Version des Kinotrailers. Weniger als zwei Wochen später äußerte sich Guillermo del Toro auf der WonderCon 2013 zu dem Video, nannte es ein „Meisterwerk“ und sagte, es habe ihn dazu inspiriert, den zweiten Trailer des Films zu erstellen. Außerdem lud er die Filmemacher zur Hollywood-Premiere ein. Als der Film auf Heimvideo erschien, wandte sich Legendary Pictures an „Dumb Drum“ und bat um Hilfe bei der Bewerbung der Veröffentlichung. Im Oktober 2013 veröffentlichten sie mehrere „geswedete“ Versionen von Szenen des Films. Diese neuen Videos waren auf 15-Sekunden-Intervalle zugeschnitten, um sie in sozialen Netzwerken zu teilen.
Gipsy Danger ist so lackiert und gestaltet, dass sie einem Jagdflugzeug aus dem Zweiten Weltkrieg ähnelt. Auf der Brust trägt sie Nose Art.
Auf die Frage, warum die Piloten einander zurufen, obwohl sie telepathisch verbunden sind, sagte Travis Beacham, das helfe ihnen, konzentriert zu bleiben.
Das Baby-Kaiju, das in Hongkong entdeckt wird, ist der Nachwuchs von Otachi – und sein Design wurde entsprechend von dem des Elternteils abgeleitet. Das Baby ist das Element des Films, das Guillermo del Toros surrealistischen Stil am deutlichsten verkörpert: „Wenn man sich ein Monster als gewaltige Sache vorstellt, kann man ihm einen Moment geben, in dem es neugierig und reizvoll und irgendwie süß ist. Surrealismus entsteht aus der Gegenüberstellung. Das Dali-Telefon mit dem Hummer obendrauf. Das Element, das nicht funktioniert, ist das Element, das die Sache zum Funktionieren bringt.“ Die Kreatur wurde mit einem ‚Welpen-Effekt‘ angelegt und bekam große Augen und einen proportional sehr großen Kopf. „Es ist irgendwie süß und schrecklich“, ergänzte del Toro, „wir haben dem Baby zwei Eigenschaften gegeben, die es einzigartig und schön anzusehen machen – Transluzenz und Irisieren. Die Haut ist durchscheinend und perlmuttartig, aber auch runzlig wie bei einem Nacktmull [oder] wie bei einer ägyptischen Katze.“ Die Animation des Babywesens erwies sich laut Hickel als besonders komplex: „Unordentlich ist manchmal das Schwierigste – weil es keine glücklichen Zufälle gibt. Der Animator entscheidet jede Bewegung, jedes kleine Zappeln und Wippen.“
VFX-Supervisor John Knoll und Regisseur Guillermo del Toro verbrachten mehrere Wochen damit, die Physik der riesigen Figuren zu besprechen, und gingen dabei ins kleinste Detail – etwa wie die Luftverdrängung eines Jaegers, der zwischen Wolkenkratzern hindurchläuft, die Fenster der Gebäude erzittern lassen würde.
Obwohl die riesigen Monster von Anfang an computeranimiert sein sollten, wurden alle ihre Entwürfe von der Vorstellung ausgeweitet, dass man sie „wie Anzüge tragen“ könnte, wie in traditionellen Kaiju-Filmen.
(Bei etwa 55 Minuten) Ein auffälliges Straßenschild in Hongkong weist die Kreuzung von „Tull Street“ und „Fong Street“ aus. Thomas Tull ist der Präsident von Legendary Pictures (die den Film finanzierten), und Henry Fong ist einer der Concept Artists des Films.
Regisseur Guillermo del Toro ließ sich von den Animes und Tokusatsu seiner Jugend inspirieren. Als großen Einfluss nannte er ausdrücklich Tetsujin nijûhachi-go (1963). Trotzdem wollte er beim Design der Roboter und Monster Anspielungen auf andere fiktionale Werke vermeiden.
Auch die Kaiju werden von Parasiten „geplagt“, die auf den äußeren Hautschichten leben. Der praktische Bau der Kreaturen wurde Spectral Motion übertragen. Die Hautparasiten, liebevoll „Rollie-Pollies“ getauft, wurden von Mike Elizalde und Alex Palma entworfen. Inspiration für das Design – und den Namen – lieferten Asseln. Auch andere Krebstiere dienten als Referenz für Textur und Farbgebung. Die Parasiten wurden als lebensgroße Animatronics gebaut – modelliert von Joey Orosco und Mario Torres, bemalt von Russ Lukich. Die Mechanik, die die arthropodenartige Bewegung ermöglichte, wurde von Mark Setrakian erdacht und gebaut. Digitale Versionen der Parasiten sind im Film auf der Haut von Leatherback und anderen Kaiju zu sehen.
