羅生門の舞台裏トリビア44選
黒澤明監督はしばしば複数のカメラを同時に回して1つのシーンを撮影した。当時としては珍しい手法で、編集や連続性の維持が容易になった。
羅生門は1951年のヴェネツィア映画祭で金獅子賞を受賞し、黒澤明が国際的に認知されるきっかけとなった作品である。
この映画はカメラを初めて太陽に直接向けた作品としてしばしば称賛される。黒澤明の自伝では、彼はその技法を発明したのは撮影監督で、自分が使用したとしているが、数年後、テレビ放映前の解説でスタジオの責任者が手柄を主張した。黒澤はその主張を苦々しく否定した。
「羅生門」というタイトル（または主要な城門）は、「羅生門効果」という文脈でポピュラーカルチャーの一部となっている。これは、同じ物事や出来事に対して人によって大きく異なる視点を持つことを指し、盲人が象を触ってロープや木などと表現する寓話のように、この映画で語られる物語は芥川龍之介の「藪の中」に基づいている。
スティーブン・シュナイダー編集の「死ぬ前に観るべき1001本の映画」に含まれている。
AFIの投票で、ダニエル・ペトリ監督が自身の好きな映画として挙げた。
この映画はクライテリオン・コレクションのスパイン番号138に収録されている。
有名な森のシークエンスは、スタジオセットではなく実際の屋外環境を用いて、奈良近郊の森林地帯で撮影された。
この映画は低予算で、わずか3つのセット（門、森、中庭）のみで撮影された。撮影は1950年7月7日に始まり、8月17日に終了。ポストプロダクションはわずか1週間で、1950年8月25日に東京で公開された。
妻の視点のシーンで使われた音楽は、ポストプロダクション中にしか入手できなかった。黒澤明と編集者は、その音楽がスクリーン上のアクションとほぼ完全に一致していることを発見し、シーンを音楽に合わせて変更する必要がなかったことに驚いた。
この映画の国際的な成功は、黒澤明と日本映画を世界の舞台に確固として押し上げた、前例のないほどの連作の幕開けとなった。特に黒澤にとっては、16世紀日本の侍を舞台にした時代劇シリーズ「時代劇」フェーズの始まりであり、七人の侍（1954年）、蜘蛛巣城（1957年）、隠し砦の三悪人（1958年）、用心棒（1961年）、椿三十郎（1962年）が含まれる。
多襄丸が妻の手を引いて森の中を引きずるシーンで、黒澤明は妻が伝統的な草履では走れないと考え、京マチ子にスニーカーを与えて走らせた。
この映画のタイトルは最近、オックスフォード英語辞典に追加され、「...映画『羅生門』に似ている、またはそれを連想させる、特に複数の矛盾する、あるいは異なる...解釈によって特徴づけられる」と説明されている。
この映画はロジャー・イーバートの「グレート・ムービーズ」リストに含まれている。
この映画はカメラを太陽に直接向けた最初の例としてしばしば誤ってクレジットされる。もっと早い例はいくつもあり、例えば『ファッティとメイベルの漂流』（1916年）では海辺から日の出が映されている。
『アウトレイジ』（2011年）や『アイアン・メイズ』（1991年）の他に、『戦火の勇気』（1996年）も、重要な戦いを語る際に複数の視点を用いる点でこの映画から多大な影響を受けている。
ハンディカメラ技法の非常に初期の使用例。森の中をカメラが登場人物を追って密着するシーンで見られる。
アカデミー賞が「最優秀外国語映画賞」部門を創設した理由としてしばしば言及される。
黒澤明は自伝で、森での撮影中にスタッフが遭遇した最大の問題の一つは、木からナメクジが落ちてきて頭に付くことだったと回想している。キャストとスタッフはナメクジを寄せ付けないために、常に体に塩を塗らなければならなかった。
黒澤明作品で初めてアカデミー賞の美術賞（白黒部門）にノミネートされた。
この映画は407の別々のショットで構成されている。当時のこの長さの映画としては通常の2倍以上である。
脚本は当初、新人脚本家の橋本忍によって「雌雄」として書かれた。その後、橋本は黒澤明との最初の打ち合わせで「羅生門」というタイトルを提案した。
撮影中、キャストは脚本を持って黒澤明のところに集団で押しかけ、「これはどういう意味ですか？」と尋ねた。その時、そして自伝でも彼が答えたのは、この映画は人生の反映であり、人生には常に明確な意味があるわけではない、ということだった。
門にあった「羅生門」の看板は保存され、撮影監督の宮川一夫が1999年に亡くなるまで自宅で保管していた。
真昼でも、スタッフが撮影する必要のある森の部分はまだ暗すぎた。十分な光を反射しない通常のフォイル反射板を使う代わりに、黒澤明と撮影監督の宮川一夫は大映の衣装部から借りた全身鏡を使うことにした。スタッフは鏡から光を葉や木々を通して反射させ、光を柔らかくし、より自然な太陽光のように見せた。宮川は後に、自身が行った中で最も成功した照明効果だったと語っている。
多くのアメリカのテレビ番組——シットコム、SFアドベンチャー、動物アニメなど——が、同じ一連の出来事が登場人物によって異なって記憶される「羅生門エピソード」を制作している。
フェデリコ・フェリーニ、ウディ・アレン、サタジット・レイ、イングマール・ベルイマン、ジョン・ヒューストンといった監督たちが、この作品を自身の好きな映画の一つに挙げている。
黒澤明は三船敏郎に、自身のキャラクターの動きを野生動物、特にライオンを模倣するよう求めた。黒澤がライオンの動きをどう想定していたかは、夫婦チームのマーティン・E・ジョンソンとオサ・ジョンソンによる野生動物ドキュメンタリーの影響を強く受けていた。
森の映像の多くは、鏡や反射板を通した自然光を用いて撮影され、当時の日本映画としては珍しい手法だった。
この映画は非線形の語りで広く知られており、同じ犯罪について複数の矛盾するバージョンを提示している。
2018年にBBCが実施した批評家投票で、非英語圏映画の第4位にランクされた。
物語は芥川龍之介の短編「羅生門」と「藪の中」に基づいており、それらが単一の物語構造に組み合わされている。
この作品は、1998年10月号のPremiere誌で「世界を揺るがした映画100本」の1本に選ばれた。このリストは「史上最も大胆な映画」をランキングしたものだった。
作中で名前を呼ばれる人物は多襄丸だけである。
羅生門を映す豪雨のシーンで、黒澤明は薄灰色の背景に背景の雨がまったく映えないことに気づいた。この問題を解決するため、スタッフは雨の機械のタンクに黒インクを注ぎ、雨を着色することになった。雨が止む直前、木樵の顔にそのインクがはっきりと見える。
多襄丸は封建時代の日本にいながら、日本の刀ではなく中国の剣を携えており、それは柄の護手から見て取れる。
アメリカ映画として2度リメイクされたが、いずれも大きな成功は収めていない。物語を西部劇に変えたThe Outrage（2011）と、現代の犯罪スリラーに仕立てたIron Maze（1991）である。1959年にはブロードウェイの舞台にもなり、この版はアメリカとイギリスの両方でテレビドラマ化もされた。
この作品は日本の批評家から絶賛され、多くの者が西洋での興行的成功に大きな期待を寄せた。公開後、全米興行収入で日本映画最高を記録したが、2年間の総収入はわずか$200,000だった。日本国内の批評家たちは、作品が受けた称賛にもかかわらず期待したほどの興行成功に至らなかったことを深く嘆いた。この作品は、ゴジラ（1954）が公開されるまで、全米興行収入における日本映画の最高記録を保持し続けた。
2008年、この作品はアカデミー・フィルム・アーカイブ、東京国立近代美術館フィルムセンター、株式会社角川映画の手で、角川文化振興財団とThe Film Foundationの資金提供を受けて復元された。
妻の役を演じた京マチ子は、2019年に95歳で亡くなるまで、キャストの中で最後の存命者だった。
マサコが自分の証言を語る場面で使われる音楽は、モーリス・ラヴェルの「ボレロ」によく似ており、明らかにそのモデルに触発されたものと思われる。
「Rasho」は「城塞」、「Mon」は「門」を意味します。羅城門とは、平城京（奈良市）あるいは平安京（京都市）の正面の門を指します。奈良時代、710年から784年まで日本の首都は平城京でした。794年から1869年までは平安時代から江戸時代にかけて平安京が首都でした。「Kyo」は「都」、「To」は「東」を意味します。したがって、京都は偉大な都、東京は東の都という意味になります。
この作品が国際的に公開され絶賛されると、黒澤明が出来事の食い違う証言を最終的に提示するフラッシュバックの要素で市民ケーン（1941）の影響を受けたと多くの者が推測した。しかし黒澤は、この作品の公開から数年後までオーソン・ウェルズの映画を観ていなかった。
ネタバレを含むトリビア
ネタバレを表示
この映画は象徴的な天候の使い方で知られている。大部分を通して激しい雨が降り続く。雨は、天候が晴れに変わる楽観的な結末にかけて消えていく。