Eine lebensgroße Version des Roboter-Cockpits wurde in einer Halle der Pinewood Studios in Toronto, Kanada, gebaut. Es wog rund 20 Tonnen und war fast vier Stockwerke hoch. Es stand auf einem gigantischen hydraulischen Gimbal, der das gesamte Set bewegte, schüttelte, vibrieren, absacken und wanken ließ, als würde es tatsächlich gesteuert. Eine kleinere Version mit kleinerem Gimbal ermöglichte zusätzliche Bewegungen. Das VFX-Team nutzte einige Aufnahmen des Conn-Pods als Referenz für die Animation der Roboter. Das Set wurde zudem umgebaut, um das Innere jedes Roboters unterschiedlich darzustellen.
Gleich zu Beginn, bevor sie sich dem Kaiju Knifehead stellt, führt Gipsy Danger ihren „neuronalen Handschlag“ aus und legt danach langsam die Hände zusammen, als würde sie beten (mit ausgestellten Ellbogen), wobei ihre linke Hand geschlossen ist und die rechte sie bedeckt. Dies ist ein jahrhundertealter Gruß in den Kampfkünsten zwischen Gleichgestellten und Kämpfern und ein Zeichen gegenseitigen Respekts (insbesondere in chinesischen Stilen wie Wushu, Shaolin und Wing Chun wird dieser Gruß verwendet). Die geschlossene Faust steht für die Kampfbereitschaft, und das Bedecken der Faust gleicht dem Schwert, das bis zum Kampf in der Scheide bleibt. Diese Geste ist auch ein Zeichen von Disziplin und Zurückhaltung (vor dem Missbrauch der eigenen Kraft) und zeigt, dass ohne Provokation keine Bedrohung besteht und friedliche Absichten herrschen.
Das erste Monsterdesign, das in der Vorproduktion abgesegnet wurde, war Knifehead (Kategorie 3), erdacht von Wayne Barlowe. Die Kreatur soll laut dem Regisseur an einen riesigen Hai erinnern: „Es ist, als würde man einen Hai nehmen und seine Schnauze so weit nach vorn ziehen, bis sein Kopf diese sehr scharfe, spitze, klingenartige Form annimmt statt des stumpfen Dreiecks, das ein Hai normalerweise hat.“ Das Design von Knifehead geriet am Ende optisch in die Nähe von Guiron, einem der Gegner, gegen die Gamera in Gamera Vs. Guiron kämpft. Angeblich war das jedoch unbeabsichtigt. Del Toro erklärte gegenüber Ain't It Cool: „Das Komische war, dass Knifehead aus einer Silhouette von Wayne Barlowe entstand, und er hatte Guiron nie gesehen. Ich sagte zu ihm: ‚Mach einen Koboldhai daraus.‘ Er fing damit an, und für ihn ist es ohne Schuld; er kannte Guiron nie. Dann fingen wir an, darauf herumzuspinnen, und wir schufen Axehead und Bladehead.“ Nach der Fertigstellung diente das digitale Modell tatsächlich auch als Basis für Axehead, Bladehead und Scunner – mit entscheidenden Unterschieden, aber derselben grundlegenden anatomischen Struktur.
Karloff ist ein Monster mit Ähnlichkeit zu Boris Karloff (daher der Name), dem Schauspieler, der in den klassischen Universal-Filmen die Frankenstein-Kreatur und die Mumie verkörperte. Guy Davis sagte: „[Die Spitznamen] begannen mit ‚Karloff‘ (und dieser Name blieb tatsächlich hängen), aber das lag nur daran, dass mich seine Kopfskizze an Boris Karloff erinnerte.“ Das Design weist tatsächlich eine vorspringende Stirnpartie (wie bei Frankenstein) und faltige Lippen (wie bei der Mumie) auf. Der Rücken kombiniert Merkmale von Grillen und Düsentriebwerken. Karloffs zweiter Mund auf der Brust erwies sich als „vage obszön“ (wegen seiner vaginalen Form), weshalb die Rolle der Kreatur im Film stark reduziert wurde; sie ist nur kurz im Prolog zu sehen.
Gipsy Danger ist nach dem Flugmotor „de Havilland Gipsy“ benannt. Das war als nostalgische Anspielung auf die Zeit des Zweiten Weltkriegs gedacht, die das Design des Roboters maßgeblich beeinflusste.
Der Sound für die Rufe der Kaiju bestand aus Schicht um Schicht von Tierlauten und Knurren, die gefiltert, beschleunigt und verlangsamt wurden, um das Brüllen außerirdischer Kolosse zu erzeugen. Um Emotion und den Eindruck von Intelligenz hinzuzufügen, mischten Supervising Sound Editor Scott Martin Gershin und Regisseur Guillermo del Toro dann Samples ihrer eigenen Stimmen bei.
(Bei etwa 1 Stunde 25 Minuten) Das Innere des Gebäudes, durch das Gipsys Faust bricht, wurde mit Miniaturen gebaut. Viele der Bestandteile der Bürokabinen entstanden mit 3-D-Druckern. Die Beleuchtung war praktisch und maßstabsgerecht. Als das Set fertig war, wurde ein großer grüner Dorn hindurchgerammt. Dieser wurde digital durch Gipsys Faust ersetzt.
Mehrere Länder bauten eigene Jaeger, darunter: die Vereinigten Staaten, Kanada, Australien, Japan, China, Russland, Singapur, Indien, die Philippinen, Dänemark, das Vereinigte Königreich, Irland, Neuseeland, Malaysia, Jamaika, Mexiko, Spanien, Peru, Argentinien und Chile.
Guillermo del Toro ließ sich von Gemälden inspirieren, darunter Francisco Goyas „Der Koloß“ und Hokusais „Die große Welle vor Kanagawa“.
Mana Ashida hatte verständlicherweise Schwierigkeiten, Guillermo del Toro auszusprechen. Mit ausdrücklicher Erlaubnis ihres Regisseurs durfte sie ihn „Totoro-san“ nennen.
Onibaba (deren Name auf den japanischen Horrorfilm von 1964 verweist) wurde als eine Art gepanzerter Panzer beschrieben, als „rennendes Monster“: „Wir wollten, dass Onibaba ein Typ ist, der einfach losrennt“, sagte del Toro. „Die Sequenz spielt in engen Straßen, also wollte ich, dass er rennt und die Gebäude zerstört, einfach indem er nicht anhält.“ Der Kaiju erwies sich letztlich als der am schwierigsten zu animierende, wegen der vielen beweglichen Teile und der vermeintlich bösartigen Intelligenz, die seiner Performance eingeflößt werden musste. Sein Maul besteht aus einem komplexen System sich verschiebender Platten. Hickel kommentierte: „Es war schwierig, weil diese Figur keine normalen Augen mit einer Pupille haben sollte, die man drehen und so eine klare, starke Blickrichtung erzielen konnte.“ Das Publikum musste verstehen, dass Onibaba gezielt Mako jagt. Hickel schlug vor, die Augen der Kreatur auf Stielen zu platzieren, deren Bewegung zeigen würde, wohin sie blickt. „Es wirkt immer noch krabbenartig“, sagte Hickel, „und sogar ein bisschen außerirdisch, wie Krebse im Allgemeinen, aber es hat eindeutig Absicht und Intelligenz, und es blickt sie mit seinen Augen an.“ Letztlich weist das finale Onibaba-Design jedoch starre knöcherne Fortsätze auf, die die Augen beherbergen, statt Stielen. In die Kreatur flossen zudem Elemente antiker japanischer Architektur ein: „Es hat dieses ornamentale Element, das wie ein japanischer Tempel aussieht“, sagte del Toro zu USAtoday, „und gleichzeitig ist er ein Krebstier.“
Zwei Monster kommen aus der Bresche und greifen Hongkong an. Otachi (Kategorie 4) heißt die fliegende Kreatur mit dem reptilienartigen Kopf und den zwei klingenartigen Kämmen. „Wir haben das Gesicht so gestaltet, dass es richtig, richtig böse ist“, sagte del Toro. „In seinen Augen liegt eine Art böse Intelligenz.“ Otachi wurde vor allem von Guy Davis entworfen, der seine ersten Skizzen der Kreatur auf eine kriechende Fledermaus stützte. Die Auswüchse am Kopf der Kreatur waren vom Schädel eines Brontotheriums inspiriert. Frühe Versionen des Monsters hatten Sehnen am Kiefer sowie mehrere Augen an den Kopfseiten und eine hammerförmige Schwanzspitze.
Einige Designs entstanden aus frühen Versionen anderer Figuren. Hardship ist ein Kaiju, der im Prolog kurz zu sehen ist und einen markanten Auswuchs am Unterkiefer hat. Erst brüllt er an der Kamera vorbei, dann kämpft er in einer Nachtsicht-Aufnahme gegen einen Jaeger. Entworfen von Simon Webber, war er ursprünglich als das Monster gedacht, das Sydney angreift und mit seinem gewaltigen klingenartigen Horn die Anti-Kaiju-Mauer durchbricht; letztlich entwickelte sich das Design jedoch eigenständig weiter und erhielt den Spitznamen Bowser – bevor es seinen Namen im Film bekam.
Für Regisseur Guillermo del Toro und Kameramann Guillermo Navarro war dies die erste Erfahrung mit Digitalkameras. Navarro kaufte eigens für den Film sieben Red-Epic-Kameras und nutzte seine eigenen Objektive, da er lieber mit eigener Kameraausrüstung dreht, statt sie zu mieten.
Um ein möglichst großes Publikum zu erreichen, galt außerdem die Regel, dass es trotz der Brutalität der Kämpfe nicht viel Blut und Gemetzel geben durfte. Die Lösung: Das Blut der Monster wurde in einem blauen, biolumineszierenden Ton eingefärbt. Das wiederum brachte die Designer auf die Idee eines Blutrückstands, der sich wie Schimmel ausbreitet und „Kaiju-Blau“ heißt. Damit wurde ein Set gebaut, in dem – ganz nach del Toros Wunsch – für die Szene mit dem Kaiju-Baby alles in Blau und Gold getaucht war. Kostümbildnerin Kate Hawley schickte Produktionsdesigner Andrew Neskoromny ein Foto einer asiatischen Fabrik, das das Färben von Indigo-Stoff zeigte. Neskoromny sagte: „Alles bekommt Flecken: die Kleidung der Leute, ihre Finger, ihre Nägel, einfach alles. Ich sagte: ‚Oh ja, das sieht großartig aus. Davon müssen wir etwas einbauen.‘“ Hawley führte das Konzept weiter aus: „Die Idee ist, dass das blaue Blut in die Körper der Menschen gelangt ist; und man sieht kleine blaue Spuren durch ihre Atemmasken schimmern, wie ein subtiles Gift.“
Scunner (Kategorie 4) wurde von Simon Webber entworfen und im Grunde als „ein Bullenmonster“ konzipiert. Im Kampf gegen Gipsy Danger gibt es Einstellungen, die an ein Rodeo erinnern, und Scunners Verhalten orientiert sich an dem von Bullen: Er rammt seinen Gegner und versucht, seine Hörner als Schlitz- und Durchbohrwaffen einzusetzen. Der Grundkörper des Monsters entspricht dem von Axehead und Knifehead, hat aber anders texturierte Schultern. Zudem tragen die Hauptarme drei maulwurfartige Krallen.
Der letzte und furchterregendste Gegner, dem sich Gipsy Danger im Film stellt, heißt Slattern – der erste Kaiju der Kategorie 5. Er soll mehr sein, als die Jaeger je zu bekämpfen gerüstet waren. Del Toro sagte über die Figur: „Ich wollte unbedingt, dass der letzte Kaiju der Teufel ist. Ich habe diesen Moment in Fantasia immer sehr geliebt, wenn Chernabog in Night on Bald Mountain seine Flügel ausbreitet.“ Das Monster sollte eine majestätische Ausstrahlung haben, inspiriert von Dragonslayer (worauf angespielt wird, als das Monster die Szene betritt). „Ich führe es fast wie ein Gebäude ein, das aus dem Wasser kommt“, sagte del Toro. „Es ist wirklich, wirklich ziemlich gigantisch.“ Slattern wurde ursprünglich von Guy Davis entworfen, der ihn „Executioner“ taufte. „Meine erste Idee war, dass Slattern zwar ein Henker sein würde“, schrieb Davis auf seinem Tumblr-Blog, „aber agiler als ein Grobian; schnell und wie ein Muränenaal im Wasser und fast gremlinartig, indem er mit den vielen Brustarmen die Jaeger im Kampf auseinandernimmt.“ Del Toro sagte: „Ich wollte, dass er aus den Tiefen des Ozeans kommt und sein Kopf keine Hörner hat, aber an sie erinnert. Er hat eine richtig gemeine Intelligenz. Er ist der einzige Kaiju, dessen Kopf wie eine echte Krone aussieht, daher hat er Majestät. Ich wollte unbedingt, dass er eindeutig der König der Kaiju ist.“ Davis ergänzte: „Sein Kopfdesign sollte unterschwellig das Gefühl eines ‚Totenkopfs mit gekreuzten Knochen‘ vermitteln, wobei die Form des Unterkiefers die oberen Hörner spiegelt und seine Augen in der Mitte wie ein Gesicht gebündelt sind. Guillermo gefiel die erste Form und Idee, aber er wollte die Augen an die Seiten verlegt haben, was großartig funktionierte, denn nun konnte die mittlere Stelle einer Nasenhöhle im Skelett ähneln und dem Kopf eine Hammerhai-Form geben. Ich fand auch, dass es ihm mehr Persönlichkeit verlieh und ihn ein bisschen wie eine Monster-Karikatur von Jack Palance aussehen ließ.“
Jedes Monsterdesign in Arbeit bekam einen Kosenamen – das half den Designern, die Kreaturen als echte Figuren zu sehen. Laut Davis war es „einfach eine Möglichkeit, dem Kaiju schnell eine Identität zu geben, wenn wir ihn erwähnen oder das Design finden mussten“. Die Kreaturen mussten nämlich ‚Schauspieler‘ sein und entsprechend eine Bandbreite an Emotionen zeigen können. „Wenn man einen Löwen in Ruhe sieht“, sagte del Toro, „wirkt der Löwe majestätisch, edel, schön. Aber wenn dieser Löwe auf einem drauf ist und einen gleich beißen will, dann sieht er so aus [macht ein knurrendes Gesicht]. Überhaupt nicht angenehm. Und doch ist es dasselbe Tier.“ Als Hommage an die japanischen Kultfilme sollte jedes Monster so entworfen werden, als müsste es von einem Mann im Kostüm gespielt werden. „Eine der Regeln, die ich den Kaiju-Designern gab“, sagte del Toro in einem Featurette, „war, dass ich mir überlegen wollte, wie ein Mann im Kostüm da hineinpassen würde. Die Kaiju versuchen, den Geist und das Gefühl der klassischen Kaiju zu ehren. Wir halten sie überwiegend zweibeinig, nicht humanoid, aber mit einer Silhouette, die an die klassischen erinnert.“
Reckoner heißt ein Kaiju, dessen Überreste als Grundlage für den Bau eines Tempels dienten, in dem ein ‚Kaiju-Kult‘ untergebracht war. Das hängt laut Guillermo del Toro direkt mit Hannibals Schwarzmarkt zusammen – er sagte, „der Tempel und die Schwarzmarkt-Rede von Hannibal zeigen die religiösen und gesellschaftlichen Veränderungen, die die Kaiju in der Gesellschaft bewirkt haben“. Reckoner ist im ganzen Film nie lebend zu sehen und war damit das einzige Monster, das buchstäblich als physisches Set gebaut wurde. Produktionsdesigner Andrew Neskoromny sagte: „Es hat etwas von traditioneller chinesischer Tempelarchitektur, kombiniert mit Knochen. Es ist, als hätten sie den Knochen genommen, ihn ausgehöhlt und eine Treppe hindurchgeführt, sodass die Knochenteile an seiner Seite entlanglaufen.“
Drehbuchautor Travis Beacham kam die Idee zum Film, als er an einem nebligen Morgen an der kalifornischen Küste entlangging. Die Form des Piers sah aus wie eine Kreatur, die aus dem Wasser steigt, und er stellte sich einen großen Roboter vor, der am Ufer wartet, um sie zu bekämpfen.
Das erste Monster, das das Publikum zu sehen bekommt, ist Axehead, auch Trespasser genannt – der erste Kaiju, der die Bresche durchquert. Die Kreatur ist nur im Prolog des Films zu sehen und ist merkwürdigerweise der letzte Kaiju, der zu hören ist: Sein Brüllen erklingt ganz am Ende des Abspanns. Axeheads eigentliche Aufgabe im Film ist es, dem Publikum den Designstil vorzustellen, den die Zuschauer im ganzen Film sehen werden. Wenn er brüllt, ist aus seiner Mundhöhle ein orangefarbenes, biolumineszierendes Leuchten zu sehen. „Das zieht sich durch alle Kaiju im Film“, sagte Hickel. „Eine Art inneres Biolumineszieren. Und viele von ihnen haben auch biolumineszierende Muster auf der Haut.“ Die Kreatur greift die Golden Gate Bridge an – eine Zerstörung eines Wahrzeichens, die Hickel zunächst vermeiden wollte. Letztlich aber „etabliert es Guillermos Design-Handschrift und das Einzigartige an seiner Vision für diesen Film: diese großen, hervorstehenden axtförmigen Kämme am Kopf, die Farbgebung der Kreatur und die Biolumineszenz. All das ist eigenständiger und weniger erwartbar, und so gibt es dem Publikum hoffentlich beides: Ja, der Film wird das zeigen, wofür sie gekommen sind – Monster in Godzilla-Größe, die Verwüstung anrichten – und doch wird es nicht Godzilla sein; es werden Monster sein, die sie noch nie gesehen haben und die anders aussehen, als sie erwarten.“ Das digitale Modell von Axehead entstand auf Basis von Knifehead, das angepasst wurde, um den namensgebenden axtförmigen Kamm am Kopf unterzubringen, sowie andersartige – stärker ausgeprägte – Krallen an den Armen und weitere kosmetische Unterschiede.
Der Film ist dem Andenken der „Monster-Meister“ Ray Harryhausen, Stop-Motion-Animator für Filme wie Die siebente Reise des Sindbad (1958), und Ishirō Honda gewidmet, dem Regisseur von Godzilla (1954) und vielen weiteren Kaiju-Filmen. Honda wurde am 7. Mai 1911 geboren. Harryhausen starb am 7. Mai 2013.
In Ungarn durften die Trailer zum Film den Namen des Hauptroboters Gipsy Danger nicht nennen, weil er für die Roma, eine große Volksgruppe des Landes, beleidigend war. In der ungarischen Synchronfassung wird der Name frei ausgesprochen, bleibt aber auf Englisch. Er bezieht sich auf einen Flugzeugmotorentyp, nicht auf die betreffende Bevölkerungsgruppe.
Dies ist die erste Zusammenarbeit von Guillermo del Toro mit den digitalen Effektveteranen von Industrial Light & Magic. Mit Ausnahme von Reckoners Knochen und einigen Kaiju-Organen sowie Teilen von Otachis Kadaver wurde jeder Kaiju des Films ausschließlich mit computergenerierten Modellen auf die Leinwand gebracht. Diese Modelle entstanden aus Scans physischer Maquetten, die alle von Simon Lee und David Meng modelliert und von Casey Love bemalt wurden. Obwohl es die Möglichkeit gab, allgemeine Muskelsysteme für die Kreaturen zu verwenden, entschieden sich die Visual-Effects-Künstler dagegen. „Wir haben uns dagegen entschieden, weil die Kaiju so radikal unterschiedlich waren“, sagte Effektanimator Hal Hickel gegenüber fxguide. „Es schien uns nicht wirtschaftlich, für die Produktion ein übergreifendes Muskelsystem aufzusetzen, weil es sich offenbar nicht von einem zum nächsten übertragen ließ. Ich dachte, wir brauchen nicht jede Menge Muskeldetails, wir brauchen große Massen, die in den entscheidenden Momenten bestimmte Dinge tun – für mich hieß das: Formen.“
Jedes Monster musste außerdem ein „verborgenes Merkmal“ zeigen, das das Publikum „überraschen“ sollte, damit sich die Zuschauer nie wirklich an die Figur „gewöhnen“. Biolumineszenz sollte ein gemeinsames Merkmal sein: So konnten die Schöpfer der Kaiju jedes Modell verfolgen und wiedererkennen. Zur gewaltigen Größe der Kreaturen sagte Barlowe: „Vor einer Weile, als ich kurz in der Welt der Paläokunst arbeitete, las ich ein Buch, das sich genau mit diesem Thema befasste. Das Fazit war, dass es angesichts der Schwerkraft unseres Planeten natürlich strukturelle Grenzen für die Größe gibt, die Tiere erreichen können. Wie Sie angedeutet haben, würden die biomechanischen Gegebenheiten es einfach nicht zulassen, dass eine Kreatur die Größen erreicht, die in Pacific Rim dargestellt werden. Die Knochenproportionen wären absurd. Es ist ein bisschen wie bei der Darstellung von Engeln, die eine menschengroße Masse tragen: Die Flügel müssten ungefähr 30 bis 40 Fuß von Spitze zu Spitze messen oder so ähnlich. Im Film nicht praktikabel. In diesem Fall sind die Kaiju nicht von dieser Welt, und so können wir bewusst unsere Skepsis beiseiteschieben und uns zurücklehnen und die Fahrt genießen.“
Der Computer wird von Ellen McLain gesprochen, die auch GLaDOS ihre Stimme lieh, die KI aus Portal (2007) und Portal 2 (2011). Tatsächlich handelt es sich um einen Cameo-Auftritt von GLaDOS, denn Guillermo del Toro war ein so großer Fan der Spiele, dass er sich an die Entwickler von Valve wandte, die zustimmten. Del Toro sagte in einem Interview für die Toronto Sun: „Ich wollte sie unbedingt haben, weil ich ein großer Portal-Fan bin. Aber nur als Augenzwinkern. Sie ist nicht auf Kuchen fixiert. Sie will nicht die Menschheit vernichten.“ Weiter erklärte er: „Schauen Sie, es gibt keine KI, die ich lieber hätte als GLaDOS, aber McLains Stimme im Film, der am 12. Juli in die Kinos kommt, wurde ein wenig moduliert, um dem unverwechselbaren Ton von Portals unvergesslichem Gegenspieler weniger ähnlich zu sein. Der Filter, den wir verwenden, ist etwas weniger GLaDOS. Etwas. Im Trailer wollte ich sie voll und ganz als GLaDOS.“ Die GLaDOS-Stimme selbst ist vom Computer in The Thirteenth Floor (1999) inspiriert.
Das Set wurde als unzerstörtes Hongkong gebaut, dann zerstört und für einen anderen Schauplatz nach der Monsterschlacht umgestaltet. Das Hongkong-Set diente als vier verschiedene Straßen und Kulissen, wobei Platzierung und Ausstattung der Elemente jedes Mal verändert wurden.
Die Hauptwaffe des Monsters ist die Gruppe peitschenartiger Tentakelschwänze. Die Animatoren sollten die Bewegungen an Kung-Fu-Meistern mit magischen Stöcken orientieren. Hal Hickel sagte: „[Del Toro] wollte ein ähnliches Gefühl dafür, wie Slattern seine Schwänze im Wasser kreisförmig herumwirbelt. Man weiß nicht recht, was er damit tut, und plötzlich können sie herausschlagen und zustoßen.“ Das endgültige Design bekam krokodilartige Schuppen sowie eine Krokodil-Farbgebung und einen eigentümlichen, widderartigen Vorsprung an der Brust – von Barlowe hinzugefügt –, der als Nahkampfwaffe dienen kann, im Film aber nie wirkungsvoll zum Einsatz kommt.
Ron Perlmans Figur Hannibal Chau könnte nach James Hongs Figur Hannibal Chew in Blade Runner (1982) benannt sein, da Guillermo del Toro den Film als große Inspiration für sich als Regisseur bezeichnet hat.
Striker Eureka, der weiße australische Jaeger, war ursprünglich als „Held-Jaeger“ des Films vorgesehen, doch Guillermo del Toro fand sein Aussehen „zu kalt“ und „arrogant“.
Zu Beginn des laufenden Abspanns gibt es direkt nach den Karten der Hauptdarsteller eine Bonus-Szene mit Ron Perlman.
Cherno Alpha ist vermutlich nach Tschernobyl benannt, der Kleinstadt in der Ukraine, in der im April 1986 ein Reaktor des Kernkraftwerks schmolz, als die Ukraine noch zur Sowjetunion gehörte. Chernos Kopf ähnelt einem hohen Kühlturm, obwohl die Reaktoren von Tschernobyl keinen solchen Kühlturmtyp haben.
(Bei etwa 1 Stunde 25 Minuten) Als Gipsy Danger in Hongkong gegen den zweiten Kaiju kämpft, schlägt sie durch ein Gebäude und löst eine Reihe von Newton-Kugeln beziehungsweise ein Newton-Pendel aus. Der Wissenschaftler, den der Kaiju verfolgt, heißt Dr. Newton Geiszler.
Die Jaeger sind ein fester Bestandteil des japanischen Anime, wo sie oft Mecha genannt werden. Wie in vielen Mecha-Anime-Serien werden die Jaeger von menschlichen Piloten von innen gesteuert, was sie von anderen Darstellungen von Robotern unterscheidet, die automatisiert, eigenständig denkend oder von außen gesteuert sind.
Guillermo del Toro drehte den Film nicht mit Blick auf 3D und war zunächst gegen eine Umwandlung in dieses Format, als das Studio sie vorschlug. Er stimmte nur unter vier Bedingungen zu: dass die Größenverhältnisse der Kaiju und Jaeger in 3D erhalten bleiben, ohne den Effekt zu überbetonen und die Kreaturen zu verkleinern; dass die Konvertierung einen großzügigen Zeitplan von 40 Wochen erhält, um ihre Qualität zu sichern; dass die CGI-Elemente nativ in Stereo-3D gerendert werden; und dass er den Konvertierungsprozess beaufsichtigen darf.
Die Figur Mako Mori ist deutlich jünger als Stacker „Marschall“ Pentecost. Im echten Leben ist Rinko Kikuchi allerdings nur acht Jahre jünger als Sir Idris Elba.
Obwohl die Filmemacher wiederholt betonten, sie wollten keine anderen Mecha- oder Kaiju-Werke zitieren, haben sie zugegeben, es versehentlich doch getan zu haben. So ist „Jaeger“ auch der Name eines der Mecha-Designs aus dem FASA-MechCommander-Universum der Fraktion der Inneren Sphäre. Außerdem erinnert die Szene, in der Otachi nach Dr. Newton Geiszler sucht, stark an den Film The War of the Gargantuas (1966), in dem ein riesiges Monster nach einer menschlichen Hauptfigur sucht, die sich unter der Erde versteckt.
Mutavore (Kategorie 4), während der Produktion als Bladehead bekannt, ist das erste Monster, das in Sydney die Anti-Kaiju-Barriere durchbricht. Entworfen von Wayne Barlowe, „hat es diesen massiven, klingenförmigen Kopf, mit dem es sich einfach durch die Schutzmauer um Sydney prügelt“, sagte Hickel. „Und es schneidet durch die Mauer wie durch warme Butter. Es sieht eigentlich nicht so aus, als hätte es einen Mund, bis es ihn öffnet und zu brüllen beginnt. Es ist diese seltsame kleine gespaltene Linie vorne an seinem Klingenkopf. Es ist ein sehr, sehr ungewöhnliches Design, das mir tatsächlich sehr gefällt. Es ist eines meiner Favoriten.“ Die Kreatur behielt stets bestimmte Merkmale, etwa die Form des Kopfes und die Augen am Unterkiefer. Frühe Entwürfe hatten zusätzliche Münder und Gliedmaßen, die für das endgültige Design verworfen wurden. Das digitale Modell wurde wiederum ausgehend vom Knifehead-Modell erstellt.

Fakten mit Spoilern

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Als die kleine Mako in der Gasse ist, war jedes Objekt am Set an dasselbe Hydrauliksystem angeschlossen. Immer wenn das riesige Monster einen Schritt machen sollte, hüpfte oder bebte alles im Gleichklang, einschließlich der Pfützen.
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Bei einem NerdHQ-Panel 2013 spricht Robert Kazinsky über die Kampfszene zwischen Chuck und Raleigh im Flur und darüber, wie Charlie Hunnam sich während dieser Sequenz die Nase brach. Kazinsky sagt, die Einstellung, in der Hunnam sich die Nase brach, sei im Film geblieben, und er erklärt auch stolz, dass er danach weiter auf den Beinen blieb.
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Als Mako in ihre Erinnerung daran fällt, als kleines Mädchen angegriffen zu werden, wurde der Übergang vom Cockpit des Jaegers zur japanischen Straße komplett am Set umgesetzt.
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Der einminütige Countdown bis zur Explosion dauert im Film tatsächlich eine Minute.

Pacific Rim: 60 Fakten hinter den Kulissen

Fakten mit Spoilern

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